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1001 discos que debes escuchar antes de morir(12ma)

  • Categoría: Reciclaje
  • Publicado hace más de 6 años
276. Hawkwind ? Space Ritual (1973)



Banda de space rock y hard rock psicodélico formada en Londres afinales de los años 60. De espaciales y eclécticos sonidos, muchas desus composiciones giraban en torno a la ciencia-ficción. El grupo seformó en 1969 por el cantante y guitarra Dave Brock, el guitarra HuwLloyd (anteriormente estuvo Mick Slaterry), el bajista y vocalista JohnHarrison, el saxo, flauta y vocalista Nik Turner, el batería TerryOllis y el teclista Dik Mik Davies, encargados de crear Group X, unproyecto que finalmente acabó llamándose Hawkwind tras denominarse conanterioridad Hawkwind Zoo. Su actuación en el famoso Festival de laIsla de Wight acrecentó el nombre de Hawkwind entre los amantes delhard rock y la psicodelia.
Se dieron el gusto de hacer en los años 70 cancionesperfectamente catalógables como Stoner Rock con décadas de anticipaciónal boom de ese sonido, además se les considera como los creadores delSpace Rock. Los ingleses Hawkwind adoptaron la temática de la cienciaficción ?en colaboración con el escritor Michael Moorcock- para crearla primera space rock opera. Viajes interestelares a través de su rockprogresivo apoyado en el que empleo de sinterizadores. Su sonidomarciano llegaba a su máxima expresión en directo y de ahí esteaclamado trabajo de 86 minutos de duración.

Disco 1
01.- Earth calling
02.- BOrn to go
03.- Down through the night
04.- The awakening
05.- Lord of light
06.- Black Corridor
07.- Space is deep
08.- Electronic n°1
09.- Orgone accumulator
10.- Upside down
11.- 10 Secods of forever
12.- Brainstorm

Disco 2
01.- 7 by 7
02.- Sonic Attack
03.- Time we left this world today
04.- Master of the universe
05.- Welcome to the future
06.- You shouldn´t do that
07.- Master of the universe
08.- Born to go

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277. John Cale ? Paris 1919 (1973)



John Davies Cale, músico galés, compositor, multiinstrumentista yproductor. Es muy conocido por haber integrado la mítica bandaneoyorquina Velvet Underground en la segunda mitad de la década del'60. John Cale, la base y otras cosas de The Velvet Underground,decidió un buen día alejarse de la experimentación y de los discosdifíciles, decidido a contarnos trocitos de existencia.
Las canciones se suceden misteriosamente ordenadas, repletas deintensidad, dispuestas a proporcionarte un día estupendo y relajado. Esotro de mis discos preferidos, en este caso por la luz optimista y elbuen rollo que desprende, además de la adorable forma de cantar con esedeje galés de Cale y la espectacularidad de los arreglos y la música.
"Paris 1919" es como si un Dylan trajeado hubiera dejado dedemostrar con insistencia lo bueno que es y simplemente se diera unavuelta por la vida. "Child Christmas in Wales", "Andalucia" o "GrahamGreene" son obras maestras definitivas que todo el mundo deberíaescuchar por lo menos una vez. Para muchos la obra maestra de JohnCale. Un clásico atemporal del decadentismo/romanticismo.

1. Child's Christmas in Wales
2. Hanky Panky Nohow
3. Endless Plain of Fortune, The
4. Andalucia
5. MacBeth
6. Paris 1919
7. Graham Greene
8. Half Past France
9. Antarctica Starts Here

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278. Can ? Future Days (1973)



Can fue definido una vez por su teclista, Irmin Schmidt, como ?unorganismo poderoso y pulsátil?. Sorprende que alguien adquiera lanecesaria perspectiva precisamente desde el lugar más difícil: desdedentro. Y de hecho, cabe ir más allá que Schmidt y afirmar que Canostentaba en su mejor momento una condición de vitalidad tal, decompleta organicidad, que no sólo era una banda poderosa y pulsátil,sino también sometida a continua evolución, adaptación y mutación. Can,de rostro reconocible en todo momento, sin embargo pareciótransformarse a lo largo de sus discos de manera natural pero siempresorprendente, variando las texturas y colores de un sonido tan abiertocomo inconfundible.
?Future Days? es parte de lo mejor de Can, de sus tiempos másgloriosos. La marca inconfundible de Can, esa sensación de músicainaprensible, eternamente renovada en cada escucha, capaz de potenciarsu uso compulsivo sin terminar de reproducir exactamente las mismassensaciones, se encuentra presente en otra de sus obras maestras. Conla voz de Suzuki como una aparición fugaz y esquiva, y una mezcla quepotencia los teclados de Schmidt, haciendo que una de las mejoressecciones rítmicas de todos los tiempos se proyecte de manera menosavasalladora que de costumbre, el sonido de ?Future Days? resulta másdelicado, tenue, difuso, nocturno y espaciado que en las anterioresocasiones. Por momentos, semeja como si los Can pretendieran presentarsu propia versión del registro casi ambient del Miles Davis de ?In aSilent Way?, eliminando la potencia rítmica avasalladora de susanteriores discos en favor de una embriagadora obsesión atmosférica,mientras Suzuki, dibuja unas melodías que parecen nacer y morir en elsubconsciente.
En los mundos de Can todos los confines, e incluso el centromismo, son tierra incognita, impermeables pero maravillosos misterios,tan resistentes a nosotros como irresistibles para nosotros. Por algoson Can, y no otra cosa. Y por eso mismo, nunca nadie ha sido cómo Can,ni nada que se le parezca.

1. Future Days
2. Spray
3. Moonshake
4. Bel Air

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279. Lou Reed ? Berlin (1973)



Uno de los discos más sobrecogedores de la trayectoria discográficade Lou Reed, quien expone a través de diez atmosféricos temas lastortuosas vivencias de una prostituta alemana llamada Caroline,centrando su desesperación vital en las trágicas consecuencias de surelación amorosa con un yonqui estadounidense de nombre Jim.
Sombrías historias de burdeles, ambientes decadentes, drogas yluchas diarias, narrados por la singular voz y guitarra de Lou Reed,apoyado magníficamente en su afán descriptivo por el bajo de JackBruce, los teclados de Steve Winwood, la batería de Aynsley Dunbar ylas guitarras de Steve Hunter y Dick Wagner.
La acertada producción de Bob Ezrin ensalza la emoción pesarosaque destilan temas como "Lady Day", embellecido por unos lúcidosarreglos, al igual que la deslumbrante y soberbia "Sad song". JackBruce brilla especialmente en otro de los puntos álgidos del disco,"Men of good fortune".
Piezas de potente instrumentación como "How do you think itfeels" y "Oh Jim" están convenientemente aderezadas por una esmeradasección de metal.
Geniales y estremecedoras baladas como la acústica "Caroline saysII", "The Kids", tema de extrema crudeza donde se escuchandesgarradores gritos infantiles y que fue censurado en su época envarios países, "The Bed", escalofriante evocación del suicidio de laprotagonista y la referida "Sad Song" configuran la recta final de estaafligida y amarga obra maestra. Berlin es la obra conceptual másmacabra y oscura de Lou Reed y posiblemente de la historia del rock; unálbum oscuro, que no tuvo éxito comercialmente, y que es consideradopor muchos como una obra maestra incomprendida.

1. Berlin
2. Lady Day
3. Men of Good Fortune
4. Caroline Says (I)
5. How Do You Think It Feels
6. Oh, Jim
7. Caroline Says (II)
8. Kids, The
9. Bed, The
10. Sad Song

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280. Genesis ? Selling England by the Pound (1973)



El famosísimo grupo Genesis comenzó su trayectoria musical dentrodel rock progresivo a mediados de los años 60 tras la unión de dosbandas escolares de Surrey denominadas Garden Wall, en la que estabanel cantante Peter Gabriel y el teclista Tony Banks, y Anon, formacióncompuesta por el guitarrista y cantante Anthony Phillips, y el bajista,guitarra y vocalista Michael Rutherford. Estos cuatro personajes juntoal batería Chris Stewart se unirían al productor Jonathan King yelegirían un nuevo nombre para el proyecto conjunto, New Anon, queposteriormente se rebautizaría como Genesis.
Con ?Selling England By The Pound? sexto álbum del grupo inglésde rock progresivo y el quinto en estudio, grabado y lanzado en 1973,Genesis le ofrenda al público uno de los álbumes más perfectos, másintensos y más milagrosos jamás concebidos. Hasta aquí las ideasmusicales de Genesis eran interesantes, eran innovadoras, erandesafiantes, eso sí. Pero la música de Selling England eleva la cosa aun nivel totalmente nuevo: es íntegramente perfecta, dinámica, repletade matices que se van descubierdo con cada nueva escucha; inhumanamentecompleja y aún así milagrosamente fluida y focalizada; interesante paraescuchar y devastadora emocionalmente; extraodrinariamente hermosa y ala vez repleta de energía. Todo lo que el rock progresivo siempre quisoser y no había logrado. Fue el mayor éxito comercial de la banda conPeter Gabriel, llegando al puesto #3 en los rankings del Reino Unido.Posteriormente se convertiría en disco de oro en EE. UU. en el año1990.

1. Dancing With The Moonlight Knight
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe)
3. Firth Of Fifth
4. More Fool Me
5. The Battle Of Epping Forest
6. After The Ordeal
7. The Cinema Show
8. Aisle Of Plenty

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281. Marvin Gaye ? Let?s Get it On (1973)



"Let´s Get It On", el más carnal de sus discos, tal vez el máscarnal que cualquiera haya realizado, cuando ya no caben dudas. Y sinembargo este disco no desarrolla únicamente una dimensión completamentefestiva de la pasión y de la atracción animal, aunque esencialmente seasu principal atributo y cualidad, capaz de alterar cualquier atmósfera.Pero también hay sombras acechando en las esquinas, penosos einsospechados castigos, altos precios que pagar en razón del disfrutecarnal. Como en la vida real, pocos salen absolutamente indemnes deldisfrute físico sin razón de sentimientos, si es que en este discoexiste tal cosa.
El sobrecogedor Marvin Gaye ha sido para la Motown uno de losvalores más preciados. En estos días, en los que la compañía de BerryGordy Jr. celebra su 50 aniversario no está mal acordarse de obrasmaestras del Soul como este "Let's Get It On".
Sensualidad puede ser la palabra que mejor define el sonido deeste álbum, que junto a "What's Going On'" supone el clímax artísticode Marvin Gaye.
Janis Hunter, una joven chica de 16 años, le sirvió al artistaamericano de inspiración, ya que se enamoró completamente de ella antesde grabar este disco. La cosa acabó en matrimonio aunque no duró muchoy fue totalmente desastroso, como casi todo tipo de relación que pasópor su vida.
Pero independientemente de su situación personal, ha quedado sumúsica para la historia. Y las canciones que se incluyen aquí, le hanpuesto la piel de gallina a más de uno generando una atmósfera deexcitación casi inmediata. ¿Quién se resiste a clásicos como "DistantLover"? ¿O A temas tan contundentes como "You Sure Love To Ball"?
Está claro que pretendientes le han salido muchos, pero hasta el momento ninguno ha igualado la figura de Marvin Gaye.
Ahora podemos por fín confirmar con pruebas que después de unadifícil búsqueda llegó a la recompensa para Marvin Gaye en la forma deun disco, que si bien resultaba casi opuesto en intención a "What´sGoing On", igualaba sus enormes méritos artísticos y suponía una nuevaobra maestra. Un disco sensual, pero secretamente atormentado,insinuante pero tal vez ligeramente arrepentido, lujurioso pero tambiénsentimental. Pero sobre todo, y como los mejores discos de Marvin Gaye,humano. Completamente humano.

1. Let's Get It On
2. Please Stay (Once You Go Away)
3. If I Should Die Tonight
4. Keep Gettin' It On
5. Come Get To This
6. Distant Lover
7. You Sure Love To Ball
8. Just To Keep You Satisfied


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282. John Martyn ? Solid Air (1973)



Un disco con la calidad y la magia suficiente para encadenarlo auna tetralogía de obras mayores que mezclan folk, rock, jazz, blues ylo que haga falta, como pueden ser "Astral weeks" (Van Morrison),"Happy sad" (Tim Buckley), "Pink moon" (Nick Drake) y "Rock bottom"(Robert Wyatt).
"Solid air", la canción que titula el álbum, está dedicada a suamigo, Nick Drake, ya desaparecido en aquellos años. Una especie deelegía, conducida por la grave y aterciopelada voz de Martyn, suguitarra acústica y unos juegos entre vibráfono y piano eléctrico,aprovechando la similar sonoridad de ambos instrumentos. Estosinstrumentos se intercambian entre sí, siendo dificultoso saber cuandoestá sonando uno u otro.
Solid Air" el álbum más valorado de su carrera. Un álbum con elque este escocés aceptó bien la etiqueta de "artista de culto" quellevó a sus espaldas prácticamente toda la vida. En enero de este 2009partió dejando un inmenso vacío entre los grandes compositores,guitarristas Folk-Blues, y obviamente todos nosotros, sus seguidores.

1. Solid Air
2. Over the Hill
3. Don't Want To Know
4. I'd Rather Be the Devil
5. Go Down Easy
6. Dreams By the Sea
7. May You Never
8. Man In the Station, The
9. Easy Blues/The Gentle Blues

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283. Roxy Music ? For Your Pleasure (1973)



El matrimonio artístico entre Bryan Ferry y Brian Eno duró tan solodos discos, el debut homónimo de Roxy Music y este For Your Pleasure,tras el cual la guerra de egos entre uno y otro acabó con Eno fuera delgrupo.
Pero el segundo y último trabajo los dos artistas a bordo delmismo proyecto es de aquellos que rozan la perfección. Aquí no hayespacio para canciones de relleno. Los temas que en un primer momentoparecen canciones menores -como Beauty Queen, In Every Dream Home AHeartache y Strictly Confidential- acaban convirtiéndose en temasinteresantes. Gran parte del mérito es de las atmósferas creadas porBrian Eno, al mando de los teclados y los ruidos, y de la guitarra dePhil Manzanera, uno de esos músicos con un estilo sencillo perocaracterístico.
Tampoco hay temas que destaquen por encima de los otros. For YourPleasure es un trabajo donde las composiciones de Ferry mantienensiempre un nivel muy alto. Producido por Chris Thomas, John Anthony ylos propios Roxy, un disco en el que tocaba el bajo John Porter tras lamarcha de Simpson. El glamour ofrecido en sus actuaciones y laespectacular imagen de sus componentes era puntos a favor del éxito delgrupo, un éxito que no se volvería a repetir con la misma magnitud.

1. Do the Strand
2. Beauty Queen
3. Strictly Confidential
4. Editions of You
5. In Every Dream Home a Heartache
6. Bogus Man, The
7. Grey Lagoons
8. For Your Pleasure

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284. Faust ? IV (1973)



En su esencia, su arte es demasiado academicista e intelectual -demasiado "de autor" - como para considerarlos simples empleados alservicio de una idea (alentada por el mentor y productor de la bandaUwe Nettelbeck). La música de Faust desconcierta y, a su maneraheterodoxa, llena al oyente de emociones. Aunque conscientementecalculada - como toda la música experimental - para "ir más allá", almismo tiempo consigue transmitir una espontaneidad liberadora de la quepocas bandas avant-garde pueden jactarse. El cuarto álbum del grupo,austeramente titulado Faust IV, es tal vez el mejor ejemplo de estafeliz contradicción.
Puede afirmarse que la obra que aquí nos convoca brinda elmaterial más accesible que grabaron los alemanes en su tiempo degloria. En IV hay verdaderos riffs, hay melodías, hay hasta ¡génerosreconocibles! Tal es así que en su momento los seguidores másradicalizados de la banda catalogaron al álbum como una decepción. Soloel transcurso del tiempo le dio el reconocimiento que, en realidad,merece.
Faust IV logra balancear la osadía del avant-garde propio de labanda con la excitabilidad del rock más familiar y campechano. Patearel tablero con un artistic statement de delirios informes, notasaleatorias y ruido sordo - eso es, simplificando, el disco debut delgrupo - requiere más audacia y sed de sangre que verdadera imaginación.En cambio, lograr que una pieza musical desafíe las convenciones y, almismo tiempo, ofrezca una escucha genuinamente placentera, suele sermás difícil. Mucho más de lo que quienes prefieren manifiestos extremossuelen reconocer. Faust IV no es un manifiesto extremo; lo puedeescuchar cualquier vecino sin sobresaltarse ni alarmarse demasiado. Yaún así, si ese vecino decide prestar atención, descubrirá que estamúsica no se parece mucho a nada que conozca. En ello reside, en suma,la conquista de este gran disco. La sensación que provoca es una de lasmás aparatosas que pueden vivirse en un disco de rock.

1. Krautrock
2. Sad Skinhead, The
3. Jennifer
4. Just A Second (Starts Lide That!) / Deuxime Thableux / Picnic On A Frozen River
5. Giggy Smile
6. Lauft Heisst das es Lauft Oder es Kommt Bald Lauft
7. It's a Bit of a Pain

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285. Herbie Hancock ? Head Hunters (1973)



Head Hunters es uno de los discos de jazz más vendidos de lahistoria y fue el primero en convertirse en disco de platino debido asus ventas. Ahora, si nunca escuchaste Head Hunters, te aviso quecuando hablamos de jazz no esperes encontrarte algo en el estilo deMaiden Voyage, Empyrean Isles o ni siquiera de The New Standard. En el'73 Hancock pateó el tablero, armó una banda de funk y grabó este discorepleto de alusiones a Sly Stone y James Brown.
Se dice que Mr. Hancock tuvo, por aquellos tiempos, inquietudesmísticas que lo acercaron al budismo. Luego de meditar, decidió dedicarsu vida a hacer feliz a su público. Y así lo hizo. Claro que a veces noquedó muy claro quien era "su" público: Hancock tuvo un acercamiento alincipiente techno con sus discos Perfect machine y Sound system aprincipios de los 80's que no dejaron muy contentos a algunos pero quefueron enormes éxitos de venta. A lo largo de sus cinco décadas decarrera, Herbie Hancock ha sido uno de los músicos de jazz másinfluyentes y polémicos. Pero sobre todo, Hancock ha sabido cumplir conaquello que se propuso y se ha convertido en uno de los músico másmasivos y premiados por la industria.
Acerca de Head Hunters, Hancock dijo que empezó "pensando en SlyStone y en cuanto amaba su música y en cuan funky era 'Thank You ForLetting Me Be Myself'. Estaba escuchando una y otra vez esa canción".
La banda, formada por el bajista Paul Jackson, Harvey Mason enbatería, Bill Summers en percusión y Bennie Maupin en los vientos ledan a Hancock una base para que desarrolle sus ideas. Hancockexperimenta con el piano eléctrico y los sintetizadores y, lejos de loscomplejos solos de piano, deja lugar a su banda para darte buen ypoderoso funk.

1. Chameleon
2. Watermelon Man
3. Sly
4. Vein Melter

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286. Mott The Hoople ? Mott (1973)



Importante grupo de rock que alcanzó su momento de gloria en la eradel glam, cuando a punto de escindirse contaron con la estimable ayudadel omnipresente y casi omnipotente David Bowie.
La fuerza vocal y talento compositivo de su líder y teclista IanHunter y la capacidad creativa de la guitarra de Mick Ralphs eran loscentros neurálgicos de un grupo que mereció más suerte de la queobtuvo. Con "Mott" (1973) consiguieron establecer a la banda como unade las mejores del país, y no sólo eso, las buenas ventas se habíantrasladado al difícil mercado norteamericano.
Todo parecía coser y cantar para el grupo, pero la cada vez másimportante presencia como líder de Ian Hunter provocó un choque de egosentre él y el guitarra líder, Mick Ralphs, una pieza importantísimadentro del engranaje de Mott que finalmente decidió dejar al grupo paracrear junto al ex-Free Paul Rodgers, Bad Company, un gran conjuntohard-rock.
El casi insustituible Ralphs fue finalmente reemplazado porLuther Grosvenor (ex- Spooky Tooth), quien nada más entrar en su nuevogrupo se rebautizó como Ariel Bender (más tarde fue sustituido por MickRonson). En 1974, para su tour por los Estados Unidos, Mott the Hooplefue teloneado por la banda Queen. Este tour luego inspiraría la canciónde Queen de 1975 "Now I'm Here," que contiene el siguiente fragmento ensu letra: "Down in the city, just Hoople and me." (En la ciudad, soloHoople y yo, haciendo referencia a los conciertos junto a la banda).También les telonearon durante dicha gira, dos grupos que triunfaríanpoco tiempo después, Kansas y Aerosmith.

1. All the Way From Memphis
2. Whizz Kid
3. Hymn For the Dudes
4. Honaloochie Boogie
5. Violence
6. Drivin' Sister
7. Ballad of Mott the Hoople - (March 26, 1972-Zurich)
8. I'm A Cadillac / El Camino Dolo Roso
9. I Wish I Was Your Mother

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287. Mike Oldfield ? Tubular Bells (1973)



Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de unproceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte enestado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, perolos aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazónal nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedóperpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquelera "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexploradoterritorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol conlluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la formaen cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo elMelody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar lasinfluencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante aSibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of theProms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historiade la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de muchagente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar losmuchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partirde los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listasdel Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bellscomenzó a venderse masivamente en toda Europa.
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allítodo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesariopara que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando eldirector de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidióusar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista.Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquellapelícula, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le habíagustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de TubularBells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica",un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su plenoaprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema,el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión queparecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de TheSailor's Hornpipe.

1. Tubular Bells, Part 1
2. Tubular Bells, Part 2

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288. Todd Rundgren ? A Wizard, a True Star (1973)



Es A Wizard, A True Star, publicado en 1973 y aclamadouniversalmente como una de las mayores obras de ingeniería musical detoda la historia. Se trata de un disco larguísimo, compuesto de unsinfín de canciones cortas y multidireccionales que tocan prácticamentetodos los palos de la baraja del rock y recubiertas todas ellas por unintenso barniz de sensibilidad y clase que rezuman gloriosos en cadaminúscula nota del álbum, que incluye un montón de cortas y bellasbaladas vaporosas, homenajes al soul, a Frank Zappa (Dog Fight) o JimiHendrix (You Need Your Head), y autenticas maravillas que transmiteninstantáneamente mas emociones que toda una semana de reality showsjuntos, como en el caso de la sublime Zen Archer. Definitivamente, undisco diez.
Con "A Wizard, a True Star" Rundgren vuelve a romper el moldeelaborando un extraño collage sónico que incluía desde psicodelia ysoul hasta tonos infantiles que parecían salidos de una película deDisney o incluso vaudeville, este disco confundió bastante a muchos delos fans que se habían acercado a la música de Rundgren luego de"Something/Anything?. Sin embargo, una nueva legión de fans de cultoempezaron a tomar a Rundgren como un verdadero genio, adelantado a sutiempo. Rundgren se tomo esto al pie de la palabra casi literalmentecuando se tiño su cabello de todos los colores como si fuera un arcoiris, dándole a sus performances en concierto un toque muy especial,lindante con lo "glam". Sin embargo su música se estaba volviendo cadavez más progresiva.

1. International Feel
2. Never Never Land
3. Tic Tic Tic It Wears Off
4. You Need Your Head
5. Rock and Roll Pussy
6. Dogfight Giggle
7. You Don't Have to Camp Around
8. Flamingo
9. Zen Archer
10. Just Another Onionhead / Dada Dali
11. When The Shit Hits The Fan / Sunset Blvd.
12. Le Feel Internacionale
13. Sometimes I Don't Know What to Feel
14. Does Anybody Love You?
15. I'm So Proud / Ooh Baby Baby / La La Means I Love You / Cool Jerk
16. Hungry For Love
17. I Don't Want to Tie You Down
18. Is It My Name?
19. Just One Victory

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289. Elton John ? Goodbye Yellow Brick Road (1973)



En 1973 Elton John se encontraba en su mejor momento artística ycomercialmente hablando, así que ?Goodbye Yellow Brick Road? vino a serla cumbre de su edad de oro, no sólo porque sea su gran obra maestra,sino porque es un disco que en sus 76 minutos de duración nos muestralas diversas facetas de Elton, en cuanto a creatividad es sin duda unode sus discos más logrados y donde es capaz de hacer coincidir génerosmás diversos (rhythm ?n? blues, rock sinfónico, hard rock, susimprescindibles baladas a piano...). Lo mejor de todo es que éste nofue un disco doble ?premeditado?, sino que simplemente Elton comenzó acomponer canciones hasta que se dio cuenta de que daba para un discodoble lo cual nos confirma hasta qué punto estaba en estado de graciapor entonces.
?Goodbye Yellow Brick Road?, uno de los más grandes discos de lahistoria, es una de esas obras maestras a las que pese a lo largas queson, no le quitarías nada. Porque lo que representa globalmente estápor encima de eso: un grandísimo artista dando rienda suelta a todo supotencial. Nosotros, como humildes oyentes, no podemos hacer más queescucharle y disfrutar de su música.

1. Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding
2. Candle in the Wind
3. Bennie and the Jets
4. Goodbye Yellow Brick Road
5. This Song Has No Title
6. Grey Seal
7. Jamaica Jerk Off
8. I've Seen That Movie Too
9. Sweet Painted Lady
10. Ballad of Danny Bailey (1909-34)
11. Dirty Little Girl
12. All the Girls Love Alice
13. Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)
14. Saturday Night's Alright For Fighting
15. Roy Rogers
16. Social Disease
17. Harmony

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290. Steely Dan ? Countdown to Ecstasy (1973)



Steely Dan es uno de esos grupos clásicos que, inexplicablemente,no han conseguido la resonancia comercial posterior de algunos de suscoetáneos (The Eagles, America o Supertramp). Sin embargo, Countdown toEcstasy (1973) es, a todas luces, un disco imprescindible para todoaquél aficionado a los álbumes rock de la década de los '70. Este álbumde 1973 es una verdadera joya musical, plagada de excelentes arreglosvocales, una muy buena instrumentación y la particular voz de Fagen;partiendo desde el tema de entrada ?Bodhisattva?, quizás el màsrockero, uno se da cuenta de la calidad musical de sus integrantes,rematando con el excelente solo de guitarra de
Denny Días. Luego se van sucediendo los temas, todos vocales,donde se lucen con sus composiciones, destacando para mí la excelente?Razor Boy? con su harmonía y trabajo de vibráfono. Otros temasfavoritos son ?Boston Rag?, ?Your Gold Teeth? con muy buen trabajo deteclados y guitarra.
Steely Dan se convirtieron en un referente indiscutible para elgran número de bandas que intentaba encontrar nuevas respuestas a laebullición musical de los '70. Countdown to Ecstasy supuso unaevolución y una exploración sobresaliente de las posibilidades deljazz, el rock, el blues y tantos otros géneros que se encargaron deincluir en el que es quizás su disco más recordado y admirado.

1. Bodhisattva
2. Razor Boy
3. Boston Rag, The
4. Your Gold Teeth
5. Show Biz Kids
6. My Old School
7. Pearl of the Quarter
8. King of the World

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291. Waylon Jennings ? Honky Tonk Heroes(1973)



Waylon Jennings es uno de esos artistas casi míticos, con una vidaque parece sacada de una película. Dice la leyenda que en 1959 iba aviajar en el avión que al estrellarse acabó con la vida de Buddy Holly("the day the music died", el fatídico 3 de febrero del '59), RitchieValens y Big Bopper, pero en el último momento cedió su asiento a BigBopper que por lo visto se encontraba flojo de fuerzas y con fiebre.Waylon iba en esa gira en calidad de bajista acompañando a Holly que sehabía quedado sin la que fue su banda de acompañamiento, The Crickets.Por lo visto, en un guiño macabro del destino, Waylon y Holly bromearoncon el hecho de un posible accidente del avión, lo que afectóenormemente a Waylon al convertirse en tétrica realidad. El mismoJennings contó en sus memorias el sentimiento de culpa que arrastródurante años tras el terrible accidente. Con un comienzo de carrera asíes normal que este hombre estuviera casi podríamos decir que destinadoa hacer algo grande. En 1964 Waylon inicia su carrera en solitario enNashville, la cuna del country, a la par que va haciendo y deshaciendomatrimonios. Hasta cuatro veces se casa, la última y definitiva seríacon Jessi Colter, con quien llegó a grabar algún disco a dúo. Paraprincipios de la década de los '70 Waylon está un poco harto delencorsetamiento del sonido Nashville y su peligrosa deriva hacia elterreno del pop, por lo que de una manera informal y poco medida iniciauna corriente junto con otros artistas como Willie Nelson, Johnny Cash,Merle Haggard o Kriss Kristofferson que se daría en llamar "outlawcountry", y ellos, por extensión del término, los "fuera de la ley"(outlaws). Los tipos llevan el pelo largo, visten tejanos y su sonidorecupera el estilo áspero de pioneros como Jimmie Rodgers o HankWilliams, en contraposición al country edulcorado y pulcro que ofrecíanproductores como Chet Atkins. En 1972 consigue renegociar su contratocon RCA, compañía a la que exige y de la que finalmente obtiene unalibertad creativa y artística que abrió muchas puertas a sus compañerosde profesión. Y aquí es donde entra este álbum, el primero bajo su casitotal supervisión. Waylon se asoció a Billy Joe Shaver, hasta entoncesdesconocido compositor a pesar de haber "vendido" algunos temas adiferentes celebridades, quien aporta la práctica totalidad de lostemas. Al principio hubo cierta tensión entre ambos, Billy no acababade ver con buenos ojos la forma de Waylon de interpretar sus temas,aunque como no podía ser de otra manera, acabaron llegando a talacuerdo que se hicieron grandes amigos. A partir de este año de 1973también Billy Joe Shaver empezó a grabar en solitario, lo que se puededecir que es también fruto del éxito de este disco. Una grabaciónprodigiosa que ayudó a regenerar el estilo, un disco que es un punto yaparte en la música country.

1. Honky Tonk Heroes
2. Old Five and Dimers (Like Me)
3. Willy the Wandering Gypsy and Me
4. Low Down Freedom
5. Omaha
6. You Ask Me To
7. Ride Me Down Easy
8. Ain't No God in Mexico
9. Black Rose
10. We Had It All
11. Slow Rollin' Low - (bonus track)
12. You Ask Me To - (single version, bonus track)

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292. Pink Floyd ? Dark Side of the Moon (1973)



Uno de los mejores trabajos de esta gran banda, para muchos elmejor de toda su carrera. Después de haber tenido que abandonar a suantiguo líder, Syd Barrett, por sus problemas con las drogas, el restodel grupo (con David Gilmour sustituyendo a Barrett en la guitarra)prosiguió con su carrera con gran éxito, sacando discos taninteresantes como "Atom heart mother" o "Meddle".
"The dark side of the moon" fue un Lp muy arriesgado. Muchos sepreguntaron porque un grupo con unos trabajos tan elogiados como losmencionados anteriormente, que seguían cosechando grandes éxitos ycreando un estilo propio, cambiaron súbitamente de estilo.
Si durante el resto de su carrera hubieran seguido componiendodiscos como los anteriores, sin cambiar apenas de estilo, Pink Floyd yaocuparía un lugar privilegiado en la historia del rock. Pero no fueasí. Decidieron experimentar con nuevos estilos y lo consiguieron conéxito.
Desde que fue lanzado en 1973 se convirtió en uno de los diezdiscos más vendidos de todos los tiempos, y está listado en el libroGuinness de Récords, por haber estado en las listas de popularidaddurante más tiempo que ningún otro álbum, 591 semanas u 11,4 años en lalista de Billboard de los 200 discos más vendidos, con un totalaproximado de 14 años (741 semanas), y de vuelta a las listas deBillboard donde ha permanecido durante más de 26 años. En EstadosUnidos está en el puesto #21 de los discos más vendidos. El 5 de mayode 2006, El Lado Oscuro De La Luna alcanzó un combinado total de 1500semanas en las listas Billborad 200 y Pop Catalog.
Mundialmente el disco ha vendido más de 45 millones de copias, en2004 el promedio de ventas es de 8.000 copias por semana. Un total de400.000 copias vendidas en el año 2002 lo posicionan en el puesto #200de los discos más vendidos ese año, a casi tres décadas edición inicialen 1973. Se estima que en Estados Unidos, una de cada 14 personasmenores de 50 años de edad posee una copia del disco.
Éste es, junto a "The wall", el disco más famoso de Pink Floyd.Sin embargo éste suele gustar más por varias razones: es más sencillopero tampoco en exceso; aquí todos los componentes escriben canciones(aunque Waters compone tres en solitario y escribe las letras) mientrasque en "The Wall" es Waters el líder absoluto. Razones no faltan paraoír este soberbio disco, imprescindible para cualquier fan de PinkFloyd, y más allá, que se aprecie de gustarle la buena música.


1. Speak To Me / Breathe In The Air
2. On the Run
3. Time
4. Great Gig in the Sky, The
5. Money
6. Us and Them
7. Any Colour You Like
8. Brain Damage
9. Eclipse

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293. Stevie Wonder ? Innervisions (1973)



Fue el tercero de los cinco álbumes de su llamado período clásico,al lado de Music of My Mind, Talking Book, Fulfillingness' FirstFinale, y Songs in the Key of Life.
Los hits que surgieron de esta obra maestra fueron ?Higher Ground?y ?Living for The City?, además de ?Golden Lady? y ?Jesus Children OfAmérica?.
Fue lanzado en Agosto del año 1973 y se mantuvo en el rankingdurante 89 semanas. Musicalmente la filosofía basada en el amor sedesenvuelve en 9 hermosas canciones profundas y técnicamenteimpresionantes. Stevie tocó casi todos los instrumentos grabados perobásicamente la instrumentación utilizada en la grabación se centra enel órgano y su juego con sintetizadores. Con ?Innervisions? StevieWonder demuestra una vez más que es una de las fuerzas vitales de lamúsica contemporánea.
Innervisions recibió los premios Grammy al "Mejor Album del Año" ya la "Mejor Produccion No-Clásica" en 1974, mientras que a "Living forthe City" le fue otorgado el Grammy al Mejor Tema R&B. Innervisionsha sido considerado por numerosos fans, críticos y colegas como una delas mejores obras de Stevie Wonder, además de uno de los mejoresálbumes de la historia del Pop. En 2001, el canal norteamericano VH1designó el álbum como el "31-esimo" mejor álbum de todos los tiempos.En 2003 alcanzó el puesto 23 en el ranking de los mejores 500 álbumesde todos los tiempos elaborado por Rolling Stone.

1. Too High
2. Visions
3. Living For the City
4. Golden Lady
5. Higher Ground
6. Jesus Children of America
7. All in Love Is Fair
8. Don't You Worry About a Thing
9. He's Misstra Know-It-All

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294. ZZ Top ? Tres Hombres (1973)



"Tres hombres" que convirtieron en realidad su sueño de dedicarse ala música: Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) yFrank Beard (batería). Juntos formaron en Texas, EEUU, el grupo ZZ Top.Son famosos por su música pero también por su puesta en escena: Gibbonsy Hill siempre llevan gafas de sol y su características barbas largasson la imagen de marca de la banda desde la década de los 70. Una épocaen la que lograron un gran éxito comercial con discos como este con elque alcanzaron el Top Ten americano. Con la producción de Bill Ham, elálbum es una colección de auténtico Rock 'N Roll, ayudado de algunostemas Blues.
Tres Hombres es un álbum de ZZ Top que salió a la venta en 1973.Con este álbum, el grupo de Texas se popularizó, entrando en el top 10de Billboard. Fue ampliamente aclamado culminando con una larga gira deaño y medio a lo largo de todo Texas. En él está la ya clásica canción"La Grange", que cuenta la historia del burdel sobre el que trata elmusical "The Best Little Whorehouse in Texas". Impresionantes riffs quelos subieron al Olimpo de los dioses del rock. Clasicazo de los buenos.

1. Waitin' For the Bus
2. Jesus Just Left Chicago
3. Beer Drinkers & Hell Raisers
4. Master of Sparks
5. Hot, Blue and Righteous
6. Move Me on Down the Line
7. Precious and Grace
8. La Grange
9. Shiek
10. Have You Heard?

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295. Paul McCartney & Wings ? Band on the Run (1973)



El mejor disco de Paul McCartney en solitario, para la granmayoría, tras la separación de los Beatles. Casi siempre maltratado encomparación con Lennon al definir sus composiciones como materialligero sin profundidad, esa comparación está nada más lejos de larealidad, ¿qué mayor profundidad existe que escarbar con perspicacia enuno de los sentimientos motores de la actividad humana como es el amory sus conexiones emocionales?
Sus intachables melodías, ubicadas en multitud de formasmusicales (pop, rock, blues, country, folk, vodevil) ennoblecen lashabituales materias sentimentales que predominan en sus textos,imprescindibles para cualquier seguidor de la carrera de los Beatles yde MacCartney.
Alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos en tres ocasiones noconsecutivas, y fue certificado como triple disco de platino por lasventas. En el Reino Unido se mantuvo siete semanas en lo más alto delas listas, llegando incluso a ser el álbum británico con más ventas de1974. A comienzos de 1975, Band on the Run ganó el Grammy a la MejorInterpretación Vocal.

1. Band on the Run
2. Jet
3. Bluebird
4. Mrs. Vanderbilt
5. Let Me Roll It
6. Mamunia
7. No Words
8. Helen Wheels
9. Picasso's Last Words (Drink to Me)
10. Nineteen Hundred and Eighty Five

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296. Sensational Alex Harvey Band ? Next (1973)



Alex Harvey fue un músico escocés de rock and roll. Con su TheSensational Alex Harvey Band, construyó una fuerte reputación comoartista en vivo durante a era del Glam Rock en los años 70. La bandaera reconocida por su estilo sobresaliente y de sus actuacionesenérgicas en vivo y por la personalidad carismática de Harvey.
Siete obras maestras donde Harvey muestra su genio, el sencilloque da nombre al álbum, una extraña mezcla de glamrock y rockprogresivo con tango, extremadamente original, difícil de encontraralgo como esto, una verdadera joya para no perdérsela. Una selecciónperfecta para la próxima fiesta de honor, donde díscolos intelectualesse encuentren orando por el apocalipsis, con sonidos que a pesar de losaños suenan tan actuales como hace más de treinta años.

1. Swampsnake
2. Gang Bang
3. The Faith Healer
4. Giddy up a Ding Dong
5. Next
6. Vambo Marble Eye
7. The Last of the Teenage Idols


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297. Alice Cooper ? Billion Dollar Babies (1973)



Billion Dollar Babies fue el sexto álbum lanzado por la banda deRock Alice Cooper, en Marzo de 1973. Es considerado uno de los mejoresálbumes de Alice Cooper, y nos muestra al grupo en su mejor momentoartístico y comercial. Muchas de las canciones de este álbum aun hoy endía permanecen en el repertorio en vivo de Alice Cooper: en particular,I Love the Dead la cual usualmente se asocia con la "ejecución" deCooper, la canción que le da su titulo al disco Billion Dollar Babies,mientras Elected es usualmente reservada para el final del show.
Este sería la última verdadera obra maestra que nos brindaría elgrupo original de Alice Cooper. Billion Dollar Babies uno de losmejores álbumes de todos los tiempos.
Billion Dollar Babies llego a ser numero uno en las listas deálbumes. Se lanzaron cuatro sencillos de este album: Elected (la cualllego al numero 26); Hello, Hooray; No More Mr. Nice Guy (EUA #25); yBillion Dollar Babies.

1. Hello Hooray
2. Raped and Freezin'
3. Elected
4. Billion Dollar Babies
5. Unfinished Sweet
6. No More Mr. Nice Guy
7. Generation Landslide
8. Sick Things
9. Mary Ann
10. I Love the Dead

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298. Iggy & The Stooges ? Raw Power (1973)



El último trabajo de los Stooges en los setentas terminó de sentarlas bases del movimiento punk. Desde el track inicial queda clara lapremisa de Iggy and the Stooges: ?Search and Destroy? es la declaraciónde principios del punk. ?Soy el niño olvidado por el mundo?, ?tengo elcorazón lleno de napalm?, ?no tengo tiempo para pedir disculpas?; deahí en adelante Raw Power es un verdadero clásico de la furia y ladesesperanza, la odisea drogada y escandalosa que terminó de tirar lascenizas de los hippies por el inodoro para encaminar al rock a sudecadencia absoluta.
La banda de Detroit liderada por James Osterberg, alias Iggy Pop,jamás gozó de mucha popularidad. Sus canciones de dos acordes, susritmos básicos y sus letras groseras no encajaron en un mundo que pensóque se había salvado con la paz y el amor profesados en Woodstock. Trasunos años de conciertos en locales pequeños, haciendo algunascanciones, en 1969 los Stooges consiguieron el milagro de grabar unálbum, auto titulado, en el que proyectaron su mezquindad con títuloscomo ?quiero ser tu perro? y letras nada divertidas que losestablecieron como la escoria de la industria discográfica. Cuando elrock tendía a volverse sofisticado o experimental, los Stoogesvolvieron a las raíces, haciendo canciones de tres minutos, con corosgritones y estructuras simples, pero con un derroche de irreverenciamaterializado en sus distorsiones y la versatilidad vocal del cantantey un contenido más visceral y violento, tan políticamente incorrectocomo para merecer el repudio que pocos años antes era exclusivo de TheVelvet Underground.
Presentaciones caóticas, maquillaje de mujerzuela sudorosa,chaquetas de cuero y una actitud tan desparpajada que incluso losmotociclistas más piojosos los abucheaban, mantuvieron a estos vagos almargen de la radio y las groupies. Apenas una base de fanáticos de loque ahora llamamos ?rock de garaje? siguió la carrera del cuarteto.
Por eso, sólo hasta 1973 se repitió el milagro de grabar un álbum.Esta vez, las relaciones entre los integrantes no eran nada cordiales ynadie quería acercarse a estos vegetarianos adictos a la heroína. Elresultado fue uno de los trabajos más estridentes de la historia, peroa la vez una pieza visionaria y perfecta: esto no sólo es punk, tambiénmuestra las bases del heavy metal de los ochentas y define el rock queseguimos escuchando en los Strokes y demás clones.
Columbia,, creyó que podía sacar a los Stooges del caño con esteálbum, entonces llamó a David Bowie para que hiciera las mezclas y lodejara medianamente digerible. El fracaso comercial fue rotundo; peroRaw Power se conviritó en un tesoro olvidado: incluso bandas como GunsN? Roses y Red Hot Chili Peppers lo ubican entre sus influencias másclaras. Para cerrar, el recuento de las canciones de Raw Power esobligatorio: de la vehemencia de ?Search and Destroy? se pasa a la vozprofunda de ?Gimme Danger?, luego al ritmo que envidiarían incluso losRamones de ?Your Pretty Face is Going to Hell?. Los oídos descansan conel vibráfono de la vulgar ?Penetration?, que se complementa con ?RawPower?, la pieza que define el álbum y da paso al blues burlón de ?INeed Somebody?. El cierre se aproxima con el escandaloso twist de?Shake Appeal? y llega con ?Death Trip?. En menos de cuarenta minutosuno descubre por qué estos niños eran los rechazados del colegio y, lomejor, se identifica con ellos: treinta años después de este podercrudo, Iggy Pop dijo que, de no ser por el rock, hubiera asesinado asus compañeros de clase como los adolescentes de Columbine.

1. Search and Destroy
2. Gimme Danger
3. Your Pretty Face Is Going to Hell
4. Penetration
5. Raw Power
6. I Need Somebody
7. Shake Appeal
8. Death Trip

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299. Isley Brothers ? 3 + 3 (1973)



Una de las bandas esenciales de la historia de R&B. Nacidos en Ohio, el grupo ha sobrevivido a varias generaciones.
Uno de sus grandes trabajos es este "3+3", un título que hacereferencia al aumento de los integrantes que en esta época tiene elgrupo, ya que al cantante Ronald Isley y a sus hermanos O'Kelly yRudolph se añadieron su primo Chris Jasper y los hermanos pequeñosErnie y Marvin. Es decir, los Isley brothers dejaron de ser trio parapasar a ser sexteto.
El resultado fue un sonido nuevo aunque manteniendo la esencia delanterior; para muchos, es el mejor trabajo de los Isley Brothers, endonde fusionan elementos puros del Funk y el Soul con otros géneroscomo el Pop o incluso el Rock.
En "3+3" se incluye el éxito "That Lady" e incluso "If You WereThere", un tema que hicieron éxito Wham, años más tarde. Tambiénaparecen un par de curiosas versiones: "Listen To The Music" originalde los Doobie Brothers y este "Don't Let Me Be Lonely Tonight" de JamesTaylor...
Pocos artistas de cualquier género pueden rivalizar con el impactoque los Isley Brothers han tenido en la música contemporánea. The IsleyBrothers han sido la antorcha y el hilo conductor de una dinámicatradición soul que abarca el rhythm & blues, el gospel e incluso eljazz. "3 + 3", que alcanzó el Top 10 de pop. Certificado como disco deoro, fue el primero de sus discos en lograrlo.

1. That Lady
2. Don't Let Me Be Lonely Tonight
3. If You Were There
4. You Walk Your Way
5. Listen to the Music
6. What It Comes Down To
7. Sunshine (Go Away Today)
8. Summer Breeze
9. Highways of My Life, The
10. That Lady - (previously unreleased, live, bonus track)

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300. New York Dolls ? New York Dolls (1973)



Grupo de rock surgido a comienzos de los años 70, precursor deestilos venideros como el punk británico o el sleazy metal.Deprovocadora estética glam y agresiva actitud hard rockera, recogíaninfluencias de David Bowie, T. Rex, los Stooges o los Rolling Stones.
Se formaron en 1971 cuando el vocalista David Johansen, losguitarristas Johnny Thunders y Syl Sylvian, el bajista Arthur Kane y elbatería Billy Murcia unieron fuerzas para actuar con éxito endiferentes clubs de la ciudad de Nueva York. Tras sus primeros yexplosivos conciertos iniciaron una gira en Gran Bretaña, en la que seprodujo la fatal muerte del batería Murcia, quien falleció tras unasobredosis de estupefacientes. Fue reemplazado en las baquetas porJerry Nolan.
Extremando la imagen femenina del glam británico y acerando lasposturas más rockeras de formaciones como Stones o Stooges, los NewYork Dolls se convirtieron en un grupo singular dentro del panoramamusical norteamericano. A pesar de que las compañías musicales alprincipio se mostraban bastante reacias a firmar a la banda debido a suescaso atractivo comercial, en 1973 consiguieron concretar un contratocon la Mercury Records para grabar su primer y esencial LP homónimodominado por la autoridad compositiva de la pareja Johansen/Thunders ypor la producción de Todd Rundgren.
"New York Dolls" no consiguió triunfar en listas de ventas perocontenía toda la actitud proto-punk definitoria de muchos movimientossónicos posteriores en vibrantes temas como "Personality Crisis","Frankenstein", "Looking For a Kiss" o "Trash".
Los Dolls influenciaron una era completa de músicos y bandas comoHanoi Rocks, The Ramones, Mötley Crüe, Guns N' Roses, The Damned yMorrissey (de The Smiths, quien solía ser líder del club de fans de NewYork Dolls). También fuera una influencia masiva en varios miembros deSex Pistols, especialmente en el guitarrista Steve Jones, quien dijoque en retrospectiva, se sentía avergonzado de lo mucho que copió elestilo de Johnny Thunders y también el infame de GG Allin que fue tantasu influencia que iba travestido a sus clases cuando estudiaba . Elmanager de los Pistols, Malcolm McLaren, estuvo brevemente involucradocon los Dolls al final de sus carreras.
Un caso clásico del todo siendo mayor que la suma de sus partes,los Dolls fueron mucho más que una banda. Su devota audiencia originalse convierte en la placa de Petri de una escena; emularon a sus héroesy formaron grupos en su imagen.

1. Personality Crisis
2. Looking For a Kiss
3. Vietnamese Baby
4. Lonely Planet Boy
5. Frankenstein
6. Trash
7. Bad Girl
8. Subway Train
9. Pills
10. Private World
11. Jet Boy

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1001 discos que debes escuchar antes de morir(12ma)
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