1001 discos que debes escuchar antes de morir (16ta)

376. Stranglers ? Rattus Norvegicus (1977)



Los Stranglers siempre supieron, unas veces más afortunadas queotras, especialmente en su primera y fenomenal etapa, pero casi siemprecon interés, acomodarse a las tendencias sonoras del momento.
Así, con influencias de la Velvet Underground, Television, losKinks, Zappa, los Stones, los Doors o, en general, elgarage-rock/proto-punk 60?s, pasaron con facilidad del pub rock alpunk, la new wave o al pop de sintetizadores, en una larga carreraprincipiada a mediados de los años 70.
Llamados originalmente The Guildford Stranglers, Jet Black(batería) fundó el grupo en 1974, junto a Hugh Cornwell (vocalista yguitarrista), Jean-Jacques Burnel (vocalista y bajista) y Hans Wärmling(tecladista y guitarrista) , que fue pronto sustituido por DaveGreenfield (tecladista). Orientados en un principio hacia el pre-punk yel psychedelic rock y el sonido de los Doors, no fue hasta 1976 cuandose les identificó como uno de los pioneros del punk británico, trastelonear a los Ramones y a Patti Smith.
En 1977, y bajo la tutela de Martin Rushent, grabarán en unasemana y como un live set su disco debut Rattus Norvegicus, que,publicado por United Artists, llegará al número 4 en las listas deventa británicas. El album, originalmente llamado Dead On Arrival, seconvertiría en uno de los discos más vendidos de la era punk en elReino Unido. Sus singles serían "(Get A) Grip (On Yourself)" (número 44en la lista de singles) y "Peaches" (que llegó al número 8, a pesar deresultar censurado por la BBC.). Otras canciones destacadas son"Sometimes", "Hanging Around" y "London Lady".

1.Sometimes
2.Goodbye Toulouse
3.London Lady
4.Princess of the Streets
5.Hanging Around
6.Peaches
7.(Get A) Grip on Yourself
8.Ugly
9.Down in the Sewer

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377. Clash ? Clash (1977)



Uno de los grupos esenciales surgidos del punk británico, un estilocaracterizado por una astrosa y provocativa estética, el retorno a lasraíces del rock'n'roll, pero encolerizando su sonoridad y desplegandoun sentimiento de rabia, rebeldía y reivindicación social. Fue elpuntal izquierdista de esta hornada de excitantes formaciones inglesas,influenciadas por grupos americanos como Ramones, Stooges o New YorkDolls.
En sus vigorosas composiciones, impregnadas de postulados líricosque ponían de manifiesto su descontento sociopolítico y las ansias detransformación juvenil, se vislumbraba un enorme talento musical, máselevado y ecléctico que la mayoría de sus colegas generacionales.
Se pusieron bajo las órdenes del mánager Bernard Rhodes que lesconsiguió un acuerdo con la CBS en donde publicaron el estupendo "TheClash" (1977) su primer disco grande producido por Mickey Foote quesupuso un considerable triunfo británico (el disco fue publicado enEEUU hasta 1979). CBS Records había considerado que en Norteamérica elálbum difícilmente tendría éxito y, por ende, decidió no emitirlo allí.Sin embargo, durante el período de 1977 a 1978 el disco se convirtió enel más importado del año vendiendo más de 100.000 copias. La producciónde este álbum costó en total solo £4.000 y alcanzó la 12ª posición enlas listas Británicas.

1.Clash City Rockers
2.I'm So Bored With the U.S.A.
3.Remote Control
4.Complete Control
5.White Riot
6.(White Man) In Hammersmith Palais
7.London's Burning
8.I Fought the Law
9.Janie Jones
10.Career Opportunities
11.What's My Name
12.Hate & War
13.Police & Thieves
14.Jail Guitar Doors
15.Garageland

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378. David Bowie ? Low (1977)



La máxima estrella del momento se encuentra deprimida, abrumada porsu propio éxito, por sus glorias recientes y por el peso de lasexpectativas creadas, harta de la imagen que todos tiene de él. Yresponde refugiándose en sí mismo, creando un disco repleto dereferencias al avant garde, influido por el kraut rock alemán y por lascorrientes de electrónica más avanzadas de su momento. El disco encuestión sorprende al gran público, pero restablece sus credencialesartísticas entre la crítica.
Dejando cínicos paralelismos históricos al margen, y reconociendola importancia capital que los colaboradores externos tuvieron en unade las declaraciones estéticas más personales y atrevidas de la carrerade David Bowie, siempre es algo más que sorprendente comprobar laintacta modernidad de ?Low?, el primero y probablemente el mejor discode la trilogía Berlinesa del dúo Bowie-Eno. Inmerso de un periodo dedepresión personal, paranoia y excesos definitivamente preocupantes conla cocaína, partiendo de Paris y rematando la faena en Berlín, Bowie en?Low? llevó aún más allá el concepto de funk espacial de ?Station toStation?, recogiendo por el camino nuevas e insospechadas influencias.Reclutando a Brian Eno, recuperando a Tony Visconti y manteniendo aCarlos Alomar como guitarrista estrella, la gestación de ?Low? comenzócon unas intenciones radicales. Dividido el disco en una Cara A,enmarcada en dos instrumentales dinámicos, y compuesta de cancionesvocales y dinámicas (pero para nada convencionales) y una Cara B caispor completo instrumental, de ?ambient? extravagante y con graninfluencia teutona, Bowie terminaba de exhibir su ensimismamientopersonal, pero sobre todo su temerario talento artístico.
Tan moderno hoy como el ya lejano día de su creación, es la clasede obra que reconcilia con la capacidad de algunos pocos para hacer delrock una fuerza vital y aparentemente inmortal. En definitiva cuandohablamos de ?Low? hablamos de una verdadera obra maestra.

1.Speed of Life
2.Breaking Glass
3.What in the World
4.Sound and Vision
5.Always Crashing in the Same Car
6.Be My Wife
7.New Career in a New Town, A
8.Warszawa
9.Art Decade
10.Weeping Wall
11.Subterraneans

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379. Steely Dan ? Aja (1977)



El grupo pionero de pop/jazz Steely Dan ya contaba con cincoálbumes en los 40 principales estadounidenses antes de la publicaciónde Aja en 1977. No obstante, Aja ha demostrado ser uno de los álbumesde jazz/rock más destacables de la historia de la música popular.
Aja, (pronunciado ?asia?), es el sexto disco de Steely Dan, y esconsiderado como la cumbre de su carrera. Se grabó entre enero y julio,y se publicó en septiembre de 1977. El álbum contó con una producciónexcepcional así como con la colaboración de los mejores músicos desesión de la época, destacan especialmente nombres como Victor Feldman,Wayne Shorter, Pete Christlieb, Steve Gadd, Larry Carlton o LeeRitenour.
El primer single extraído del álbum fue ?Peg? que apoyado en suirresistible ritmo funky llegó al undécimo puesto de las listasnorteamericanas. En el trabajo más vendido de Steely Dan destaca deforma especial el tema homónimo del disco, ocho minutos que constituyenuna pequeña sinfonía dedicada a la mística de Oriente. La canción sedesarrolla como un sueño delicado tejido por el saxo de Wayne Shorter,que se transforma paulatinamente en un potente poema épico dondesobresale la magistral batería de Steve Gadd.
La creación de esta leyenda es un vivo retrato de una grabación delos setenta, que sigue siendo hoy tan actual y memorable como en elmomento de su publicación hace más de treinta años.

1.Black Cow
2.AJA
3.Deacon Blues
4.Peg
5.Home at Last
6.I Got the News
7.Josie

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380. Wire ? Pink Flag (1977)



Banda post-punk británica compuesta por el cantante y guitarraColin Newman, el guitarrista Bruce Gilbert, el bajista y vocalistaGraham Lewis y el batería Robert Gotobed.
Formados en 1976 debutaron un año después en el sello Harvest conel magnífico "Pink Flag" , publicado originalmente en 1977 unaverdadera joya del punk rock progresivo, esta grabación de corteminimalista seria remasterizada en los años noventa y es ésta últimaremasterización la que les hago llegar. Un excelente disco con unacalidad de sonido difícilmente logrado por los grupos punk de la épocay que ha influenciado gran variedad de bandas y estilos de la músicarock, especialmente sobre grupos como Elastica, [email protected], The Urinals,The Minutemen, R.E.M. (que versionó "Strange" en su álbum Document ) ymás recientemente Bloc Party, The Futureheads y Franz Ferdinand. IanMacKaye de la banda de punk hardcore Minor Threat es también un granseguidor de Wire, y su grupo versionó una de sus canciones, "12XU," ensu álbum Complete Discography. Big Black interpretó el "Heartbeat" deWire en dos ocasiones, una en versión de estudio, publicada como single(el single fue también incluido en el disco recopilatorio Rich Man'sEight Track Tape), y también como versión en vivo incluida en el videodel álbum Pigpile.

1.   Reuters
    2.   Field Day For the Sundays
    3.   Three Girl Rhumba
    4.   Ex Lion Tamer
    5.   Lowdown
    6.   Start to Move
    7.   Brazil
    8.   It's So Obvious
    9.   Surgeon's Girl
    10.   Pink Flag
    11.   Commercial, The
    12.   Straight Line
    13.   106 Beats That
    14.   Mr. Suit
    15.   Strange
    16.   Fragile
    17.   Mannequin
    18.   Different to Me
    19.   Champs
    20.   Feeling Called Love
    21.   12XU
    22.   Options

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381. John Martyn ? One World (1977)



Este impresionante personaje de origen escocés nacido el 11 deseptiembre de 1948,ha grabado la friolera de 24 discos y colaborado conmúsicos tan ilustres como Eric Clapton, Steve Winwood y David Gilmour.Un hombre con una dura vida en lucha contra el alcohol, en 2006 debidoa un quiste se le amputo una pierna, lo que no hizo que se alejara delos escenarios. Su particular estilo, una mezcla de folk y jazz cercanoa artistas como Tim Buckley Y Nick Drake nos han dejado una buena dosisde genialidad y personal estilo a traves de discos como "SolidAir","Grace And Danger","Inside Out" y el que aquí nos ocupa "Oneworld". Unos de sus discos más experimentales con atmosferas muyespaciales, mezcladas con sutileza a ritmos jazz y reggae colaborandoen la obra gente tan dispar como Lee Perry y Steve Winwood.Un discopara saborear en un momento de relajación sin llegar al adormecimiento.Todo ello coronado por una magnifica portada de "Tony Wright" creadorde portadas míticas para Traffic,Bob Marley o Bob Dylan entre otros.

1.   Dealer
    2.   One World
    3.   Smiling Stranger
    4.   Big Muff
    5.   Could'nt Love You More
    6.   Certain Surprise
    7.   Dancing
    8.   Small Hours

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382. Talking Heads ? 77 (1977)



Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos son losTalking Heads, ejemplo arquetípico de banda neoyorquina de rockintelectual y esnob. Esta banda fue una de las más representativasbandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock yel funk predominante en el ambiente británico, el cual influenció ysigue influenciando la música popular.
Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó losprimeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa yEstados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó aesta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado enel teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Estarepresentación es aclamada como uno de los ejemplos más representativosde su género.
77 es un disco muy representativo de lo que se dio en llamar newwave, de inspiradas melodías construidas sobre un sencillo perovitamínico acompañamiento musical a base de guitarra, bajo, batería yteclados que incorporaba unas letras irónicas de regusto arty escupidaspor el neurótico de David Byrne. Eran los tiempos de la new wave, delos conciertos en el CBGB, del punk y de los Ramones.
De esta forma iniciaba esta banda que lograría adoptar un estilomuy original y distinto a lo habitual del período, codeándose congrupos de New Wave como The Police y consiguiendo éxito mayor en ladécada de los ochenta.

1.   Uh-Oh, Love Comes to Town
    2.   New Feeling
    3.   Tentative Decisions
    4.   Happy Day
    5.   Who Is It?
    6.   No Compassion
    7.   Book I Read, The
    8.   Don't Worry About the Government
    9.   First Week/Last Week...Carefree
    10.   Psycho Killer
    11.   Pulled Up

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383. Fleetwood Mac ? Rumours (1977)



Rumours es un álbum conceptual de rock and roll, grabado porFleetwood Mac en 1977, que continuó con el éxito obtenido con el discohomónimo Fleetwood Mac (el primero que se grabó con estos miembros). Elálbum fue grabado el 3 de marzo de 1976, mientras la banda promocionabael sencillo Rhiannon, aunque publicado casi un año después.
Con "Rumours" alcanzaron su punto más álgido, un Lp que nosorprende por su inventiva ni originalidad, pero que indudablementecontiene once piezas óptimamente trabajadas a nivel compositivo,generalmente de basamento agridulce y de cómoda escucha, lo que explicasu tremendo éxito en todo el mundo, especialmente en los EstadosUnidos. Las canciones del álbum reflejan las tensiones personales queexistían dentro del grupo, cuando Buckingham y Nicks por un lado, y losMacVie por otro, estaban en proceso de separación. Para 2006 este discohabía vendido 19 millones de copias, siendo fue certificado por laRecording Industry Association of America como el tercer álbum con másventas en los años 1970. Rumours ganó el premio Grammy en 1978 comomejor álbum del año, y se mantuvo por 31 semanas en la carteleranorteamericana Billboard

1.Second Hand News
2.Dreams
3.Never Going Back Again
4.Don't Stop
5.Go Your Own Way
6.Songbird
7.Chain, The
8.You Make Loving Fun
9.I Don't Want to Know
10.Oh Daddy
11.Gold Dust Woman 

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384. David Bowie ? Heroes (1977)



David Bowie dejando atrás su período glam y su autodenominada fasede plastic soul para profundizar y experimentar en los sonidoselectrónicos junto a su amigo Brian Eno, ex componente de Roxy Music.La mejor ciudad para inspirarse en este tipo de universos sónicos sinduda era Berlín, capital germana y patria de los Kraftwerk, en dondegrabó la denominada "trilogía de Berlín", comenzada con "Low" yfinalizada con "Lodger". En medio, se encuentra "Heroes".
Este es un disco dividido entre seis canciones y cuatro piezasinstrumentales, que claramente definen la aportación de cada artista enel disco. El álbum se inicia con dos canciones techno-pop tituladas"Beauty and the beast" y"Joe the lion", dos temas de ritmos bailables yletras un tanto absurdas en unas composiciones musicales bastantemediocres e iterativas, destacadas por el tratamiento en las texturassónicas.
El mejor corte del Lp es su tercer corte, "Heroes", una excelentey romántica balada convertida en gran clásico dentro del extensorepertorio del camaleón, con un tempo hipnótico y una intensaemocionalidad. Otros temas de este sobrevalorado disco son "Sons of thesilent age", un disfrutable pero tema menor con logradas armonías deBowie, Tony Visconti, Brian Eno y Antonia Maas y "Blackout", unaintrascendente canción con un buen tratamiento a la guitarras de RobertFripp y Carlos Alomar.
El recorrido de este Lp está plagado de sintetizadoresinterpretados por Eno, cuyo sonido encantará a los aficionados a estetipo de instrumentos, pero puede dejar indiferente al degustador delBowie en su etapa Ziggy Stardust. La última canción del disco es "Thesecret life of arabia", elegante aunque poco destacada melodía pop conramalazos funk y coros de Antonia Maas.
La aportación principal de Brian Eno se encuentra en la segundamitad del álbum, co-escrita en buena parte entre Bowie y el ex RoxyMusic (al igual que "Heroes" ). Ofertan un tributo a Florian Schneider(miembro de Kraftwerk) con "V-2 Schneider" y desarrollan valiosospasajes ambientales a lo largo de estimables piezas atmosféricas decorte futurista y apocalíptico como "Sense of doubts" o "Moss Gardens".A destacar el fenomenal trabajo en todo el album del guitarrisa RobertFripp, líder de los King Crimson, quien eleva en ciertos pasajes laflojedad de muchas composiciones. La producción está compartida porBowie (quien también se luce a veces con el saxo) y Tony Visconti.
Si bien ?Low? mantuvo el filón comercial del artista, tanto estecomo ?Heroes? no destacaron en lo comercial, aunque fueron inmensamentealabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre laelectrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas ysolistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, oposteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia einspiración de estos álbumes.

1.   Beauty and the Beast
    2.   Joe the Lion
    3.   Heroes
    4.   Sons of the Silent Age
    5.   Blackout
    6.   V-2 Schneider - (German)
    7.   Sense of Doubt
    8.   Moss Garden
    9.   Neukoln
    10.   The Secret Life of Arabia
    11.   Abdulmajid
    12.   Joe The Lion

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385. Dennis Wilson ? Pacific Ocean Blue (1977)



Dennis Wilson fue el hermano mediano de los Wilson y batería de losBeach Boys, uno de los grupos más influyentes de la música popular detodos los tiempos, en una época dorada, los 60, en que Rock and Roll yPop eran uña y carne, pero posteriormente, a partir de los 70, ambosestilos se distancian, y salvo honrosas excepciones, los grupos ohacían Pop o hacían Rock, y la magia poco a poco se desvaneció, con laconsiguiente pérdida de la inocencia de una música que en su día pusoel mundo patas arriba a base de enérgicas canciones con la miradapuesta en el estribillo y la melodía perfecta.
Diez años después de la obra magna de Beach Boys, ?Pet Sounds? unDennis Wilson que siempre había pasado desapercibido parapetado tras labatería, sentía la necesidad de escribir sus propias canciones y volaren solitario, y de la noche a la mañana el espíritu libre de los BeachBoys, el más salvaje, el indolente ?punk? que jugueteó con la familiaManson (amigo íntimo de Charles Manson por algún tiempo) siempre a labúsqueda de la fiesta sin final, pasó de estar eclipsado por el enormetalento de su hermano mayor (Brian), a elevarse como un músico,cantante e intérprete único, capaz de emocionar con su ronca voz y susasombrosas canciones repletas de alegría, tristeza, amor, desamor y endefinitiva, canciones repletas de vida.
En 1977 sale a la luz ?Pacific Ocean Blue?, no solo el primer LPde Dennis Wilson, también es el primer disco de un Beach Boy ensolitario, y el resultado impresiona a la primera escucha. Es untrabajo elaborado, con ricos arreglos, pero al mismo tiempo suena tanfresco y accesible como el disco de Rock and Roll más directo. ?PacificOcean Blue? se grabó en los estudios del sello Brother (propiedad delos hermanos Wilson) en California, colaboraron viejos amigos ycompañeros (su hermano menor Carl Wilson, Greg Jakobson, BruceJohnston...), Dennis escoge a los mejores músicos de sesión (Hal Blainede la Wrecking Crew de Phil Spector, Ed Carter, Jamie Jamerson...). Lascanciones están llenas de suntuosos arreglos de vientos, percusiones,delicados teclados, e incluso hay un coro gospel que ensalza lascanciones. A pesar de todo, los arreglos no abruman, no hay ?lifting?musical alguno, y todo suena con una naturalidad apabullante. Son 12temas que tocan la fibra sensible, desde la inicial ?River song? conesas sensibles notas iniciales de piano, la entrada del coro alcompleto, y la voz de un Dennis Wilson que es un torrente de emociónpura. Más festiva resulta ?What's wrong?, sobre una portentosa secciónde vientos Dennis, en sus propias palabras, nos hace creer en el Rockand Roll. Con canciones como ?Thoughts of you?, una de las mejoresbandas actuales como Wilco, venderían su alma al diablo. Aunque Dennistiene su propio estilo único y verdadero, ha tomado buena nota de sugenial hermano mayor Brian Wilson, y ?Time? es una buena prueba deello, de una desnudez y belleza poco frecuentes. En definitiva, todaslas canciones tienen su universo propio, crean adicción y muestrannuevos matices en cada nueva escucha, que varían según el cambianteestado de ánimo. ?Pacific Ocean Blue?, unánimemente fue aclamado por locrítica especializada. Había vendido 300.000 copias, y llego a puesto#96 en U.S., sin embargo estuvo agotado e imposible de conseguirdurante más de una década, excepto como un artículo de coleccionistascaro o de contrabando. El 17 de junio del 2007, se lanzó una versiónpor el aniversario 30, por la discográfica Sundazed.

1.River Song
2.What's Wrong
3.Moonshine
4.Friday Night
5.Dreamer
6.Thoughts Of You
7.Time
8.You And I
9.Pacific Ocean Blues
10.Farewell My Friend
11.Rainbows
12.End Of The Show

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386. Suicide ? Suicide (1977)



Alan Vega y Martin Rev se conocen en 1971, al frecuentar loscírculos artísticos de la Gran Manzana. Con las mínimos elementos?algún teclado, algo para generar ritmos y ruido..., forman un dúo conmayor vocación expresionista que musical. Sus shows suelen serrecibidos con sonoros abucheos, dado el sonido poco convencional delproyecto, bautizado como Suicide. La explosión del punk a mediados dela década promueve la escena de bandas locales, por lo que el dúoconsigue grabar su primer álbum. El resultado es ?Suicide? (1977), unaobra de referencia en la historia del rock que capta el espíritutransgresor de aquellos días desde una óptica más plástica.
Suicide nunca obtuvo el éxito comercial, pero siempre conto conel beneplácito de la crítica, mientras su influencia se deja notar entoda la estirpe tecno-pop durante los ochenta, así como en laschirriantes huestes del rock industrial y otros conceptos musicalesextremos.
La influencia de Suicide se puede percibir en el post punk, elindie rock, la música industrial y el dance. Entre otros, HenryRollins, Soft Cell, The Fleshtones y R.E.M. han mencionado a Suicidecomo una de sus principales influencias. Por otro lado, la huella deSuicide es perceptible en canciones de Springsteen como "Mr StateTrooper", del álbum "Nebraska". También es muy conocida la amistad deAlan Vega con el líder del grupo gótico británico The Sisters Of Mercy,Andrew Eldritch: en el "run-out groove inscription" de los simples delos Sisters hay varias dedicatorias a Vega, como "for Alan Vega". En1986 Alan Vega participò en "Gift", un E.p. de The Sisterhood, el grupode Andrew Eldritch.


1.   Ghost Rider
    2.   Rocket U.S.A.
    3.   Cheree
    4.   Johnny
    5.   Girl
    6.   Frankie Teardrop
    7.   Che
    8.   Cheree - (remix)
    9.   I Remember
    10.   Keep Your Dreams

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387. Iggy Pop ?The Idiot (1977)



Seductora colaboración entre David Bowie (en faceta de producción ycomposición) e Iggy Pop, en la cual se aprecian los sofisticadostanteos sónicos que estaba realizando el primero en la ciudad de Berlínjunto a su buen amigo Brian Eno ("The Idiot" fue asimismo grabado en lacapital germana).
La ferocidad punk-rockera y el estilo vocal de Iggy en los Stoogesse ve modificada en este disco por unos temas de texturas electrónicascon ecos de Kraftwerk, iterativos pero fascinantes ritmos tapizados poruna calma, elegante y profunda voz de modalidad barítona.
Este fue el álbum debut de Iggy Pop como solista (Ex TheStooges), la música (principalmente de Bowie) y las letras (a cargo deIggy) exponen el estado de experimentación de ambos personajes,captando una insinuante, decadente y sombría atmósfera, desarrollada ensensacionales piezas como "Nightclubbing", "Funtime", "Baby", "Dum DumBoys", "Sister midnight" o la famosa "China Girl", posteriormenterevisitada en los años 80 por el propio Bowie en el Lp "Let's dance".
A pesar de su ánimo lúgubre y sombrío, la resurrección de Iggy Popestá aquí, en ?The Idiot, una obra en la que, después de perder laguerra del rock, la cordura y las emociones, el cantante admite notener nada en el mundo, pero, al mismo tiempo, nada que perder. Estedisco prefigura los experimentos formales que Bowie desarrolló afinales de la década del 70, además del postpunk inglés desde Wirehasta Joy Division.Pero, antes que nada, "The Idiot" es un disco dondeel dolor más profundo se convierte en un pretexto más para seguircreando y, en consecuencia, seguir viviendo. Canciones perfectas paraperder una guerra y volver a casa con una botella de cerveza bajo elbrazo y una sonrisa torcida en la cara.
Cómo dato de morbo, este disco era escuchado por Ian Curtis,cantante y compositor del grupo Joy Division, mientras se suicidaba.

1.Sister Midnight
2.Nightclubbing
3.Funtime
4.Baby
5.China Girl
6.Dum Dum Boys
7.Tiny Girls
8.Mass Production

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388. Peter Gabriel ? Peter Gabriel 1 (Car) (1977)



En Febrero de 1977, en plena eclosión Punk Rock, Peter Gabrieliniciaba en Toronto su brillante carrera como solista. El prolífero ytrascendente productor Bob Ezrin sería el encargado de plasmar en unálbum las ideas musicales de uno de los más originales y grandesmúsicos de la historia. Su liderazgo en una de las bandas de rockprogresivo más importantes de los 70?s como Genesis, eran historiapasada. Los sonidos, la estética y el concepto musical habían cambiadomucho en esta etapa de transición hacia la nueva década.
Inquieto artísticamente, sagaz e inspirado, Peter Gabriel noentraría al estudio a reproducir el sonido Genesis de ninguna manera.Ezrin fue el catalizador de su particular arte, una marca registradapara cualquier oyente que al instante de escuchar unas pocas notas y suprimera frase lo reconoce rápidamente. Solo Peter Gabriel suena a PeterGabriel, sin medias tintas.
Tony Levin, Robert Fripp y Larry Fast, uno de los magos másimportantes de la construcción sonora con sintetizadores, son algunosde los músicos de Elite que acompañan a Gabriel en el disco. Para tomarla real dimensión circundante a Gabriel, todos estos talentos estabancoordinados por la persona que un año antes del glorioso debut dePeter, produjo Destroyer de Kiss, y un año después, The Wall junto aWaters y Gilmour. Nada menos!
Peter Gabriel 1, o ?Car?, como lo llaman sus fans, es unaverdadera obra maestra del Rock. Un disco que el mismo Gabriel jamáspudo superar, aunque en los 80?s se cansara de vender discos con?Sledgehammer? de la mano de Daniel Lanois. Tambien incursionara en laWorld Music de manera muy distintiva y siempre nos entregara discos dealtísima calidad, pero nunca volvió a conjugar ?Arte, estética, ysonido? como en este álbum.

1.   Moribund The Burgermeister
    2.   Solsbury Hill
    3.   Modern Love
    4.   Excuse Me
    5.   Humdrum
    6.   Slowburn
    7.   Waiting For The Big One
    8.   Down The Dolce Vita
    9.   Here Comes The Flood

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389. Television ? Marquee Moon (1977)



Marquee Moon de Television es uno de esos llamados discos de culto,incluido innumerables veces entre los mejores de la historia y uno delos pocos que grabó el grupo, de efímera existencia.
Su líder, Tom Verlaine, pianista y guitarrista, se trasladó a NewYork desde su natal New Jersey y se integró al ambiente artísticocontracultural del este de esa ciudad. Conoció a Patti Smith y colaborócon ella en varios proyectos. Posteriormente formó Television conRichard Lloyd, también guitarrista, Fred Smith, bajista y cantante, yBilly Ficca, baterista. Con esta formación se grabó el disco.
El sonido de Television es esencialmente punk, pero la influenciacultural de New York los acercó al art rock, concepto que tiene que vercon la multidisciplina en el arte, abriendo todas las posibilidades defusión de elementos de este. Podría decirse que Andy Warhol, es elprecursor de esta idea del arte.
El álbum está dotado de un sonido que se basa en elentrecruzamiento de las guitarras de Verlaine y Lloyd, la voz lastimeray sarcástica de Tom, una base rítmica consistente y unas letras de altacalidad poética.
Entre los cortes destacan la abridora See No Evil, punk enérgicosostenido en las guitarras y la voz que no dejan espacios para elsilencio; Venus, con el sonido típico del grupo, rock semilento quepermite incluir la métrica difícil de la poesía de Verlaine; MarqueeMoon, la clásica con que se reconoce al grupo; Elevation, muy influidapor los sonidos del glam rock, Roxy Music en especial; Prove It, conevidente influencia de Lou Reed, pero con la voz de Verlaine y TornCurtain, el del cierre, punk bluseado, en donde la voz de Tom seaprecia a plenitud.
Verlaine realmente se apellida Miller, pero como admirador de PaulVerlaine, el poeta maldito francés, tomo prestado el nombre. Siguió unacarrera solista que resulta de sumo interés, alejado del punk.Desarrolló propuestas vanguardistas que vale la pena explorar.
?Marquee Moon? es uno de los discos debut más importantes de lahistoria del rock, aparece en la Lista de Rolling Stone de los 500mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 128, si bien almomento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en elchart británico, el álbum no ha vendido muchas unidades en EstadosUnidos, haciendo de Marquee Moon, sin embargo, un álbum de culto y unode los más importantes de la escena de Nueva York.

En 2003 el álbum fue considerado por el New Musical Express como elcuarto mejor disco de todos los tiempos, en el mismo año la cadenatelevisiva VH1 lo colocó en puesto número 83 de los mejores discos dela historia. Pitchfork Media lo colocó como el tercer mejor disco de ladécada del 70.

01. See No Evil
02. Venus
03. Fiction
04. Marquee Moon
05. Elevation
06. Guiding Light
07. Prove It
08. Torn Curtain

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390. Meat Loaf ? Bat Out of Hell (1977)



Bat out of Hell es un álbum de 1977 del cantante Meat Loaf, delescritor Jim Steinman y del productor Todd Rundgren que se haconvertido en uno de los discos más vendidos a nivel mundial.
El álbum surgió a partir de un musical, Neverland, una adaptaciónde estilo ciencia ficción de la historia de Peter Pan, la cual Steinmanescribió para un taller llevado a cabo en el Centro John F. Kennedy en1977. Steinman y Meat Loaf, quienes se encontraban viajando con elespectáculo de la revista National Lampoon, sintieron que trescanciones del musical eran "excepcionales" y Steinman comenzó adesarrollarlas como parte de un proyecto de siete canciones que queríantransformar en un álbum. Las tres canciones eran "Bat out of Hell","Heaven Can Wait" y "The Formation of the Pack", la cual seríarenombrada "All Revved Up With No Place to Go".
En 1993, Steinman expresó que el álbum es "eterno en el sentidode que no cabía dentro de ninguna tendencia. Nunca ha sido parte de loque está pasando. Podrías lanzar el disco en cualquier época y estaríafuera de lugar"
Hasta 2007, había vendido un estimado de 34 millones de copias, ycontinúa vendiendo aproximadamente 200.000 por año. La revista RollingStone lo colocó en la posición 343 de su lista de los 500 mejoresálbumes de todos los tiempos. Su estilo musical está influenciado porla apreciación de Steinman de Richard Wagner, Phil Spector y BruceSpringsteen.
En 2006 obtuvo la novena posición en una encuesta realizada porAustralian Broadcasting Corporation para descubrir cuál era el álbummás popular de Australia. En noviembre de 2007, Meat Loaf fuegalardonado con el premio al Álbum Clásico en la Lista de Honor delRock Clásico de Classic Rock.

1.Bat Out of Hell
2.You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)
3.Heaven Can Wait
4.All Revved up With No Place to Go
5.Two Out of Three Ain't Bad
6.Paradise by the Dashboard Light
7.For Crying Out Loud

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391. Elvis Costello ? My Aim is True (1977)



Un británico, nacido musicalmente en los 70, en plena New Wave,lleva la música en las venas. Costello es uno de esos tipos que tesorprende de vez en cuando con un disco nuevo y diferente a lo que hagrabado anteriormente.
"My aim is true" es uno de los discos más rockeros de ElvisCostello, uno de los últimos grandes genios que ha dado el rock en lasúltimas décadas. En este álbum,, detectamos ritmos del genuino rock delos años 50 ("Mystery dance" ), otros típicos de guateques de los 60,algunos guitarreos blueseros, guiños country e incluso un tema reggae("Watching the detectives" ). Pero básicamente, "My aim is true" esmucho rock.
Elvis Costello parece sumarse al carro del estilo que encabezaentre otros, Springsteen, con "The wild, the innocent & the EStreet Shuffle" (1973), o el ya posterior "The river"(1980). ("Miracleman", "No dancing", "I´m not angry", entre otros.)
"Welcome to the working week", "Miracle man", "Allison", "Lessthan zero"... son un buen señuelo para poner nuestra atención en una delas perlas de Costello, en la que el polémico y singular incendiario dementes ermitañas, se pone al nivel de los mejores, en cada estilo queinterpreta. Este su álbum debut tuvo un significativo éxito de críticasy un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando elel Top 40 en Estados Unidos) Siempre a la vanguardia, con todosustedes, Elvis Costello, uno de los imprescindibles.

1.Welcome to the Working Week
2.Miracle Man
3.No Dancing
4.Blame It on Cain
5.Alison
6.Sneaky Feelings
7.(The Angels Wanna Wear My) Red Shoes
8.Less Than Zero
9.Mystery Dance
10.Pay It Back
11.I'm Not Angry
12.Waiting For the End of the World
13.Watching the Detectives

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392. Iggy Pop ? Lust for Life (1978)



Tras su anterior grabación conjunta titulada "The Idiot", la parejaDavid Bowie y uno de sus grandes ídolos musicales, Iggy Pop, el exlíder de los Stooges, vuelven al estudio de grabación para realizar unode los mejores trabajos de la más famosa iguana de Ypsilanti.
Gracias a la producción y composición musical en muchos temas deBowie, que también colabora en piano y coros, el ejemplar dúo rítmicode Tony y Hunt Sales y las guitarras de Carlos Alomar y Ricky Gardiner,Iggy Pop graba un cimbreante disco de sobresaliente ejecución vocal,abierto con el vertiginoso compás del clásico "Lust for life", al quesiguen arrebatadoras canciones pop de tenue maquillaje rock, como lasensual, dominada por un pegadizo riff, "Sixteen", el rock deabrumadora carga energética de "Some Weird Sin", el hipnótico recorridodel clásico "The Passenger", "Tonight", pieza que posteriormente elcamaleónico artista británico versionaría junto a Tina Turner (en unaadaptación inferior a la de Iggy) o la canción que cierra el disco dealegre y sugerente ritmo de teclado, cantada con un gran cinismo porIggy y titulada "Fall in love with me".
De Iggy Pop este álbum es el más reconocido por los críticos,además de ser el álbum más comercialmente popular hasta la fecha, ysigue siendo su mayor referente en las listas de ventas en Reino Unido.La canción que da título al álbum atrajo nuevamente los reflectores dosdécadas más tarde, cuando apareció en la banda sonora de la películaTrainspotting (1996).

1.Lust For Life
2.Sixteen
3.Some Weird Sin
4.The Passenger
5.Tonight
6.Success
7.Turn Blue
8.Neighborhood Threat
9.Fall in Love With Me

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393. Ian Dury ? New Boots & Panties!! (1977)



Ian Dury, nacido en Essex en 1942, figura de culto del rock &roll, y padre de uno de sus más celebrados eslóganes (?sexo, droga yrock and roll?). De niño sufrió la polio, lo que condicionó sucapacidad física. Pero a pesar de los consejos médicos, decidió primeroestudiar arte y después fundar grupos de rock.
Con el apoyo de Charlie Gillet, inició sus primeras grabaciones,que desembocarían en un contrato con Stiff Records, sello clave de los70 en el Reino Unido. Y en 1977 grabó, junto a su grupo The Blockheads,este New boots and panties!!, un disco ecléctico, (rock?n?roll, pop newwave, music hall, que adelantaba la new wave como alternativa al punk.)y simpático (el sentido del humor de Dury es siempre apreciable en suescritura) que se convirtió en un gran éxito en Inglaterra gracias atemas como ?Sweet Gene Vincent? o ?Wake up and make love to me?, cortesescritos por Dury junto a Chaz Jankel, habitual colaborador en lacomposición y ex componente también de Kilburn and The High Roads.


Fuera del LP (en reediciones posteriores se añadirían a los discoscomo bonus tracks) y en formato single, Ian editó singles como ?What aWaste? (número 5 en Inglaterra), el mítico y bailable tema ?Sex anddrugs and rock?n?roll?, ?Hit me with your rhythm stick?, canción quellegó al número 1 en Gran Bretaña, o ?Reason to be cheerful? (número3). Las canciones de este álbum fueron grabadas por conocidos artistasbritánicos e irlandeses como homenaje a Ian Dury, que falleció en 2000tras una larga enfermedad.

1.   Wake up and Make Love With Me
    2.   Sweet Gene Vincent
    3.   I'm Partial to Your Abracadabra
    4.   My Old Man
    5.   Billericay Dickie
    6.   Clevor Trever
    7.   If I Was With a Woman
    8.   Blockheads
    9.   Plaistow Patricia
    10.   Blackmail Man
    11.   Sex and Drugs and Rock and Roll
    12.   Razzle in My Pocket
    13.   You're More Than Fair
    14.   England's Glory - (live)
    15.   What a Waste

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394. Sex Pistols ? Never Mind the Bollocks, Here?s the? (1977)



Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue el primer yúnico álbum de estudio de la legendaria banda punk Sex Pistols. A díade hoy es considerado uno de los trabajos musicales más influyentes delpunk y el rock and roll en general.
El álbum fue editado en el Reino Unido el 28 de octubre de 1977por la discográfica Virgin Records causando inmediatamente controversiapor la inclusión de la palabra "Bollocks" (testículos en inglésbritánico informal) en el título. Sin embargo, mucho mayor fue lacontroversia generada por las letras de "Anarchy in the U.K." y "GodSave the Queen", así como el arte de portada de Jamie Reid para elsencillo de esta última. Ambas canciones fueron marcadas como insultosa la sociedad civil y a la monarquía y particularmente "God Save theQueen" hacia la reina Isabel II. Ante esto, el vocalista Johnny Rotteny el gutarrista Steve Jones insistieron en afirmar que el ataque no erahacia la reina en particular sino que hacia el gobierno británico engeneral. De cualquier manera, la controversia no hizo más que aumentarlas ventas del álbum.
Never Mind the Bollocks también marcó un punto de inflexión en elpunk rock por la producción musical. Llegó pronto al # 1 en la listabritánica de álbumes más vendidos, sin embargo, en la listaestadounidense de Billboard solo llegó al # 106. En 1998, los lectoresde la Revista Q lo votaron como mejor álbum de la historia, mientrasque en 2000 la misma revista lo colocó # 10 en su lista de los 100mejores discos británicos de todos los tiempos. En 2001, el canal VH1lo colocó # 17 en una lista similar. Por su parte, Rolling Stone localificó en 1987 como el segundo álbum más importante de los últimos 20años, por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de TheBeatles y lo posicionó # 41 en su lista de los 500 mejores álbumes detodos los tiempos de 2003. Finalmente, los lectores de Kerrang! localificaron como el mejor álbum de la historia del punk.
En general, gran parte de los críticos y músicos consideran aNever Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols como uno de los discosmás importantes de la historia del punk rock.

1.Holidays in the Sun
2.Bodies
3.No Feelings
4.Liar
5.Problems
6.God Save the Queen
7.Seventeen
8.Anarchy in the U.K.
9.Sub-Mission
10.Pretty Vacant
11.New York
12.EMI
13. Streets Of London

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395. Pere Ubu ? Modern Dance (1978)



Pere Ubu , una de las bandas más grandes (y más creativas) de todoslos tiempos, con David Thomas, uno de los vocalistas más grandes (y másexcéntricos) de todos los tiempos, The Modern Dance (1978), una de lasgrabaciones más importantes en historia de la música rock, fue, antesque nada, el fresco de una civilización a la orilla del colapso.También fue la banda sonora del colapso nervioso, tanto individual comocolectivo.
Pere Ubu lanzó un bacanal ensordecedor de eslóganes crípticos,vocales agonizantes, golpes discordantes, distorsiones electrónicas ypulsaciones primitivas. El "baile moderno" era el baile grotesco decuerpos poseídos por los espasmos de la alineación industrial y elletargo posindustrial. La carga visceral crítica de música tribalantigua fue transpuesta al ambiente y a la cadencia de la fábrica. Lascanciones eran orquestadas con interludios en forma libre, grupos desonido "concretos" y electrónicos, y explosiones repentinas de ruido,pretendiendo evocar el movimiento cíclico, las ráfagas humeantes y elrugido amenazante de las máquinas, así como los lamentos inorgánicosdel grupo de trabajadores y el decaimiento apático de sus mentes. Elvibrato demente y llanto sonámbulo de Thomas, que parecía la burla alestilo enfático de la protesta, aumentaba el sentimiento de locura. Suferviente balbuceo (abarcando la gama desde el estilo de Frank Sinatraal falsete de Marvin Gaye al rugido de Howling Wolf al delirio deCaptain Beefheart) pintaba el retrato de una psique atormentada.Mientras tanto, Allen Ravenstine fermentaba el rol de los teclados enla música rock, trayendo una revolución comparable a la que empezóBrian Eno unos cuantos años atrás. Su estilo anti sensacionalista sebasaba en una atmósfera más que en técnica, un sonido "sucio"preferente y no ortodoxo sobre la melodía. Las canciones másestructuradas fundaron un nuevo tipo de lied absurdo. Las cancionesmenos estructuradas estaban en la frontera entre la música de cámarapara utensilios de cocina, líneas de sintetizador discordantes ysobredosis psicodélicas. Esto es música folk para la edad industrial,una síntesis extrema de los Velvet Underground, Pink Floyd y los héroeslocales los Stooges.
Su atractivo surge de esa tirantez entre el rock más primitivo yel art-rock más futurista. Este disco escenificaba una tensión noresuelta entre el horror y la atracción frente al paisaje urbano, encualquier caso, esto es futurismo rock, excelente, de superior calidad.

1.   Nonalignment Pact
    2.   Modern Dance
    3.   Laughing
    4.   Street Waves
    5.   Chinese Radiation
    6.   Life Stinks
    7.   Real World
    8.   Over My Head
    9.   Sentimental Journey
    10.   Humor Me

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396. Kraftwerk ? Man Machine (1978)



En mayo de 1978 Kraftwerk lanzó The Man-Machine, El álbum fuegrabado en Kling Klang. Durante la grabación del álbum, el grupo sesentaría detrás de la consola de mezclas de Kling Klang y dejaron lossecuenciadores y el equipamiento del estudio tocando melodías. FlorianSchneider se levantaría y se movería hacia un secuenciador y lanzaríaotra secuencia musical. Este fue el estilo de improvisación deKraftwerk. Este proceso se repetiría hasta que las pistas se acumularonen canciones. Debido a la complejidad de la grabación, el álbum fuemezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf. Los dos ingenieros de mezclasJoschko Rudas y Leanard Jackson, desde Los Ángeles, fueron encargadospara mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producido enblanco, negro y rojo, el arte de portada estaba inspirado por el aristaruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiadapor Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas ycorbatas rojas. Siguiendo el lanzamiento de The Man-Machine, Kraftwerkno lanzaría otro álbum hasta otros tres años más.
La influencia de Krafwerk en la música no sólo techno sino popeuropeo desde los años 1970´s y 80´s es indiscutible. Los grandesalquimistas del pop rock europeo tuvieron que reconocerlo por lafascinación que les causaba la banda de Ralf Hütter y FlorianSchneider. David Bowie dedicó un track a Scheider en su discoexperimental de aquellos años, "Heroes"; Brian Eno también, entre otroscomo Siousxie and the banshees. Con el auge del post-punk vino elIndustrial que siempre fue música muy under que a lo sumo se bailaba endiscos under y sólo algunos djs entendidos exportaron durante fines delos 80´s y 90´s a estas tierras. Si no hubiera sido por Kraftwerkmuchos géneros no existirían.

1.   The Robots
    2.   Spacelab
    3.   Metropolis
    4.   The Model
    5.   Neon Lights
    6.   The Man-Machine


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397. Blondie ? Parallel Lines (1978)



De origen neoyorquino, el grupo inició su andadura musical en 1975junto a otras bandas locales como The Ramones, dentro del reciénsurgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGBsupusieron una plataforma para dar a conocer a la banda en Nueva York.
Tras editar un par de álbumes ("Blondie", "Plastic Letters" ) consingles de modesto éxito ("X offender","In the flesh" o la popular"Denis", que les abrió las puertas del mercado europeo) en 1978 sale ala venta su tercer trabajo, el álbum Parallel Lines: un compendio desonidos a medio camino entre el punk rock, el Soft Rock y el sonido dela música disco que por aquel entonces comenzaba a causar furor a amboslados del Atlántico. El éxito de este álbum a nivel mundial, yparticularmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, se debió a lapopularidad de algunas de sus canciones, tales como: "Heart of Glass"(que alcanzó simultáneamente el número 1 en las listas inglesas yestadounidenses), "Sunday girl", "Picture This" o One Way or Another.Destacar también su tema "Hanging on the telephone", versión de TheNerves.
"Heart of glass", el tema estrella de "Parallel lines", abrió unanueva vía en el sonido de la banda: Clem Burke, batería del grupo, hacomentado que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggaeterminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó apartir de algunos cortes de la banda sonora de Saturday Night Fever.Por su parte, Jimmy Destri, tecladista de la banda, admitió que losintegrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentoselectrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en "Heart of glass"intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores.Lo cierto es que "Heart of glass" alcanzó el puesto más alto de laslistas de éxitos. Semejante éxito sacó a la banda del anonimato:Blondie pasó a convertirse en uno de los conjuntos musicales máscélebres y admirados por el público joven, y su carismática vocalista ylíder, Deborah Harry, comenzó a acaparar las portadas de numerosasrevistas con su imagen sexy, atrevida y su carácter gélido.
Parallel Lines es el gran disco Pop del Punk antes de que lasgrandes discográficas descubrieran que el éxito comercial de SexPistols, Blondie, The Stranglers y tantos otros no había sidocasualidad.

1.Hanging on the Telephone
2.One Way or Another
3.Picture This
4.Fade Away and Radiate
5.Pretty Baby
6.I Know But I Don't Know
7.11:59
8.Will Anything Happen?
9.Sunday Girl
10.Heart of Glass
11.I'm Gonna Love You Too
12.Just Go Away

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398. Elis Regina ? Vento de Maio (1978)



Elis Regina es la voz femenina de Brasil. Nacida musicalmente amediados de la década de los años sesenta en el período post bossanova, pronto comenzó a incorporar a su repertorio la música de losjóvenes músicos de la MPB en cuyas canciones bullía un compromisosocial y cultural que la bossa nova había dejado de lado. A través desus discos, Elis impulsó las carreras de compositores como MiltonNascimento, Gilberto Gil, Joao Bosco o Ivan Lins. Mujer de vidaagitada, impetuosa, temperamental, ambiciosa y de difícil trato,recibió justificados apodos tales como Pimentinha o Furaçao. Pero porencima de todo su voz de intensidad y carácter inigualable leconvirtieron en un icono de la música popular brasileña. Su prematuramuerte por sobredosis en el año 1.982, con 36 años de edad, contribuyófinalmente a convertirla en un mito venerado hasta nuestros días. Elisdejó tras de sí un legado artístico de enorme profundidad emocional queha marcado a varias generaciones de cantantes brasileñas y a millonesde fans de todo el mundo.
Vento de Maio es la única grabación de Elis para Emi. Brillanteregistro nunca publicado en compacto, aunque reeditado por ladiscográfica tras su muerte, junto con otros temas extraídos de álbumesde otros músicos con colaboraciones estelares de Elis. Inolvidables lostemas "Vento de Maio" grabado con Lô Borges, un simpatiquísimo dúo conAdoniran Barbosa en el tema "Tiro ao Alvaro", Outro Cais y por supuestootro tema de Lô Borges ligado para siempre a Elis, O Trem Azul (conpermiso de Milton Nascimento y de Tom Jobim que también grabaroninolvidables versiones del mismo).

1.   Vento de Maio [May Wind]
2.   Sai Dessa [Get Off It]
3.   Tiro Ao Alvaro [Hit the Bull's Eye]
4.   Só Deus É Quem Sabe [God Only Knows]
5.   Que Foi Feito Devera [De Vera]
6.   Nova Estação [New Season]
7.   Calcanhar de Aquiles [Achilles' Heel]
8.   Outro Cais [Another Pier]
9.   Rebento [Explode]
10.   Trem Azul [The Blue Train]
11.   Medo de Amar É O Medo de Ser Livre [The Fear of Loving Is the Fear of Being Free]
12.   Se Eu Quiser Falar Com Deus [If I Would Speak with God]
13.   Aprendendo Jogar [Learning to Play]

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399. Pere Ubu ? Dub Housing (1978)



Desde su irrupción en el ?underground? norteamericano su huella haquedado marcada en varias generaciones de músicos. De la mano deldesenfadado Thomas, la banda rapidamente se ganó un lugar dentro delnaciente movimiento punk, a base de demenciales letras, frenéticospasajes vocales, guitarras llenas de urgencia, contundentes basesrítmicas y una actitud decididamente libre.
Este es el segundo disco de la banda estadounidense de post punky art rock Pere Ubu. Tapa con una foto muy buena que da una idea delambiente en el que se mueve el disco.
Las diez canciones que presenta el disco muestran la cimacreativa del post-punk americano y el underground, y en su conjuntomarcó una notable influencia en el rock alternativo en Estados Unidos.Destacan los temas "Navvy", "On The Surface", "Caligari´s Mirror", "UbuDance Party" y "Codex".
Dub Housing es la obra maestra de Pere Ubu que fue parte fundamental para colocar a la banda como piedra angular del art-punk.

1.   Navvy
    2.   On The Sunrise
    3.   Dub Housing
    4.   Caligari's Mirror
    5.   Thriller!
    6.   I Will Wait
    7.   Drinking Wine Spodyody
    8.   Ubu Dance Party
    9.   Blow Daddy-O
    10.   Codex

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400. Only Ones ? Only Ones (1978)



Peter Perrett merecería un capítulo aparte dentro de la época delpunk y la new wave inglesa, sin embargo, su nombre no suele aparecer enlas antologías del género, pero es que quizá tampoco sería justoincluirle dentro de estas etiquetas.
Probablemente uno de los motivos por los que no se le ha valoradoen su justa medida fuera el desaparecer rápidamente de la escena debidoa sus adicciones, principalmente a la heroína, las cuales, tras tresbrillantes LPs con The Only Ones, le hicieron estar prácticamentequince años fuera del mundo, una historia que le emparenta con el SydBarrett de los primeros Pink Floyd, el cual, por cierto, fue una graninfluencia para él, hasta el punto de lucir una estética similar.
Volviendo con The Only Ones, este excelente disco de debuthomónimo debió merecer mayor atención. La voz de Perrett podría remitirpor igual tanto al punk como a Lou Reed o al Bob Dylan de la época deRolling Thunder Revue, que también se hallan entre sus principalesinfluencias. En cuanto a las canciones, destacar Another girl anotherplanet, intenso tema sobre el amor no correspondido y fácilmentecomercializable, que se encuentra entre lo mejor de aquellos años, perotambién otros más sofisticados como la cambiante Breaking down, con unintermedio casi propio del jazz rock, la casi "rollingstoniana" City ofFun, o Language problem, que recuerda la ironía pop de los mejoresmomentos de The Kinks.
"The Only Ones" es uno de esos discos mágicos que engancha desdela primera escucha. La voz lánguida, lacónica de Peter Perret y lascuidadas y melódicas líneas de guitarra de John Perry son quizá losingredientes esenciales de esta montaña rusa de emociones, dondesubidas, bajadas y momentos de relax se pasean sobre la lírica dePerrett, fuertemente marcada por su adicción a la heroína, y se unen aun romanticismo exacerbado, más propio de los poetas del siglo XVIII yXIX que de un yonki del XX.
Con todo, "The Only Ones" es pura expresión musical, haciendohonor al nombre de la banda como seres únicos en su especie y dejandopara la historia, en cambio, una progenie de bandas influenciadas de lomás variada.

1.   Whole of the Law
    2.   Another Girl Another Plan
    3.   Breaking Down
    4.   City of Fun
    5.   Beast
    6.   Creature of Doom
    7.   It's the Truth
    8.   Language Problem
    9.   No Place For the Wicked
    10.   Immortal Story

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1001 discos que debes escuchar antes de morir (16ta)
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