1001 discos que debes escuchar antes de morir (13era)

301. Brian Eno ? Here Come the Warm Jets (1974)



Después de que Bryan Ferry quizo acaparar todas las miradas delpublico y diera por terminada su relación laboral con Brian Eno (quienle hacía una sombra bastante alargada) de Roxy Music, el teclista sereveló como uno de los grandes talentos dentro del glam-rock y elart-pop de mediados de los años 70 antes de convertirse en pionero delambient y productor de gran éxito con gente tan conocida comoUltravox!, U2, Coldplay y James.
Su debut fue el LP ?Here Come the Warm Jets?, un estupendomuestrario de atrapantes melodías, textos divertidos que van delcripticismo imaginario, sin sentido, al comentario humorístico o lamelancolía romántica, con exuberantes texturas sónicas de popexperimental y glam. En el mismo contó con la participación de sus excomponentes de Roxy Music (menos Ferry) y de Robert Fripp, el líder delos King Crimson, que deja algún que otro trabajo de antología a lolargo del álbum.
?Needles in the Camel?s Eye? es un intenso corte glam-velvetiano(co-escrito con Phil Manzanera) con un muro noise de hirientes ydistorsionadas guitarras, ecos de su buen amigo Bowie-Ziggy, y trazasdel futuro noise-pop y de disposiciones art-punk-pop estilo Televisiono Talking Heads. Estos últimos, por cierto, conocerían sus mejoresobras bajo producción de Eno.
?The Paw Paw Negro Blowtorch? es pura teatralidad glam-sexual. Eldesarrollo, con sonidos electrónicos que auguran la próxima new wave,expone también el sentido experimental, pero melódico, de la influyenteescritura de este gran autor inglés.
?Baby?s on Fire? contrasta un texto de corte simpático concalentura sexy con una fantástica atmósfera ominosa (con esa percusióntipo mantra) y un espectacular solo de Fripp. Sin duda alguna, uno delos mejores solos guitarreros de todos los tiempos.
?Cindy Tells Me?, también compuesta conjuntamente con Manzanera,nos lleva al pop de finales de los 50, comienzos de los 60, con inclusoresonancias vocales de los Beach Boys. La canción podría cantarlaTravolta en ?Grease?, tiene un estribillo de auténtico maestro y unamelodía fenomenal.
?Driving Me Backwards? es muy atmosférica, una pieza realmenteoscura. Con un piano exagerado, que pretende resultar hipnótico, y unavoz de corte invocativo en una brillante narración de enajenaciónmental.
?On Some Faraway Beach? es una pieza lenta, precursora deldream-pop. Combinación de un sencillo piano, batería y un coro en unalarga intro. El tono es triste y la melodía tiene gran belleza,acentuada en su beldad por la melancolía de los textos de Eno,aparecidos en un hermoso último tramo.
Tal hermosura contrasta con la exposición abrasiva de ?BlankFrank?, amenazante, noise-rock con ardientes guitarras, trastornadosteclados y ritmo a lo Bo Diddley. El tema está escrito entre Brian Enoy Robert Fripp.
La excelente ?Dead Finks Don?t Talk?, dedicada a Bryan Ferry,muestra unas estrofas de tempo lento y percusión militar, que parecenmezclar a Lou Reed con Leonard Cohen, antes de variar a un cálidoestribillo de espléndida melodía en un desarrollo experimental conpinceladas de Zappa y sorprendentes disposiciones vocales (con partes alo "I'm the Walrus" beatleiano) e instrumentales.
?Some of Them Are Old? es una auténtica delicia que podríaaparecer en la cara b del ?Abbey Road? de los Beatles, y el cierre,?Here Come the Warm Jets?, es un fenomenal instrumental que adelantacon mucha antelación el sonido alternativo de tipos con mayorespretensiones y menor capacidad que este autodenominado ?no-músico?. Undisco magistral.

1.Needles in the Camel's Eye
2.Paw Paw Negro Blowtorch, The
3.Baby's On Fire
4.Cindy Tells Me
5.Driving Me Backwards
6.On Some Faraway Beach
7.Blank Frank
8.Dead Finks Don't Talk
9.Some Of Them Are Old
10.Here Come The Warm Jets

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302. Bad Company ? Bad Company (1974)



Influenciados por Cream, fichados por Led Zeppelin para grabar ensu sello Swan Song, y provenientes de prestigiosas bandas como Free,Mott The Hoople y King Crimson, Bad Company mostraron en su discodebut, su mejor trabajo, un muestrario vibrante de blues-rock depoderosa ejecución, tanto por la gran capacidad como vocalista de PaulRodgers como por la habilidad instrumental de sus compañeros, enespecial el guitarrista Mick Ralphs, quien junto a Rodgers es elprincipal autor de la escritura de sus temas.
Sus canciones rock con base blues son palpitantes piezas concorreosos riffs, letras minimalistas, fibrosa sección rítmica yvigorosa actitud vocal que transmite con pasión historias existencialesde antihéroes, anotaciones de giras y asuntos de carácteramoroso-sexual. Todas sus claves se manifiestan a la perfección en elnúmero 1 "Can't Get Enough".
Otros temas destacables del disco son "Rock Steady", soberbialección de como afrontar con clase, frescura y fortaleza una canción derock'n'roll, "Bad Company", una de las grandes joyas del álbum,"Seagull", pieza acústica de resonancias folk con un clima casiapocalíptico, o "Ready For Love", excelente y agridulce tema de Ralphsque anteriormente ya había grabado con Mott The Hoople en el magnífico"All The Young Dudes".
El álbum alcanzó el puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums(Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 enlas listas, "Can't Get Enough" en el #5 en 1974 y "Movin' On" en el #19a principios de 1975.

1.Can't Get Enough
2.Rock Steady
3.Ready For Love
4.Don't Let Me Down
5.Bad Company
6.Way I Choose
7.Movin' On
8.Seagull

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303. Genesis ? Lamb Lies Down on Broadway (1974)



El disco ?The Lamb Lies down on Broadway? (El cordero yace enBroadway) gozó del éxito en círculos de culto que décadas despuésobligó a los críticos a revalorar su contenido, tanto musical comopoético.
El autor intelectual de los 23 temas fue Peter Gabriel, mientrasque el resto de la banda, integrada también en ese momento por MikeRutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hacket compuso la músicasin siquiera conocer en líneas generales de qué trataba. Al reunirse elgrupo para integrar música y poesía vieron que existía unasincronización adecuada y dieron lugar a ciertos temas de relleno quetenían la intencionalidad de completar el número 23 al que tantoanhelaba llegar Gabriel por su valor cabalístico. Entre ellos figuran?The Light dies down on Broadway? o ?The Grand Parade of lifelesspackaging? , los cuales fueron escritos por Banks y Rutherford.
El álbum es un disco doble conceptual, complementa y simplifica elentendimiento de las líricas del álbum. Es una historia compleja, conmúltiples escenarios e historias, todas relacionadas a Rael, uninmigrante puertorriqueño que intenta hacerse un nombre en las callesde Nueva York. Es partícipe de un viaje extraño al rescate de suhermano John, como de película de ciencia ficción, en la cual debesufrir una serie de experiencias que lo ayudarán a trascender laexperiencia terrenal y resurgir como un nuevo ser "It". Como ni laslíricas ni la historia escrita en la carátula son muy claras, lasinterpretaciones del disco serán múltiples. Baste decir que esexactamente esto lo que lo hace una obra superior, o, para algunos, unaobra maestra del Rock Progresivo de todos los tiempos, para otros, unode los trabajos más ambiciosos de la era del Rock Progresivo y quetambién marca los últimos buenos años del Rock Progresivo, ya que pocodespués llegaría el Punk y el Glam a destronarlo.
Curiosamente, mucho del Album contiene elementos proto-Punk oproto-Glam, la puesta en escena de Gabriel, la cual se valía dediferentes y vistosos disfraces seria después muy común con el GlamRock. Mientras que Rael (su personaje en escena) vestía chaquetas decuero. Back in N.Y.C., es considerada una canción proto-punk.

1.Lamb Lies Down on Broadway
2.Fly on a Windshield
3.Broadway Melody of 1974
4.Cuckoo Cocoon
5.In the Cage
6.Grand Parade of Lifeless Packaging - Brian Eno, Genesis
7.Back in N.Y.C.
8.Hairless Heart
9.Counting out Time
10.Carpet Crawlers
11.Chamber of 32 Doors
12.Lilywhite Lilith
13.Waiting Room
14.Anyway
15.Supernatural Anaesthetist
16.Lamia
17.Silent Sorrow in Empty Boats
18.Colony of Slippermen: The Arrival/A Visit to the Doktor/The Raven
19.Ravine
20.Light Dies Down on Broadway
21.Riding the Scree
22.In the Rapids
23.It

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304. Shuggie Otis ? Inspiration Information (1974)



De vez en cuando aparecen discos de esos que te cambian la vida yel hábito de escuchar música. Joyas imperecederas que uno disfruta unay otra vez, y al escucharlos parece que fueran el único disco editadosobre la faz de la tierra. Hay discos que cambian estados de ánimo ymodifican radicalmente el comportamiento del individuo con soloescuchar el motivo melódico del primer tema. Shuggie Otis. Un genioignorado en su momento. Hijo del ilustre Johnny Otis, aprendió a tocara la tierna edad de 5 años y para cuando tenía 12 ya casi se podíadecir que era músico profesional. Es "Inspiration Information" donde elpropio Shuggie se hacía cargo de todos los instrumentos, su obra másambiciosa. Si bien el deseado éxito nunca llegó Shuggie adquirió unamerecida fama en el mundillo, aunque también es verdad que se dice quetenía comportamientos de estrella inalcanzable. Aún así cuentan que fueuno de los nombres que se barajaron para sustituir a Mick Taylor en losRolling Stones, oferta que rechazó para centrarse en su carrera que aúnparecía prometedora. Lamentablemente no fue así y su estrella fuedeclinando a finales de la década de 1970 para acabar despareciendo delmapa durante años.
Este álbum es la muestra definitiva de su sublime capacidad comoinstrumentista y compositor de gran originalidad, con un gran sentidoarquitectónico de la armonía y el sonido.

1.Inspiration Information
2.Island Letter
3.Sparkle City
4.Aht Uh Mi Hed
5.Happy House
6.Rainy Day
7.XL-30
8.Pling!
9.Not Available
10.Strawberry Letter 23
11.Sweet Thang
12.Ice Cold Daydream
13.Freedom Flight

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305. Stevie Wonder ? Fulfillingness? First Finale (1974)



Fulfillingness' First Finale es un álbum de Stevie Wonder, lanzadoel 22 de Julio de 1974. Fue el cuarto de la serie de cinco álbumes queconforman su período clásico, Music of My Mind, Talking Book,Innervisions, y Songs in the Key of Life. Tras el fuerte tonocontestatario reflejado en Innervisions, éste álbum proyecta un tonodecididamente más sombrío. Los arreglos de los temas, aunque de grancalidad, son de menor complejidad a los que Wonder desarrolla en otrostrabajos del mismo período, como resulta evidente en "They Won't GoWhen I Go" o "Creepin'". A pesar de su tono intimista, el músico noabandona del todo la conciencia social que había desarrollado enanteriores trabajos. En el tema "You Haven't Done Nothin'", que alcanzóel número 1 en las listas de éxitos, Wonder lanzaba una afilida críticaa la Administración Nixon, ayudado por los Jackson 5, de la que formabaparte un adolescente Michael Jackson.
Fulfillingess' First Finale obtuvo el premio Grammy de 1975 por la"Mejor Interpretación Pop Masculina" ("Boogie On Reggae Woman",y el de "Album del Año". El hecho de que Wonder se tomara dos años paragrabar su siguiente álbum (Songs in the Key of Life) rompió suincreíble cadena de premios, provocando la famosa declaración de PaulSimon agradeciendo públicamente a Wonder no haber publicado un álbum en1975 (cuando Simon recibió el Grammy al mejor disco del años por "StillCrazy After All These Years".
Curiosamente, Fulfillingess' First Finale es la única grabacióndel período clásico de Stevie Wonder que no ha sido incluida en lalista de los mejores 500 álbumes de la historia elaborada por RollingStone.

1.Smile Please
2.Heaven Is 10 Zillion Light Years Away
3.Too Shy to Say
4.Boogie on Reggae Woman
5.Creepin'
6.You Haven't Done Nothin'
7.It Ain't No Use
8.They Won't Go When I Go
9.Bird of Beauty - (Portuguese)
10.Please Don't Go

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306. Eric Clapton ? 461 Ocean Boulevard (1974)



461 Ocean Boulevard fue el segundo disco que Eric Clapton hacíatras de su paso por Derek & The Dominos, y el primero yadesintoxicado de la droga. Aunque no abandonó su predilección por lasatmósferas del blues, Eric Clapton se acercó el reggae, gracias a suversión de I Shot The Sheriff, de Bob Marley.
Es con este disco, con el que Clapton comienza a cogerle el pulsoa su carrera. 461 Ocena Bulevard es un álbum con buenos temas como GiveMe Strength y Let It Grow. Clapton se mantiene en la senda del bluescon versiones de Robert Johnson, Steady Rollin' Man y de Elmore James,I Can't Hold Out, toca el rock & roll con el clásico de Johnny OtisWillie and the Hand Jive, y se divierte con la guitarra en MotherlessChildren.
El disco llegó al número 1 de las listas americanas. Primordial?dentro de la vasta discografía de este guitarrista ilustre que ha dadoel Blues y el Rock.

1.Motherless Children
2.Give Me Strength
3.Willie and the Hand Jive
4.Get Ready
5.I Shot the Sheriff
6.I Can't Hold Out
7.Please Be With Me
8.Let It Grow
9.Steady Rollin' Man
10.Mainline Florida
11.Better Make it Through Today


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307. Kraftwerk ? Autobahn (1974)



Kraftwerk ('central energética' en alemán) es un grupo musicalvanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la músicaelectrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneideren 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y KarlBartos.
Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellosson hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en sutiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la basesobre la que luego se asentó el género, son considerados como lospadres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocarmúsica basada íntegramente en la utilización de instrumentoselectrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a laexperimentación sónica.
El lanzamiento de Autobahn, en 1974 vio a la banda separarse delsonido de sus primeros álbumes. Invirtieron en la más nueva tecnologíacomo el Minimoog, ayudando a darles un nuevo sonido disciplinado.Autobahn también sería el último álbum que Conny Plank produciría.Después del éxito comercial de Autobahn, el grupo invirtió dinero pararenovar su estudio. Esto significo que no volverían a confiar en otrosproductores externos. Por aquel entonces, el pintor y diseñador gráficoEmil Schult llegó a ser un habitual colaborador con el grupo,trabajando junto al grupo. Schult diseñó el arte de portada, además decomponer letras y de acompañar al grupo en concierto.
?Autobahn?, considerado por muchos expertos un punto de inflexiónque constituyó uno de los primeros álbumes de electropop. Con Autobahnconsiguieron su primer Disco de Oro, y el single encabezó las listas deéxitos de Estados Unidos. Gracias a este éxito, firmaron con EMI en1974, apoyados por el sello Kling Klang. La fama les había llegado.

1.Autobahn - (German)
2.Kometenmelodie 1
3.Kometenmelodie 2
4.Mitternacht
5.Morgenspaziergang

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308. Van Morrison ? It?s Too Late to Stop Now (1974)



It's Too Late to Stop Now es el primer álbum en directo (verano de1973) del músico irlandés Van Morrison. Mencionado con frecuencia comouno de los mejores álbumes en directo de la historia del rock, It's TooLate to Stop Now fue grabado durante una de las mejores etapas de VanMorrison como intérprete.
Cualquier hipérbole aplicada a la valoración de este monumentalálbum parece destinada a quedarse corta. Alguien lo definió como "unode los intentos más impresionantes de exprimir la excitación de unmúsico de rock en el escenario". Van se encuentra en estado de gloriaredimensionando en vivo parte de su más memorable repertorio.
Podría bastar con escuchar este doble CD para poder saborear alirlandés en la cumbre de su carrera. Este es un doble disco quefunciona porque es una actuación magnífica que rezuma ?feeling? en laque el irlandés estaba acompañado de la soberbia Caledonia SoulOrchestra y, además, porque en él están compilados buena parte de losmejores temas de la cúspide de su longeva trayectoria.
Ojalá uno hubiera podido estar allí.

DISC 1:
1.Ain't Nothin' You Can Do
2.Warmlove
3.Into the Mystic
4.These Dreams of You
5.I Believe to My Soul
6.I've Been Working
7.Help Me
8.Wild Children
9.Domino
10.I Just Want to Make Love to You
DISC 2:
1.Bring It on Home to Me
2.Saint Dominic's Preview
3.Take Your Hands Out
4.Listen to the Lion
5.Here Comes the Night
6.Gloria
7.Caravan
8.Cyprus Avenue - (Bonus Track) 

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309. Joni Mitchell ? Court & Spark (1974)



Una de las principales cantautoras de la música moderna, suapostura independiente, su capacidad lírica de introspección emocionaly contemplación sociocultural y su talento para fusionar diferentestexturas sónicas como el folk, rock, jazz, pop y la world music, laconvierten en una de las figuras más emblemáticas e influyentes en lahistoria de la autoría femenina.
En 1974, Joni Mitchell decidió dar una vuelta de tuerca más a sumúsica preciosista y grabó el que posiblemente es su disco más célebre:Court and Spark. Un álbum compuesto por 11 excelentes temas que semueven entre el pop, el rock, el folk y el jazz y que muestran una caramenos introspectiva de Mitchell pero mucho más brillante.
"Court and Spark" (1974), uno de sus mejores trabajos y el demayor éxito comercial de su trayectoria artística. En el disco, queincluía temas como "Free man in Paris", "Raised on robbery" o "Helpme", colaboraron gente como Graham Nash, David Crosby o José Feliciano.

1.Court and Spark
2.Help Me
3.Free Man in Paris
4.People's Parties
5.Same Situation
6.Car on a Hill
7.Down to You
8.Just Like This Train
9.Raised on Robbery
10.Trouble Child
11.Twisted

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310. Queen ? Queen II (1974)



Después de su gran disco de debut "Queen", este cuarteto británicovolvió a superarse componiendo una de las obras cumbres de su carrera,el genial "Queen II". Para muchos fans es su mejor disco, y aunqueparezca una exageración, verdaderamente es buenísimo.
Su anterior álbum pasó injustamente desapercibido, y éste tampocotendría ninguna repercusión importante en comparación con lo quevendría luego, a partir del tremendo "Sheer heart attack".
Estos dos discos aún hoy en día son los más olvidados de la discografía de este grupo.
Si comenzamos a analizar el Lp, vemos que hay dos partes fácilmentedistinguibles: la cara A del disco está compuesta toda por elguitarrista Brian May (excepto la última canción que es del bateríaRoger Taylor) y la cara B es toda del excepcional Freddie Mercury.
La primera canción es "Procession" una breve introducción que el grupo utilizaba al inicio de sus conciertos por aquella época.
Las dos siguientes canciones son las dos mejores de esta cara sinduda: "Father to son" (una impresionante composición en la que loscuatro tocan en plena forma, eso sí, con la guitarra de Brian porencima de todo) y la balada "White Queen", también memorable.
"Some day one day" es una composición más acustica en la que cantael propio Brian, y la última de esta cara es "The loser in the end"compuesta y cantada por el propio Roger Taylor.
La 2ª cara es la más enigmática del disco, lo cual no debesorprendernos si sabemos que todas las canciones son del polifacéticoFreddie Mercury. La primera canción es la más cañera y rápida de estacara: "Ogre battle". La siguiente "The fairy feller's master-stroke" esuna curiosa canción que cuenta con un brillante toque de órgano a manosde Freddie.
"Nevermore" es una preciosa y corta balada cantada por Freddie sinmás acompañamiento que el piano, en la que se puede comprobar mejor quenunca la enorme capacidad que tenía Mercury para cantar baladasacompañado de su dulce y aguda voz. Sin embargo la mejor canción deesta cara y posiblemente del disco es esa impresionante y barrocacomposición llamada "The march of the black queen" que tan injustamentese ha dejado de lado. Es una canción con constantes cambios de ritmoque no parece seguir ningún esquema fijo, pero cuyo resultado no podíaser inmejorable: todos los instrumentos suenan mejor que nunca, Freddiecanta de una forma increíble y los coros no podían ser mejores.
Sin embargo tanta complejidad tiene su parte mala, y es que al sertan compleja era muy difícil poder tocarla en directo y pronto fueapartada de los conciertos (lo cual contribuyó a su olvido), como muchotocando sólo la parte más rockera del final de la canción (un tiempodespúes el grupo tendría un problema parecido con la parte operísticade "Bohemian rhapsody", que acabaron solucionando).
"Funny how love is" sale beneficiada por la voz de Freddie, perotiene el problema de estar situado entre dos grandes canciones.
La que viene después es el tema más famoso del disco que salió ensingle, y que es el único que se recuerda de este trabajo, la genial"Seven seas of Rhye" (que ya estaba en su anterior disco pero mucho máscorta y sin letra), verdaderamente un final inigualable, también de lomejor del álbum.
Resumiendo, un gran disco. Pese a que no es tan famoso como otros, es realmente una de las grandes obras de este grupo.


1.Procession
2.Father to Son
3.White Queen (As It Began)
4.Some Day One Day
5.Loser in the End, The
6.Ogre Battle
7.Fairy Feller's Master-Stroke
8.Nevermore
9.March of the Black Queen, The
10.Funny How Love Is
11.Seven Seas of Rhye

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311. Roxy Music ? Country Life (1974)



El álbum de las dos vampiresas en paños menores. Estas dosatrevidas mujeres eran Constanze Karoli y Eveline Grunwald, dos fansalemanas del grupo Roxy Music. Las mismas que ayudaron al cantanteBryan Ferry a traducir la letra de una de las piezas centrales de estedisco ?Bitter-sweet? del inglés al alemán.
La idea de la foto era parodiar a la revista ?Vida campestre? y demanera absurda, esta portada fue censurada en muchos almacenes siendocubierta por una bolsa de plástico verde.
Aun más que por su portada, este álbum es célebre por su música,díficil de clasificar y de analizar. Demasiado Glam para serProgresivo, demasiado Progresivo para ser Glam.
De los tres discos en estudio editados con Eddie Jobson comoviolinista-tecladista, este es el más reconocido. Las piezas tienen unaproducción extraña, áspera y densa que, sin embargo? da en el clavo.Incluso las piezas más directas y rockeras suenan oscilantes y plenasde extravagancias sónicas.
Sin duda este grupo supo envolverse en su muy particular misterioy no hubo otra banda que pudiera reproducir este sonido. La combinaciónde experimentación, energía rockera, elementos futuristas y lapersonalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en unagran cantidad de artistas, especialmente de punk, new wave, NewRomantic y synth pop.

1.Thrill of It All, The
2.Three and Nine
3.All I Want Is You
4.Out of the Blue
5.If It Takes All Night
6.Bitter Sweet - (German)
7.Triptych
8.Casanova
9.Really Good Time, A
10.Prairie Rose

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312. Tangerine Dream ? Phaedra (1974)



En 1974, la banda alemana Tangerine Dream, formada en aquel momentopor el miembro fundador Edgar Froese, acompañado de Chistopher Franke yPeter Baumann, publica su quinto álbum de estudio, convertido desde sulanzamiento en uno de los trabajos más influyentes de la músicaelectrónica de todos los tiempos. Primer disco que utilizósecuenciadores para su composición e interpretación, constituye una delas piedras de toque de la conocida como música atmosférica o espacial,ejemplificando como pocos algunas de las corrientes más conocidas delKrautrock.
El disco, completamente instrumental, se abre con el extenso temaque titula el trabajo, Phaedra, una suerte de suite basada en unaimportante experimentación con sintetizadores VCS 3 mezclada con lautilización de un secuenciador analógico Moog que sustituye de modosorpresivo la habitual línea de bajo, con la que construyen una tramaciertamente hipnótica en su aparente sencillez melódica. Continúan conel tema que se editaría como sencillo, Mysterious Semblance at theStrand of Nightmares, elaborado a partir del característico sonido deun melotrón (un instrumento típico de la época que emula un teclado quepermite interpretar una selección de cintas pregrabadas de instrumentosy ritmos) acompañado de efectos de filtrado. Vuelven a exprimir elsecuenciador, demostrando sus grandes posibilidades, en Movements of aVisionary, ideando varias melodías recursivas que se entremezclan deforma brillante, para cerrar la obra con un tema corto interpretado ala flauta y adornado con efectos de cinta comunes en la época, SequentC'.
Sorpresivamente, "Phaedra" tuvo éxito comercial cuando fue lanzadoal mercado: llegó a los primeros 10 lugares en las listas británicas, apesar de que no fue promovido en las radios. Además, "Phaedra" es unode los álbumes más importantes de la llamada "Escuela de Berlín"(derivado del Kraut Rock), y es el primero con la discográfica Virgin(por lo que comenzó la etapa de Tangerine Dream denominada "The VirginYears", o "los años Virgin".

1.Phaedra
2.Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares
3.Movements of a Visionary
4.Sequent C'

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313. Sparks ? Kimono My House (1974)



Estadounidenses, viajaron a Inglaterra debido al poco éxito quetuvieron en sus inicios para probar mejor suerte. Lo que empezó siendocomo una banda, acabó reduciéndose a los hermanos Mael: Ron (bigoteshitlerianos y teclados) y Russell (pelilargo y voz) cantante al clásicoestilo del glam rock.
Desde un principio ya era obvio que estos músicos se adelantarona su epoca; una Glam antes que The New York Dolls, una Art antes queRoxy Music, una Proto-punk antes que Television, una New Wave antes queTalking Heads y una tan única como Sparks. La música de este disco semueve principalmente dentro del pop rock, aunque no es para nada popordinario. Las melodías son extrañas y retorcidas, pero al mismo tiempomuy pegadizas. La voz de Russell es buenísima, aunque no apta para todoel mundo, pues no deja de utilizar un peculiar falsete bastanteexagerado.
Morrissey, declaró que al escuchar "Kimono My House" terminó dedecidir que la música iba a ser su motivo de existencia. Otros artistasque han nombrado a Sparks como una importante influencia han sido:Siouxsie Sioux (The Banshees), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), MikePatton (Faith No More), Mr. Bungle, Tomahawk, Depeche Mode, Björk y lalista sigue y sigue. Los influenciados resultaron tener muchísima másdifusión que su influencia. Un disco divertido, extravagante, excesivoy no apto para diabéticos, pero excelente se mire por donde se mire.

1.This Town Ain't Big Enough For Both of Us
2.Amateur Hour
3.Falling in Love With Myself Again
4.Here in Heaven
5.Thank God It's Not Christmas
6.Hasta Manana Monsieur
7.Talent Is an Asset
8.Complaints
9.In My Family
10.Equator
11.Barbecutie (Bonus Track)
12.Lost & Found (Bonus Track)

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314. Supertramp ? Crime of the Century (1974)



Crime of the Century es el tercer álbum de estudio del grupobritánico Supertramp, publicado en 1974. El álbum supuso el primertrabajo que incluía la formación clásica del grupo y la producción deKen Scott, quien previamente había colaborado con David Bowie y TheBeatles. Cada vez que se escucha esa armónica al principio, comienzanlos recuerdos a aflorar. Es la introducción al mejor disco de los 70 deuna banda pop británica.
El álbum fue grabado en distintos estudios, incluyendo RamportStudios, propiedad de The Who, Trident Studios y Scorpio Sound; entrefebrero y junio de 1974. Gran parte de las canciones habían sidoincluidas previamente en conciertos del grupo, como "School", "BloodyWell Right", "Rudy" y la canción que da título al álbum. ?Crime of thecentury? (1974), un LP de los más conseguidos de su carrera quecontenía una retahíla importante de clásicos para la banda británica,como así son ?School?, ?Hide in your shell?, ?Crime of the century?,?Bloody well right? o la estupenda ?Dreamer?.
La excelente voz de Hodgson, mucho más singular y atractiva que lade Davies, engrandecía algunas excelentes melodías de este importanteálbum co-producido entre la banda y Ken Scott, el productor de DavidBowie que supo encauzar al grupo hacia el enfoque en canciones más queen estructuras onanistas.
Crime of the Century supuso el primer álbum de Supertramp enentrar entre los cuarenta primeros puestos de las listasestadounidensas. Tras la publicación de Even in the Quietest Moments en1977, Crime of the Century fue certificado como disco de oro por laRIAA.

1.School
2.Bloody Well Right
3.Hide in Your Shell
4.Asylum
5.Dreamer
6.Rudy
7.If Everyone Was Listening
8.Crime of the Century

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315. Richard & Linda Thompson ? I Want to See the Bright Lights Tonight (1974)



El primer disco del dúo formado por Richard Thompson y Linda Peters-él, otrora guitarrista del genial conjunto inglés Fairport Convention;ella, cantante sesionista y su esposa por aquellos años- estáconstruido sobre canciones hermosas y voces cautivantes. Adornado conmandolinas, acordeones, dulcémeles y algunos pocos y precisos vientos-más ciertos instrumentos más típicos del folk-rock-, I Want to See theBright Lights Tonight es romántico, dulce, alegre y nostálgico. Lascanciones suenan por momentos urbanas, por momentos campestres y de aratos tienen dejos de canciones tradicionales del folk inglés. Losarreglos e interpretaciones son siempre buenos y se ajustan conperfección a las canciones y a las voces enamoradas de Richard y Linda.Por supuesto, el trabajo guitarrístico de Thompson es fabuloso: siemprecomplejo y sensible, conjugando guitarras eléctricas y acústicas paracrear las texturas ideales. Pocos álbumes son tan esperanzadores ydolorosos como I Want to See the Bright Lights Tonight: radiante,triste, es como un fin de semana en pareja lejos de casa, plagado desensaciones encontradas: temores y dudas, momentos de soledad interior,pero también felicidad y risa, paseos hermosos y romance genuino.Emociones atemporales e instantes fotografiados. Calificado por la?Historia Ilustrada del Rock´n´roll? de Rolling Stone como una ?obramaestra del folk rock?

1.When I Get to the Border
2.The Calvary Cross
3.Withered and Died
4.I Want to See the Bright Lights Tonight
5.Down Where the Drunkards Roll
6.We Sing Hallelujah
7.Has He Got a Friend For Me
8.The Little Beggar Girl
9.The End of the Rainbow
10.The Great Valerio

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316. Scott-Heron, Gil & Brian Jackson ? Winter in America (1974)



Gil Scott Heron nace en Chicago en 1949. Considerado uno de lospadres de la música afroamericana de los años setenta, fue influenciadirecta en el surgimiento del rap y el hip hop. Su mensaje claro ydirecto, pero también lleno de belleza y fuerza, clamaba por laigualdad racial en el país del norte e instaba a los afroamericanos aluchar por sus derechos y a cuidarse unos a otros.
Sus poesías serían utilizadas para su debut discográfico, el LPde 1970 Small Talk at 125th and Lenox. Es también en esta época en quecomienza su relación con el músico Brian Jackson, parte fundamental desus discos y verdadero líder de la banda de acompañamiento de ScottHeron. Su gran triunfo llegaría con ?Winter in America?. En este álbumtoda la provocación de su poesía sale a flote sin tapujos y su lenguaincendiaria denuncia las injusticias sociales y el racismo, temascandentes por ese entonces en los Estados Unidos. Además, con estedisco el músico y poeta ratificó su posición como líder de opinión dela comunidad de color estadounidense.

1.Peace Go With You Brother
2.Rivers Of My Fathers
3.A Very Precious Time
4.Back Home
5.The Bottle
6.Song For Bobby Smith
7.Your Daddy Loves You
8.Watergate Blues
9.Peace Go With You Brother
10.Winter In America
11.Song For Bobby Smith
12.Your Daddy Loves You
13.The BottleGuan Guanco

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317. Queen ? Sheer Heart Attack (1974)



Después de los prometedores "Queen" y "Queen II", Queen logransuperarse con una de las cumbres de su carrera. Este disco no sólo losencumbra en lo más alto, sino que consigue demostrar al mundo que ellosno son un grupo cualquiera.
El primer tema, "Brighton rock", es todo un prodigio de canción,en la que Brian May, nos muestra lo que es capaz de hacer con laguitarra, en realidad sería una canción para su único lucimiento si nofuera por las excelentes interpretaciones del resto del grupo que leacompañan a la perfección. "Killer Queen" es ya un clásico de la banda,y uno de sus primeros grandes éxitos, una genial composición de Mercurycon un estilo realmente único y peculiar, una de las mejorescomposiciones del disco. "Tenement funster" está cantada por RogerTaylor, el batería, que pese a que no es un mal vocalista, no puedecompararse al excepcional Mercury. "Now I'm here" es una de las mejorescanciones del disco, en la que Brian vuelve a demostrarnos también suenorme e infinita capacidad como guitarrista. Después de la misteriosa"In the lap of the gods", viene "Stone cold crazy", una auténticadescarga de adrenalina en la que los cuatro vuelven a demostrarnos suenorme potencial por si no nos había quedado claro. Y después de esapotente canción, la relajante y breve "Dear friends". "Misfire" destacapor ser la primera composición del bajista, John Deacon, para el grupo(que más adelante aumentaría sus aportaciones creando verdaderosclásicos del grupo). "She makes me" es una genial balada acústicacantada genialmente por el propio Brian."In the lap of thegods...revisited" supone el final perfecto, una gran composición deMercury que se interpretaría muy frecuentemente en algunas de susgiras. Sheer Heart Attack llegó al número dos de la lista de discos másvendidos en el Reino Unido y al número 12 en Estados Unidos y fue elprimer álbum con el que Queen logró éxito considerable a nivelinternacional.

1.Brighton Rock
2.Killer Queen
3.Tenement Funster
4.Flick of the Wrist
5.Lilly of the Valley
6.Now I'm Here
7.In the Lap of the Gods
8.Stone Cold Crazy
9.Dear Friends
10.Misfire
11.Bring Back Leroy Brown
12.She Makes Me

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318. 10cc ? Sheet Music (1974)



Graham Gouldman ya era un experimentado músico y compositor deManchester cuando se vio inmerso en su proyecto definitivo, 10 CC. Labanda, además de Gouldman, como cantante y guitarrista, también incluíaen sus filas al también vocalista y guitarra Eric Stewart, excomponente de los Mindbenders, al bajista, guitarra y cantante LolCreme, antiguo integrante del grupo The Sabres, y al cantante y bateríaKevin Godley , antiguo miembro, al igual que Graham, de losMockingbirds.
El nombre de 10 C.C., viene derivado de la cantidad media deesperma que el hombre suele expulsar en cada eyaculación. Bueno,realmente eran 9 c. c. pero el grupo, en plan jocoso y machote, leañadieron un centímetro cúbico más.
Este sentido del humor de la banda, que en un principio se hacíanllamar The Hotlegs, fue un rasgo distintivo de su soft-rock y popprogresivo, ya que en muchos de sus textos empleaban elementossatíricos y paródicos en base al comentario social de su contexto.
?Sheet Music? (1974) fue su segundo álbum. Al igual que el primerovolvió a recibir alabanzas entre la prensa británica y excelenterecibimiento comercial gracias a singles como ?The Worst Band In TheWorld?, ?Wall Street Shuffle? (número 10) y ?Silly Love? (número 24).

1.Wall Street Shuffle
2.Worst Band in the World
3.Hotel
4.Old Wild Men
5.Clockwork Creep
6.Silly Love
7.Somewhere in Hollywood
8.Baron Samedi
9.Sacro-Illac
10.Oh Effendi
11.18 Carat Man of Means
12.Gismo My Way

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319. Neil Young ? On the Beach (1974)



Uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles dela música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en sufaceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustradapor su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicanteecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk,country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a unalastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan disparescomo Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr.
Cuando se editó ?On the Beach? no tuvo una buena acogida ni entreel público ni entre la crítica. Neil Young seguía sumido en ese periodooscuro, atormentado por la muerte de amigos suyos (Danny Whitten,miembro de la Crazy Horse, había muerto a finales de 1972 a causa de ladroga), por una difícil relación amorosa con la actriz Carri Snodgrass(a la que dedica la canción ?Motion Picture?) y posiblemente por lacomplicada aceptación de ser alguien famoso. La portada, bastanteexplicita con un Young de espaldas, es fiel reflejo de los sentimientosque inundan al canadiense esos años. Hoy, más de treinta años despuésde la publicación del disco, nadie duda de que ?On The Beach? es uno delos pilares básicos de su discografía. Con tres productores distintos yuna buena ristra de colaboraciones estelares, entre los que seencuentran Rick Danko y Levon Helm de The Band o el mismo Graham Nashde sus ¿amigos? de Crosby, Stills, Nash & Young, ?On The Beach? esun disco inmenso, donde el artista abre su alma para dejar escapartodos los demonios y que muestran al verdadero Young de aquella época.
On the Beach fue situado en el puesto 22 de la lista de losmejores álbumes de los años 70 por Rate Your Music, así como en elpuesto 77 de la lista de los mejores álbumes de todos los tiempos. Porsu parte, Pitchfork Media emplazó On the Beach en el puesto 65 de lalista de los 100 mejores álbumes de los 70. En 2007, On the Beach fuenombrado el 40º mejor álbum canadiense de todos los tiempos en el librode Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums.

1.Walk On
2.See the Sky About to Rain
3.Revolution Blues
4.For the Turnstiles
5.Vampire Blues
6.On the Beach
7.Motion Pictures (For Carrie)
8.Ambulance Blues

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320. George Jones ? Grand Tour (1974)



A George Jones se le conoce como el Rolls Royce de la músicacountry. Es un artista que ha creado escuela y que tiene legiones deseguidores, incluso Mick Jagger ha confesado ser uno de ellos. Naturalde texas, empezó su carrera en los años 50 fuertemente influenciado porel estilo Honky tonk del maestro Hank Williams e incluso por elrockabilly. No fue hasta los comienzos de los 60 que encontró su propioestilo y llegaron los éxitos, como «One woman man», «she think I stillcare» o «the race is on».Contrajo matrimonio con la también cantantecountry Tammy Wynnete, juntos protagonizaron una de las relaciones mástormentosas del mundo country. Se puede decir sin equivocarse que aGeorge Jones no le queda ningún reconocimiento más que recibir dentrode esta música.
En este álbum el oyente acomodado en un asiento de primera filarealiza un viaje a través de la angustia, lamento y nostalgia, sinmejor guía que el calificado George Jones. Incluso para el reyindiscutible de la música country, este álbum fue un verdadero hito. Elfenomenal Jones, en este ?Grand Tour?, estaba en el apogeo de sucarrera, envuelto alrededor de un grupo de canciones tan finas como lasque jamás haya registrado.

1.The Grand Tour
2.Darlin'
3.Pass Me by (If You're Only Passing Through)
4.She'll Love the One She's With
5.Once You've Had the Best
6.Weatherman, The
7.Borrowed Angel
8.She Told Me So
9.Mary Don't Go 'Round
10.Who Will I Be Loving Now
11.Our Private Life

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321. Gene Clark ? No Other (1974)



Un extraordinario disco del ex Byrds Gene Clark, menos comercialque "Gene Clark with The Gosdin Brothers" pero otra gran obra maestrade este genial compositor. Su alta sensibilidad melódica y su sentidaejecución vocal sobre unos reflexivos textos hacen de este álbum otrorecomendable trayecto por las excelencias autorales de este subestimadoe importante personaje.
En su recorrido encontramos dosis de folk, rock, pop y algunaincursión de country-rock de elevado nivel, comenzado con la soberbia"Life's greatest fool", beneficiaria de unas memorables armoníasrealizadas por Carlena Williams, Cindy Bullens, Ronnie Barron, ClydieKing, Venetta Field, Shirley Matthews y Timothy B. Schmit, presenciasconstantes (y agradecidas) a lo largo de todo el álbum.
En este disco (a veces denominado el "Sgt. Peppers" de Clark)Gene experimenta e intenta expandir sus sonidos más allá de sus raícespero su naturaleza armoniosa y sencillez estructural siempre seencuentra presente. Además, la factura vocal de Clark y su apegoemocional a los textos es sobrecogedora.
El disco es una maravilla y subyugantes temas como "No other","Strenght of strings", "From a silver phial" o "Lady of the north"contienen las constantes de la escritura de Clark, clase y emotividad.
Clark fue ambicioso al concebir este disco, quizá por no quereranclarse en una corriente, el country rock, que hasta entonces habíacultivado con brillantez, sino por arrimar su tradicional línea musicala otros géneros como el soul, el blues y la psicodelia. Apoyado pormúsicos de extenso bagaje, entre ellos baterías y guitarristas deAllman Brothers, James Taylor y Carole King, miembros de Manassas,futuros bajistas de los Eagles y un venenoso coro de voces femeninas,Gene Clark creó una magistral obra de carretera y evasión, una aspirinarevitalizadora cuando la música de nuestros días tiende a producirnosdolor de cabeza.

1.Life's Greatest Fool
2.Silver Raven
3.No Other
4.Strength of Strings
5.From a Silver Phial
6.Some Misunderstanding
7.True One, The
8.Lady of the North


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322. Steely Dan ? Pretzel Logic (1974)



Con "Pretzel Logic" Becker y Fagen deciden simplificar las cosas,haciendo canciones más concisas, más elaboradas líricamente, sindesatender sus complejos arreglos de siempre. El dúo solía reservarselos derechos de composición, pero contaban con un colectivo deintérpretes enormemente cotizados en el escenario estadounidense hastael día de hoy, como el desaparecido Jeff Porcaro, baterista de Toto, elexcepcional Jeff ?Skunk? Baxter, Jim Gordon o Victor Feldman, entreotros.
?Rikki Don?t Lose That Number?, que alcanzaría la posición númerocuatro de los listados en el momento de su lanzamiento, abre el discocon una frase sincopada de piano que va trasformándose en una pieza desoft-rock elegante. Se trata de una canción de amor escrita por DonaldFagen que dio inicio a toda clase de interpretaciones, entre ellas lade una supuesta apología a la marihuana (Send it off in a letter toyourself).
Los robustos y a la vez cálidos arreglos de vientos que adornan elálbum en canciones como ?Parker?s Band?, ?Monkey In Your Soul?, o elhomenaje a Duke Ellington con el tradicional ?East St. Louis Toodle-Oo?conmueven con su tono nostálgico y vibrante. Especialmente atractivosresultan los teclados a lo largo de todo el disco. Los pasajes de ?AnyMajor Dude Will Tell You? son como un bálsamo reconfortante para elespíritu. Igual ocurre con los hermosos arreglos vocales que alcanzanun punto álgido en ?Pretzel Logic?, canción que da título al disco, yque quedará en el recuerdo como una de las piezas más finas dentro delrepertorio de la banda.
Becker y Fagen hicieron de Pretzel Logic, no un álbum de hitsfáciles, sino un compendio de melodías de enorme inventiva instrumentalcargadas con letras de fino cinismo. Esta obra ejemplar supodistanciarse del planteamiento castizo de la música rock con elpropósito de alcanzar nuevas posibilidades estilísticas; unaalternativa idónea para melómanos más exigentes, más refinados. Susobras posteriores mantendrían esa fórmula con indiscutible éxito,aunque parece que el destino mismo quiso iluminarlos para hacer deaquellas sesiones un momento mágico cuyo enigmático resultado siguesiendo difícil de clasificar.

1.Rikki Don't Lose That Number
2.Night by Night
3.Any Major Dude Will Tell You
4.Barrytown
5.East St. Louis Toodle-Oo
6.Parker's Band
7.Through With Buzz
8.Pretzel Logic
9.With a Gun
10.Charlie Freak
11.Monkey in Your Soul

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323. Randy Newman ? Good Old Boys (1974)



Vuelve Randall Stuart Newman, el compositor, arreglista, cantante ypianista estadounidense. Conocido por sus mordaces canciones y porvarias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., ToyStory 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). Considerandoque su álbum ?Sail Away? sea un conjunto excelentemente elaborado decuentos, ?Good Old Boys? fue la primera novela de Newman. Las analogíasliterarias no están fuera de lugar - Newman pone el ojo de un escritorpara el desarrollo del carácter, el detalle y el escenario de Good OldBoys, un álbum conceptual sobre la vida en el Sur profundo. El primertema, "Rednecks," es un golpe sin piedad mordaz contra el racismo en elsur, con un jovial coro que sólo hunde el cuchillo de la canción en lamás profunda herida. Y " A Wedding In Cherokee County " es una baladapreciosa . Pero por cada ataque contra el provincialismo, Newman ofreceun retrato de licitación de un personaje del Sur en medio de crisispersonales. " Guilty ", por ejemplo, es un auto-destructivo lamento delhombre confesional, mientras que "Marie" puede ser canción de amor másdesgarradoras y hermosas de Newman. Sus personajes habitan conextraordinaria precisión, y Newman logra un sentido de la comedia y laempatía que puede ser imposible que se narran estos cuentos desde supropio punto de vista. Hay pistas más ligeras, como "Rolling" y laenigmática "Naked Man", pero incluso éstas son agraciados con finosarreglos del artista y del oído para la melodía. Único, deconfrontación, y en movimiento, Good Old Boys sigue siendo uno de losmejores logros de Newman. Con "Good Old Boys", llegó al puesto #36 enel Billboard y que estuvo 21 semanas en el Top 20.

1.Rednecks
2.Birmingham
3.Marie
4.Mr. President (Have Pity On The Working Man)
5.Guilty
6.Louisiana 1927
7.Every Man A King
8.Kingfish
9.Naked Man
10.A Wedding In Cherokee County
11.Back On My Feet Again
12.Rollin'

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324. Bob Marley & the Wailers ? Natty Dread (1974)



Se podría decir que este es el primer disco bajo el nombre de BobMarley & The Wailers, aunque evidentemente este no es el primerdisco de Bob Marley.
Fue también, el primer disco sin Peter Tosh y Bunny Livingstone, yfue la primera vez donde se contaba con los coros femeninos llamadasI-Trees, donde estaban Rita Marley (la mujer de Bob Marley), MarciaGriffiths y Judy Mowatt.
En 1974 Marley se dedico a trabajar a tiempo completo lassesiones de lo que finalmente dieron como resultado la placa NattyDread. Dicho álbum incluiría varias canciones intensamente?comprometidas? como Talkin' Blues, No Woman No Cry, que se haconvertido prácticamente en un himno nacional de Jamaica desdeentonces, So Jah seh, Revolution, Them belly full y Rebel Music. NattyDread" es una obra clave en la carrera de Marley y fue aclamado comouna obra militante del fervor revolucionario. En resumen esta obra deMarley y los Wailers se convierte en un disco básico y de culto en elcual, Marley vuelca toda su pasión para comunicar ideas radicalescercanas a su creciente convicción de Rastafari. Un disco en el que sedefine lo que sería el reggae de ahí en adelante, considerado como unode los mejores discos de la historia. Marley había levantado la manocomo uno de los grandes de la música moderna.

1.Lively up Yourself
2.No Woman No Cry
3.Them Belly Full (But We Hungry)
4.Rebel Music (3 O'Clock Road Block)
5.So Jah Seh
6.Natty Dread
7.Bend Down Low
8.Talkin' Blues
9.Revolution

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325. Robert Wyatt ? Rock Bottom (1974)



Este disco no se escucha, en este disco se recae. Como en unopiáceo poderoso posesionado en vena. Se trata del disco de un reciéninválido, de un recién nacido en la conciencia de suser-para-la-muerte. Pero, ¿inválido de qué? Inválido de lo que todo losmortales, inválido de la palabra, del gran logro, inválido de unaexpresión consumada.
Rock Bottom se dibuja con pinceladas que no lo acaban por definir,mas bien aletargan dejando un halo aguardentoso en nuestras almas.?Volver a nacer? no solo es atributo del Ave Fénix, también renacenaquellos que sobrevivieron a unos 60s jubilosos, donde la vida secelebraba en contraparte a la guerra. Hoy lo sabemos: una vez más sedejan por fuera a las Furias, esas damas vengadoras que pocas vecesentiende de misericordia.
Pero no corrió mucho de la siguiente década, cuando músicos de muydistintas estirpes se percataron del craso error. En 1974, Wyattadvierte de la omisión en poco más de media hora de música venida delfondo más rocoso. El baterista versátil brilla por su ausencia en unaproducción protagonizada por teclados, y una voz ?voz indiscutible-afinada a la luz de la nueva sentencia del trágico sino. Si bienNuestro Señor Jesucristo no vino a él con el milagro, diciéndole:?Párate y anda?; la esposa de Wyatt, Alfie, sí lo instaría a crear eldisco más extraordinario, el más trágico, aquel que quedaría estampadocomo la obra maestra de un renacido.
Destilar aquello que es puro, es arte de algunos pocos elegidosque testimonian el atroz influjo de los Dioses sobre sus cuerpos.Reinventarse es cuestión divina, sin duda. Más aun, mirarse en elespejo de las consecuencias, y verse reconocido ineludiblemente en él,es la comunión de unos pocos. Rock Bottom vive esplendoroso a la sombrade la limitación, con la riqueza de notas apocadas y leves, y con laintimidad de aquel cuyo nuevo destino lo ha convertido en unprivilegiado. Porque entristecerse al compás de este disco, es unprivilegio del que gozarán solo unos pocos aisleños.
Lleva el duelo quien elabora, quien dispone de su ínfima tragediapara el deleite de una humanidad a la espera. Y sí, la humanidad esperoeste disco, como quien esperaba un aliento y no lo encontraba en elaire. Melancolía, nostalgia, tristeza, algo de saudade ?por qué no-,desgarramiento, y luego un tropel de luz que nos ciega para salvarnos.
Mucho es el horror en un mundo de imposibilidades, ergo, mucha essu belleza, porque toda acometida que emerja de la falta, tiene quenecesariamente portar el título de lo hermoso. Inconmensurable puedeser la tristeza de cualquiera, el quid reside en que quien toca fondo,toca lo rocoso. Después de todo, se trata del disco de un vitalistaíntegro.
De Wyatt, solo esperemos lo mejor. Como de un maestro artesano alque lo sobrepasaran períodos y tecnologías, Wyatt es el solistasolitario que se sobrepone a su propio cansancio, al de los suyos, aldel malestar de la cultura. Lo sublime se apellida Wyatt, cuando se nosofrenda esta música de la entraña gloriosa de un desgarrado. Robert hatocado fondo y lo demuestró con esta maravilla.

1. Sea Song
2. Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road

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1001 discos que debes escuchar antes de morir (13era)
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