1001 discos que debes escuchar antes de morir(10ma)

201. James Taylor ? Sweet Baby James (1970)



El más genuino representante de la hornada de cantautores deintrospectiva lírica, aguda sensibilidad, reposados ritmos deprocedencia acústica y templada vocalidad que surgieron en los años 70es James Taylor, un talentoso compositor cuyos temas empapados dereflexión personal y afectivas revisitaciones de canciones ajenas,cosecharían de forma regular un apreciable éxito comercial, con suoferta de piezas de enfoque adulto y basamento folk, country, blues,soul y soft-rock de sencillas estructuras y fácil asimilación.
James Taylor abandonó Apple y junto a él se fue Peter Asher, quienconfiaba totalmente en la lucidez compositiva de su artista.Posteriormente Asher también produciría a su hermana Kate, entre otrosmuchos artistas.
Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en estesello publicaron "Sweet Baby James" (1970), un disco en el cualcolaboró Carole King y que lo convertiría en estrella, gracias asingles como "Fire and rain", "Country road" o el homónimo "Sweet BabyJames", embebidos de tintes autobiográficos. El album llegaría alnúmero 1.
Aprovechando el éxito, se reeditó el sencillo "Carolina in my mind" y el EP publicado con The Flying Machine.
Su triunfo social fue enorme, apareciendo en la portada de larevista "Time" como abanderado del estilo de cantautor (entre los quese encontraba gente como Cat Stevens, Joni Mitchell, Carly Simon, LauraNyro o Carole King) y protagonizando como actor principal la películade Monte Hellman "Carretera asfaltada en dos direcciones" (1971),título en el cual aparecía también Dennis Wilson, el batería de losBeach Boys.


01. Sweet Baby James
02. Lo And Behold
03. Sunny Skies
04. Steamroller
05. Country Road
06. Oh Susannah
07. Fire And Rain
08. Blossom
09. Anywhere Like Heaven
10. Oh Baby Don't You Loose Your Lip On Me
11. Suite For 20 G

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202. Paul McCartney ? McCartney (1970)



"McCartney" es el primer álbum de la carrera en solitario de PaulMcCartney. Macca comenzó la grabación del disco a finales de 1969,inmerso en plena disolución de The Beatles y ultimando los últimosdetalles de la publicación de "Let It Be". Grabado entre su casa deLondres y los estudios Morgan y Abbey Road, en este disco Paul tocatodos los instrumentos (bajo, guitarras, batería, piano, melotrón,órgano y xilófono), y únicamente se acompaña de su entonces esposaLinda en los coros. Por aquellas fechas, Paul aún seguía luchando pormantener con vida a los Beatles, aunque John ya había iniciado unproyecto con su Plastic Ono Band y George y Ringo ya habían grabado susprimeros álbumes en solitario. Con la certeza de que aquella situaciónya no tendría más vuelta de hoja, en otoño de 1969 Paul se enfrascó enla vida familiar con Linda, su esposa, y Mary, su hija recién nacida,al tiempo que comenzaba a componer y grabar nuevos temas en su propioestudio portátil de cuatro pistas. Tan entusiasmado estaba con losresultados, que al poco tiempo ya tuvo listo un buen repertorio denuevos temas. El álbum estaba preparado para su edición en Marzo de1970. No obstante, debido a las cuestiones legales aún abiertas con elgrupo, no pudo ser lanzado hasta casi un mes y medio después. El 10 deAbril de 1969 Paul anuncia la disolución de The Beatles. Una semanadespués, "McCartney" era publicado en todo el mundo junto a una nota deprensa en la que manifestaba sus impresiones sobre la desaparición delcuarteto y hablaba sobre su futuro más próximo.
El álbum alcanzó el primer puesto en las listas americanas,manteniéndose en lo más alto durante tres semanas y consiguiendo dosdiscos de platino. En el Reino Unido el disco se vio eclipsado por ellanzamiento de "Bridge Over Troubled Waters", de Simon & Garfunkel,que ostentó el número 1 durante cuarenta y una semanas no consecutivas.Aún así, "McCartney" estuvo tres semanas en el segundo puesto.
El contenido es de lo más variopinto, empezando por una intro delo más ñoño titulada "The Lovely Linda" (La-la-la-la-la... the lovelyLinda). "That Would Be Something" representa una vuelta a las raícesdel Rock & Roll que inspiraron a un jovencísimo Paul allá por losaños 50, raíces que quedan reflejadas en la grandísima "Valentine Day",donde alterna buenos acordes blueseros con una suave batería deacompañamiento. No es el único tema instrumental que incluye el álbum,que alterna maravillosas melodías con excelentes interpretacionesvocales. El primer clásico vocal que encontramos es "Every Night", quedurante buena parte de su carrera se convirtió en tema fijo delrepertorio de directo de Macca. "Hot As Sun" es una de las primerascomposiciones de Paul con The Quarrymen (pre-Beatles), allá por 1959.Ensambla esta pegadiza instrumental con un psicodélico fragmentotitulado "Glasses". La dulce "Junk", compuesta en 1968 durante laestancia de The Beatles en India, ya fue descartada del "Álbum Blanco"y de "Abbey Road", por lo que éste era su momento de ver la luz. Habéispodido escucharla en el tercer volumen de la serie "Anthology". Elsonido y la esencia beatle son perfectamente reconocibles en lainfantil "Man We Was Lonely", con Linda a los coros. "Oo You" muyposiblemente sea una de las mejores canciones del álbum, un rock'n'rollde esos que a veces Sir Paul saca de la chistera, con unas guitarrasrasgadas con maestría. "Momma Miss America" es otra instrumental,aunque en este caso bastante más elaborada que las anteriores. Una baserítmica de batería sustenta la melodía creada por el piano y guitarraprincipales, creando un conjunto musical muy emocionante. El tema fueincluido en la banda sonora del peliculón "Jerry Maguire" de CameronCrowe. Como si el álbum estuviera grabado sobre un guiónpreestablecido, a continuación toca un tema bastante tonto como "TeddyBoy", también compuesto en la India en 1968; otro descarte de lassesiones del "White Album" y que también salió en su versión demo en el"Anthology". "Singalong Junk" no es otra que la versión instrumental de"Junk", y también se incluyó en "Jerry Maguire". Preciosa melodíacreada a partir de un piano y una guitarra acústica que acompañaba a laperfección la escena en la que Jerry (Tom Cruise) se despide de Dorothy(Reneé Zellweger) en el portal de la casa de ésta. Y, señores, quítenseel sombrero, porque a continuación viene la mejor canción jamás escritapor Paul en toda su carrera solista: "Maybe I'm Amazed". Escondida trassu apariencia de balada, tiene el mismo puntito punk que "Oh, Darling",incluída en "Abbey Road". Fue incluída entre las 500 Mejores Cancionesde la Historia por la publicación Rolling Stone. "Kreen-Akrore" cierrael álbum con un collage de sonidos y ritmos.


01. The Lovely Linda
02. That Would Be Something
03. Valentine Day
04. Every Night
05. Hot as Sun/Glasses
06. Junk
07. Man We Was Lonely
08. Oo You
09. Momma Miss America
10. Teddy Boy
11. Singalong Junk
12. Maybe I'm Amazed
13. Kreen-Akrore

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203. Santana ? Abraxas (1970)



Un año después de aparecer en el Festival de Woodstock de 1969, elguitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en SanFrancisco en la segunda mitad de los ?60, sorprenden al mundo con unsensacional disco, la obra maestra de Carlos Santana y apenas susegundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahíestá, muy presente, la huella de Miles Davis) y ritmos afro antillanos.La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbrediscográfica de los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si?Santana?, el larga duración anterior, contenía tres futuros temasclásicos (?Souls Sacrifice?, ?Evil Ways? y ?Jingo?), este opus número 2ofrecía exactamente lo mismo con ?Black Magic Woman? (composición dePeter Green, líder del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba granrock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda?Gypsy Queen?, ?Oye cómo va? (original del enorme timbalista TitoPuente) y ?Samba pa ti? ( una de las piezas más bellas jamás escritaspor Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en lacalidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas.Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandes rasgos jazzísticos,como ?Incident at Neshabur? o ?Singing Winds, Crying Beasts?, no dejanlugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera ?Hope You?reFelling Better?. Por supuesto que más allá del alto nivel de losdiversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, suslicks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, perosobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquíinterpreta.
Con "Abraxas", Santana obtuvo el primer puesto en las listasamericanas durante seis semanas consecutivas y consiguió vender más deun millón de copias; algo extraño por entonces en un trabajodiscográfico fundamentalmente instrumental. En definitiva, un excelentedisco que no pasará de moda.


1. Singing Winds, Crying Beasts
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye Como Va
4. Incident at Neshabur
5. Se A Cabo
6. Mother's Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You're Feeling Better
9. El Nicoya
10. Se A Cabo (1998 Edition)
11. Toussaint L'Ouverture (1998 Edition)
12. Black Magic Woman/Gypsy Queen (1998 Edition)

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204. Syd Barrett ? Madcap Laughs (1970)



Roger Keith Barrett fue el gran baluarte del éxito inicial de losPink Floyd y uno de los pioneros en el sonido de la psicodeliabritánica. Syd (nacido el 6 de enero de 1946 en Cambridge) sufrió comonadie los efectos de las drogas alucinógenas tan de moda a finales delos años 60, el consumo abusivo privó a la música de un compositorgenial y arriesgado que tras comenzar en grupos como Geoff Mutt and theMottoes y The Hollering Blues pasó a ser el lider absoluto de PinkFloyd, artífice principal de su primer disco psicodélico-surreal "Thepiper at the gates of dawn" (1967)
The Madcap Laughs es el primer álbum como solista de Syd Barrettdespués de abandonar Pink Floyd. Producido por Roger Waters, DavidGilmour, Malcolm Jones y Peter Jenner, grabado en 1969 y editado enenero de 1970. La mayoría de sus canciones reflejan el estado mental deBarrett en ese tiempo. Fue un álbum con sesiones difíciles, ya que alser una persona inestable los músicos difícilmente podían acompañarloen cuanto a métrica y ejecución de sus piezas.
Es un disco distinto a lo que cualquier otro artista de la épocahubiera hecho: caótico, depresivo, incoherente, psicodelico, brillante,carente de mayores arreglos. Gilmour tuvo la idea de publicar los temasen bruto, por ello en la mayoría de las canciones se escucha tan solola voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajocanciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" (el mejor tema delLp para muchos), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel"(mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su vozdesentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Sus letrasexploran distintas atmósferas, consiguiendo en cada canción un mundo.Muchos artistas fueron influenciados por esta obra, algunos de ellosson John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Damon Albarn (Blur), DavidBowie.

1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love You
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair (Barrett/Joyce)
9. Long Gone
10. She Took a Long Cold Look
11. Feel
12. If it's In You
13. Late Night

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205. Jethro Tull ? Aqualung (1971)



Uno de los disco más populares y conseguidos del grupo británicoliderado por el cantante, guitarrista y flautista Ian Anderson, JethroTull, quienes desarrollan una amalgama de rock, folk y blues conretazos progresivos para conformar un Lp de poso conceptual,acometiendo temas como la transgresión institucional del verdaderomensaje del cristianismo y de la ejecución del mismo en un sistemacorruptamente organizado, o el desarrollo de historias de notableimaginería y condición crítica en su miramiento social.
"Aqualung" se inicia con el tema homónimo, uno de los mejorescortes del álbum, significado por el riff legendario de Martin Barre,desplegando en su conjunto un esmerado trabajo melódico y un grantrabajo vocal de Anderson, pasando de registros de aviesa apostura atonadas de dulce vocalidad y elaborando piezas de variado disfrute,desde exiguas y exquisitas canciones acústicas como "Cheap Day Return","Wondering Aloud" o "Slipstream" a temas extensos de diferentes ritmosy texturas como "My God" o el citado "Aqualung" y cortes de diáfanocimiento rock como la magnífica "Cross-Eyed Mary" o folkies como"Mother Goose", todo ello sin practicamente decaer en su calidadcompositiva, que mixtura notablemente los sonidos acústicos con loseléctricos, sabiendo como ensanchar o acentuar los momentos másemocionales de un Lp imprescindible para los amantes del rockprogresivo.

01 Aqualung
02 Cross-Eyed Mary
03 Cheap Day Return
04 Mother Goose
05 Wond'ring Aloud
06 Up to Me
07 My God
08 Hymn 43
09 Slipstream
10 Locomotive Breath
11 Wind Up
12 Lick Your Fingers Clean
13 Wind Up Quad Version
14 Excerpts from the Ian Anderson Interview / John Bungey
15 Songs for Jeffrey
16 Fat Man
17 Bouree


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206. David Crosby ? If Only I Could Remember My Name (1971)



David Crosby inicia en los años 60 su andadura musical fundando thrByrds, grupo esencial en la música pop americana. Despues con Nash ySitlls formará Crosby, Stills and Nash, grupo al que después sereincorpora Neil Young. Colaborador de lujo por sus armonías vocales demúltiples artistas, continua actualmente grabando y es consideradoartista de culto. David
Esta grabación es de las que te atrapa, de ésas que cuanto máslas escuchas más se convierten en parte de tí. Sumergido en la másauténtica tradición folk-rock americana, el señor Crosby nos lleva dela mano a través de un viaje flipante por el arte de componer música,donde cada engranaje de la máquina funciona a la perfección, todo enbeneficio del oyente, para su disfrute, porque aquí no se atisba ni unátomo de autocomplacencia, sólo la más completa entrega.
Con su increíble facilidad para escribir canciones redondas, y susentido de la melodía realmente envidiable.La dosis perfecta detalento, inspiración, improvisación y generosidad, en medio de unaépoca dorada para discos así.

1.   Music Is Love
2.   Cowboy Movie
3.   Tamalpais High
4.   Laughing
5.   What Are Their Names
6.   Traction in the Rain
7.   Song With No Words
8.   Orleans
9.   I'd Swear There Was Somebody Here

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207. Sly & The Family Stone ? There?s a Riot Goin? On (1971)



La fiesta se había terminado y el sueño se había roto. Y algodentro de Sylvester Stewart, alias Sly Stone, también. La esperanza deintegración racial que representaba la Family Stone, la festivavitalidad que transmitían sus maravillosos y rompedores discos, dondeel funk, el soul, el rock se hermanaban (como los músicos sin importarel color de su piel, masculinos y femeninos de su formación) sincomplejos y valientemente, para llevar a todos estos géneros haciadelante. Sly era un innovador que te lo hacía pasar bien con susexperimentos, que te empujaba a la pista de baile. Pero tal vez élmismo se lo había pasado demasiado bien y llegaba el momento de sufrir.Demasiada droga, por si alguien no está entendiendo todo esto.
"There´s A Riot Goin´ On" se convirtió en otra obra maestra, quizála mayor. Pero su nacimiento fue terriblemente accidentado: toda labanda estaba destrozada por los excesos y por las desavenenciasinternas, el disco fue grabado de un modo caótico, con gente entrando ysaliendo de un estudio que era una fiesta de color blanco: las cintasque se perdían y nadie sabía dónde estaban. Esto llevó a Sly a grabarél mismo mucho del material. Ejerciendo su faceta demultiinstrumentista, y también introduciendo una extraña mezcla depercusión orgánica y las primeras cajas de ritmos en el mercado, lo queotorga al disco una fascinante y bizarra sonoridad.
Para comprender la diferencia entre este disco y sus precedentesbasta comparar la versión incluida de "Thank You", en este caso unamezcla oscura, obsesiva, con un bajo que agobia en vez de incitar abailar, y compararla con el exultante single que se había publicadoantes. Y ese es el tono generalizado en el disco. Una obra en la que lajams instrumentales se dejan ir, pero sobre todo se arrastran, como lavoz de Sly, que suena dolida, confusa y desesperada. En las letras semezclan el desquiciado estado mental de Sly (Runnin´Away relata de unmodo festivo su adicción a la coca, en un ejercicio de ironíadevastador) con comentarios políticos que están lejos del optimismo(Thank You For For Talkin´ To Me Africa). Y aún así resulta una obrapoliédrica, repleta de genialidades. Sly siempre se había autoproducido, y de este modo se dio una libertad absoluta para hacer loque le vino en gana, para expresarse, ya que como afirma en "Poet" "miúnica arma es mi pluma, soy un escritor de canciones, soy unpoeta".Hacer este disco era su única salida del pozo. Y paraconseguirlo siguió utilizando las voces, las percusiones, los vientos,los bajos y los teclados de un modo diferente a todos los demás. Sóloque esta vez las baladas sonaban dolidas (Time), y los tiempos rápidostambién (Family Affair), si no resultaban completamente desquiciados(Spaced Cowboy)
Siempre se ha dicho que Sly fue uno de los mayores innovadores dela música afroamericana. Tal vez nunca más que en esta ocasión: elprimer disco de música de baile que expresa el dolor y no la alegría devivir.

1.Luv N' Haight
2.Just Like a Baby
3.Poet
4.Family Affair
5.Africa Talks to You ' the Asphalt Jungle'
6.There's a Riot Goin' On
7.Brave & Strong
8.(You Caught Me) Smilin'
9.Time
10.Spaced Cowboy
11.Runnin' Away
12.Thank You For Talkin' to Me Africa
13.Runnin' Away
14.My Gorilla Is My Butle
15.Do You Know What?
16.That's Pretty Clean

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208. Marvin Gaye ? What?s Going On (1971)



Un álbum fundamental para entender la música y que además estáconsiderado por la crítica como uno de los mejores que se han grabadojamás. What's Going On es un álbum grabado por cantante de soulnorteamericano Marvin Gaye. Lanzado el 21 de mayo de 1971 What's GoingOn significó el inicio de una nueva tendencia en la música soul. Conletras intimistas acerca del abuso de drogas, la pobreza y la guerra deVietnam, el álbum fue una sensación inmediata y ha permanecido como unclásico del soul. Constantemente es nombrado en encuestas como una delas grabaciones fundamentales en la historia de la música pop y esconsiderado una de los más grandes grabaciones de todos los tiempos.Por ejemplo ocupó el sexto lugar en la lista de Rolling Stone de los500 mejores álbumes de todos los tiempos y en 1999 una encuesta decríticos conducida por el diario británico Guardian/Observer lo nombrócomo "El más grande álbum del siglo XX".
El productor fue el propio Marvin Gaye. What's Going On es unaálbum concepto que consiste de nueve canciones (todas las cualesexcepto la primera están ligadas) vistas desde el punto de vista de unveterano de la guerra de Vietnam que regresa a Estados Unidos, el paíspor el cual ha estado peleando y no ve más que injusticia, sufrimientoy odio. Gaye parece haberse inspirado en la experiancia de su hermanoque pasó tres años en el ejército durante la guerra de Vietnam.

1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love (Album Version)
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Single Version)
11. Sad Tomorrows

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209. Yes ? Yes Album (1971)



Yes fue una de la bandas más importantes de rock progresivo surgidoen la Gran Bretaña de finales de los años 60. Su capacidad virtuosa ysu temática con trazos mítico-místicos ayudaron a fundamentar varias delas bases del mejor sonido progresivo. Comenzaron su andadura en 1968,año en el que actuaron de teloneros en la gira de despedida del míticotrío Cream. Sucesivas actuaciones en diferentes clubs británicoslograron que Atlantic se fijara en ellos para editarles sus primerasgrabaciones.
El título es de lo menos original que pueda tener un disco, perola música que contiene es maravillosa. Acá están los primeros éxitos dela más exitosa de las bandas progresivas: Yours Is No Disgrace, YourMove, I've Seen All Good People, todas con un trabajo de vocesimpresionante, con Jon Anderson a la cabeza, y el bajista Chris Squire,que es un superdotado tanto en las 4 cuerdas como en su garganta...juntos fueron los creadores de ciertas armonías vocales que son marcaregistrada de Yes. La formación la completaban Tony Kaye(posteriormente reemplazado por Rick Wakeman) y el maestro de maestrosBill Bruford (también integrante de King Crimson y Genesis), unaeminencia de la batería y la percusión en general. Párrafo aparte parala increible The Clap (en vivo), que es una interpretación de guitarraacústica que demuestra porque Steve Howe tiene tanto peso en lahistoria de las 6 cuerdas. Yes logra en este disco definir su estiloque... si, probablemente, lo desarrollen mejor en álbumes posteriorescomo "Fragile" y "Close To The Edge", pero este es en mi opinion el másaccesible.
Convengamos que el Rock Progresivo, se excedió demasiado encomplejidad y terminó quedando como un recuerdo lindo de una época enla que esta música, super compleja, llenaba estadios.

01. Yours Is No Disgrace
02. Clap
03. Starship Trooper
04. I've Seen All Good People
05. A Venture
06. Perpetual Change

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210. Bee Gees ? Trafalgar (1971)



Coronados comercialmente en la fiebre discotequera de la década delos 70, los Bee Gees habían mostrado mucho antes un extraordinariotalento para la creación pop, a veces barroca, otras psicodélica,siempre melódica, en canciones ensalzadas por sus armonías a tres vocesy una elevada sensibibilidad en el concepto compositivo. Este talentoles permitió con el paso de las décadas redifinir sus sonidos,aclimatarse a diferentes estilos y alcanzar un espectacular éxito anivel mundial, que convirtió al terceto en toda una institución dentrode la música popular. Trafalgar es el séptimo álbum de estudio de TheBee Gees, lanzado en septiembre de 1971. El álbum fue relativamente unhit en los Estados Unidos al alcanzar la posición #34. El singleprincipal "How Can You Mend a Broken Heart?" fue el primero en alcanzarla posición #1 en las listas del país americano.

01. How Can You Mend A Broken Heart
02. Israël
03. The Greatest Man In The World
04. It's Just The Way
05. Remembering
06. Somebody Stop The Music
07. Trafalgar
08. Don't Wanna Live Inside Myself
09. When Do I
10. Dearest
11. Lion In Winter
12. Walking Back To Waterloo

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211. The Who ? Who?s Next (1971)



Monumental obra del cuarteto británico The Who, que tras abandonarun brillante ciclo de lucidez artística durante los años 60 se abríapaso en el siguiente decenio con este apabullante álbum de naturalezaagridulce, irónica y combativa, tonalidades creadas por Pete Townshendy enfatizadas por la agresiva vocalidad de Roger Daltrey, la fibrosaguitarra de su citado autor principal, y la impetuosa sección rítmicade John Entwistle y Keith Moon.



El disco, que estaba proyectado en principio como una ópera-rockdenominada "Lifehouse", muestra la capacidad imaginativa de PeteTownshend en la construcción piezas de rock clásico, con un espléndidoy novedoso empleo de sintetizadores que acentúan la fortalezainstrumental de la banda en uno de sus momentos más álgidos.
Desde el himno "Baba O'Riley", pieza dedicada al mentorespiritual de Pete Townshend que expone a la perfección el esquemamusical de los Who en este album, con ese hipnótico sintetizadorhoradando una canción concluida por el violín de Dave Arbus, hasta elorgiástico final de "Won't get fooled again", canción de incisivocomentario político, el álbum es un tratado magistral de inmortal rockcon variada expresión emocional y arrebatante disposición sonora.
En medio de estos dos cortes hallamos clásicos temas de aguerridatextura como "Bargain", calmadas piezas de sentida ejecución como "Songis over" y "Getting in tune" (ambas con el piano del omnipresentemúsico de sesión Nicky Hopkins), poderío acústico en "Love ain't forkeeping" o "Goin' mobile", la bellísima y triste balada "Behind blueeyes", pieza con guitarra acústica y armonías vocales que alcanza unacerado clímax eléctrico antes de templar de nuevo su tempo y retomarlas pautas sónicas iniciales, o la gloriosa composición del bajistaEntwistle "My wife", todo un miramiento sarcástico a las infidelidadesmatrimoniales.
Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, Who's Nextfue nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos porla cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto #13, y por larevista musical Rolling Stone, alcanzando la posición #28. Tras supublicación, fue considerado como el mejor álbum del año por lasencuestas Pazz & Jop de The Village Voice.
El álbum aparece en el puesto 15 de la lista de los 100 mejoresálbumes de los años 70, elaborada por Pitchfork Media. En 2006, Who'sNext fue elegido por la revista TIME como uno de los cien mejoresálbumes de todos los tiempos.

1.   Baba O'Riley
2.   Bargain
3.   Love Ain't for Keeping
4.   My Wife (Entwistle)
5.   The Song Is Over
6.   Getting in Tune
7.   Going Mobile
8.   Behind Blue Eyes
9.   Won't Get Fooled Again
10.   Pure and Easy
11.   Baby Don't You Do It (Holland-Dozier-Holland)
12.   Naked Eye
13.   Water
14.   Too Much of Anything
15.   I Don't Even Know Myself
16.   Behind Blue Eyes

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212. Carole King ? Tapestry (1971)



"Tapestry" es sin duda la obra maestra de Carole King: 4 premiosgrammy y 15 semanas en el número uno lo avalan. Dominado por la calidezde su piano, "Tapestry" pasará a la historia por ser uno de las mejorescreaciones femeninas de la música moderna. La protagonista no podía serotra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputadostemas pop en los años 60 como "The locomotion" o "Chains", por decir unpar de ellos.
Su trasvase de compositora a cantautora se realizó en los 70 yeste trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución yescritura.
Desde la rítmica "I feel the earth move" hasta la soulera "(Youmake me feel like) A natural woman", canción que Carole había escritopara Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos yun recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.
Las extraordinarias "So far away", "It's too late", "Beatiful" olas nuevas versiones de sus temas "You've got a friend", que habíacompuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con suguitarra acústica), "Will you love me tomorrow", presentado en formatobalada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada"(You make me feel like) a natural woman", producidas por Lou Adler, elartífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzieo Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantesde las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradasdesde un maduro punto de vista.

01 I Feel The Earth Move
02 So Far Away
03 It's Too Late
04 Home Again
05 Beautiful
06 Way Over Yonder
07 You've Got A Friend
08 Where You Lead
09 Will You Love Me Tomorrow?
10 Smackwater Jack
11 Tapestry
12 (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13 Out In The Cold
14 Smackwater Jack [live]

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213. Isaac Hayes ? Shaft: Music from the Soundtrack (1971)



Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 - Memphis,Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor yproductor estadounidense.

Su voz clara y potente le hizo catalizador de la explosión Stax enlos 60; autor de himnos como Soul Man , inventor del soul sinfónico conHot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Oscar ala mejor banda sonora por la película Shaft (1971), que inauguraba elsubgénero de la Blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, yuno de los primeros en adentrarse en el mundo del rap.Isaac Hayesparticipó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto demúsica de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época,concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972.
Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de lamúsica soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquellaépoca como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado comoel Woodstock de los afroamericanos.
Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft yla ovación fue grande.El orgullo de ser negro ; aquello significó muchoporque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Erantiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo quehabía pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por losderechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir yluchaba por su reivindicación.

1. Shaft
2. Bumpy's Lament
3. Walk From Regio's
4. Ellie's Love Theme
5. Shaft's Cab Ride
6. Cafe Regio's
7. Early Sunday Morning
8. Be Yourself
9. Friend's Place
10. Soulsville
11. No Name Bar
12. Bumpy's Blues
13. Shaft Strikes Again
14. Do Your Thing
15. End Theme

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214. Allman Brothers ? At Fillmore East (1971)



Legendaria formación estadounidense de los años 70, epítome delrock sureño por su apasionante mezcolanza de estilos anclados en lasraíces de la música americana. Rock, blues, soul y countrypredominantemente pero sin dejar de lado otros sonidos como el jazz, elgospel o la música clásica, son la base de esta esencial banda, cuyamayor característica son sus arrebatadoras y nada autocomplacientesjams en directo. En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de suscimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York "AtThe Fillmore East" (1971).
Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadasjams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock conquerencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o"Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como unade las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logróunos estupendos resultados comerciales. At Fillmore East es sin dudasuno de los mejores discos en vivo de la historia del rock
Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanasdespués de la publicación de "At the Filmore East", Duane Allman uno delos mejores guitarristas de la historia ,fallecía a causa de unaccidente de moto el 29 de octubre de 1971.

Disc one
1.Statesboro Blues
2.Trouble No More
3.Don't Keep Me Wonderin'
4.Done Somebody Wrong
5.Stormy Monday
6.One Way Out
7.In Memory of Elizabeth Reed
8.You Don't Love Me
9.Midnight Rider

Disc two
1.Hot 'Lanta
2.Whipping Post
3.Mountain Jam
4.Drunken Hearted Boy

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215. Rolling Stones ? Sticky Fingers (1971)



Sensacional álbum de sus majestades stonianas con portada del artista neoyorquino Andy Warhol.
Es un disco esencial de rock con trazos blues y country revistiendomaterias alucinógenas y avidez sexual con cimbreantes ritmos denaturaleza negra.
"Sticky Fingers" es un impresionante viaje sonoro que nos machacacon apabullantes riffs eléctricos, apasionadas travesías acústicas,extraordinarias baladas emocionales y alguna pieza de ejecuciónnarcótica. La interactuación instrumental es magnífica entre unosexcelentes músicos a los que se les une el saxo de Bobby Keyes, lospianos de Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins, laguitarra de Ry Cooder, las cuerdas de Paul Buckmaster o la percusióndel mismísimo productor, Jimmy Miller.
El álbum es una obra maestra de principio a fin, con piezasindelebles como "Brown Sugar", "Sway", "Sister Morphine" (compuestajunto a Marianne Faithfull), "Wild Horses", "Bitch", "Dead Flowers" o"Can't you hear me knocking"... pasajes clásicos de una banda inmortal.
Debutó en el número 1 de las listas de los álbumes más vendidos deBillboard y se convirtió posteriormente en una gran éxito comercial. Eldisco recibió muy buenas críticas, llegando a ser considerado por lacrítica musical como uno de los mejores materiales de la banda.


1. Brown Sugar
2. Sway
3. Wild Horses
4. Can't You Hear Me Knocking
5. You Gotta Move
6. Bitch
7. I Got The Blues
8. Sister Morphine
9. Dead Flowers
10. Moonlight Mile

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216. John Lennon ? Imagine (1971)



Con "Imagine" John Lennon obtuvo el mayor éxito crítico y comercialde su andadura en solitario. Lo cierto es que si juntamos este disco y"Plastic Ono Band" obtendremos lo mejor del repertorio del genio deLiverpool en su etapa post-Beatle.
Lennon siempre fue un gran admirador del legendario productor ycompositor Phil Spector y de nuevo, tras haber colaborado con él en"Plastic Ono Band" volvió a solicitar sus servicios para la producciónde "Imagine".
La inmortal obra maestra que titula el álbum representaclaramente en su brillante texto el idealismo de su autor, la deliciosa"Crippled inside" flirtea con el music-hall, "Jealous Guy" (que John enun principio había escrito para el álbum blanco de los Beatles), "Oh mylove" y "How?" son impresionantes baladas de base pianística quejustifican su supremacía en ese campo (sólo comparable a la de sucolega Paul McCartney); su sentimiento rockero aflora en las excelentes"It's so hard", "Give me some truth" y en la hipnótica "I don't want tobe a soldier".
Paul McCartney es objeto de un severo ataque en "How do yousleep?", tema que pone de manifiesto la poca cordial relación existenteentre ambos por aquella época, y para despedir el disco Lennon escogeun sensacional corte donde una vez más rinde su perpetuo homenaje a suesposa, "Oh Yoko".
Indispensable álbum para entender la carrera en solitario de unhombre irrepetible. En sus créditos aparecen nombres com Klaus Voorman,Nicky Hopkins, Alan White o George Harrison, entre otros.
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenasreseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivelglobal y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine"alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en lasbritánicas tras la muerte de Lennon. En 2000, Yoko Ono supervisaría laremezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD. En 2003,la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It's So Hard
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama
6. Give Me Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!

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217. The Beach Boys ? Surf?s Up (1971)



Con Brian Wilson a la cabeza, uno de los grandes genios de lacomposición y producción del siglo XX, los Beach Boys se convirtieronen la formación pop más importante de los EEUU y en uno de losconjuntos más influyentes, innovadores y admirados de la historia de lamúsica moderna gracias a sus maravillosas y embelesadoras melodías yarmonías. En un período de su carrera en el que Brian Wilson porproblemas físicos y sobre todo psíquicos, achacables a su adicción alas drogas, había delegado el liderazgo creativo en el resto de suscompañeros , los Beach Boys no se resintieron en absoluto de estacircunstancia y continuaron editando notables álbumes plagados desensacionales y placenteros momentos.
Es el caso de este trabajo de engañoso título, que nos abre suspuertas con la sublime delicadeza de la encantadora "Don't Go Near theWater", firmada por Mike Love y Al Jardine. Jardine también participaen otros dos temas de características totalmente opuestas, como ladesenfadada "Take a load off your feet", y el estupendo corte de rasgosmenos jubilosos titulado "Looking at tomorrow".
Bruce Johnston toma las riendas en la melosa "Disney girls",mientras que Carl Wilson saca a relucir lo mejor de sí mismo en glorias(compuestas junto a Jack Rieley) que bien podrían llevar la rúbrica desu hermano mayor como "Long promised road" y "Feel Flows" (uno de losmomentos cumbres del disco).
Incluso en "Student demonstration time" (un remiendo de un viejotema de los compositores Leiber/Stoller titulado "Riot in the cellblock number nine" al que Mike añadió nuevo texto) se atreven y conexcelentes resultados con el blues, un estilo alejado de los cimientosmusicales de los míticos chicos playeros.
La recta final del álbum es cosa de Brian Wilson, quien vuelve ademostrar por qué es uno de los más grandes genios de la música modernaal brindarnos tres insuperables dosis de inspiración iniciadas con "Aday in the life of a tree", una canción dotada de una atmósfera oscuray tétrica de escaso acompañamiento musical, todo lo contrario que "TillI die", maravilla donde vuelven a hacer virguerías con su dotadas eimitadas voces.
La canción homónima del LP, recuperada de sus grabaciones de"Smile", es la guinda perfecta de este apetitoso pastel sónico quequerrás degustar una y otra vez.

01 - Don't go near the water
02 - Long promised road
03 - Take A Load Off Your Feet
04 - Disney Girls (1957)
05 - Student demonstration time
06 - Feel flows
07 - Lookin' at tomorrow (a welfare song)
08 - A day in the life of a tree
09 - 'Til I die
10 - Surf's up

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218. Yes ? Fragile (1971)



Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivoYes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fuelanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Estefue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento dela banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos ladosdel Atlántico.
Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971.Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovecharel aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.
A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum poneen primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista."Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo deRick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que elvocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnicaque después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow);por otro lado, "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" y "Mood For ADay" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe,respectivamente. El resto de las canciones contienen la participaciónde todo el grupo.

1. Roundabout
2. Cans And Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side Of The Sky
5. Five Per Cent For Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Schindleria Praematurus)
8. Mood For A Day
9. Heart Of The Sunrise

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219. Doors ? LA Woman (1971)



L.A. Woman es la última pieza de la discografía de The Doors en lacual participa Jim Morrison, quien supuestamente moriría en París tresmeses después de la grabación. Después de este disco habrían algunosintentos de los demás integrantes por continuar con la banda (grabandomúsica encima de unas cintas de poemas recitados por Morrison).Obviamente que también salieron al mercado todo tipo de recopilaciones,ediciones de recitales y demás.
La grabación de L.A. Woman fue bastante complicada. El nerviosismode Jim, sumado al descontento y abandono de la producción por parte dePaul A. Rothchild (productor de todos sus discos anteriores) provocaronque las canciones tuvieran que ser registradas en una especie deestudio improvisado en el lugar donde ensayaba la banda. Este álbum sealeja mucho del estilo que venían haciendo y se vuelca en el blues yrhythm & blues. La idea que tenían por ese entonces era volver aesas raíces musicales.
A pesar del abrupto cambio, este trabajo tuvo muchísimo éxito(muchos lo consideran el mejor en toda su carrera). Como temas másrepresentativos pueden citarse Love Her Madly, L.A. Woman y Riders OnThe Storm.

1 - The Changeling
2 - Love Her Madly
3 - Been Down So Long
4 - Cars Hiss By My Window
5 - L.A. Woman
6 - L'America
7- Hyacinth House
8 - Crawling King Snake
9 - The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)
10 - Riders On The Storm

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220. Can ? Tago Mago (1971)



Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana delmovimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbumdoble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentementeconsiderado su álbum más importante, ya que es su álbum másexperimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye trackscomo "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupatoda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde dondeel vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene convocalista, y el primero que lo tiene como el único) es granprotagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos(que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en larepetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se haconvertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y harecibido muy buenas críticas. No es un clásico porque es y fuetotalmente anacrónico, ajeno e imbuido al mismo tiempo del espíritu delos adorados 60s. Y finalmente, no es un clásico porque, al sertotalmente anacrónico, no le ha quedado otra que ser eternamenteactual. Hoy yo puedo hablar de él como de un disco que apenas salióayer en los listados de cualquier pagina web especializada en buenamúsica. Quizás Can haya creado con este disco lo más parecido a unanti-clásico. "Tago Mago" no es una influencia y a veces ni siquiera esun disco; es una variación compositiva que debe implicar de por sí otracreación bajo otros nombre de grupo o artista.

1.   Paperhouse
2.   Mushroom
3.   Oh Yeah
4.   Halleluwah
5.   Aumgn
6.   Peking O
7.   Bring Me Coffee Or Tea

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221. Elton John ? Madman Across the Water (1971)



Sin duda alguna, uno de los artistas de pop-rock de más éxito delas últimas tres décadas es Reginal Kenneth Dwight, alias Elton John-por sus colegas de Bluesology Elton Dean y John Baldry- (nacido el 25de marzo de 1947 en Middlesex), un músico de mucho talento (comenzó atocar desde muy niño el piano) y con gran capacidad de versatilidad queinició su carrera como componente de Bluesology a principios de losaños 60, grupo de acompañamiento de estrellas de la época como DorisTroy.
Madman Across the Water, cuarto álbum de Elton John, una joya delaño 1971, Incluye el hit "Tiny Dancer" (que Cameron Crowe rescató paraCasi Famosos) y ocho temas más, todos impecables. Desbordantes debelleza en las melodías y bien cantadas por Elton.
Lo acompañan aquí algunos de sus músicos habituales (Nigel Olsson,por ejemplo) y otras grandes, como Rick Wakeman (otrora tecladista deYes). Las letras están todas escritas en colaboración con el ya míticoBernie Taupin. Este album alcanzo en Gran Bretaña el lugar #41 de laslistas, siendo en Estados Unidos donde obtuvo más éxito, llegando hastael #8 del Billboard 200.

1. Tiny Dancer
2. Levon
3. Razor Face
4. Madman Across the Water
5. Indian Sunset
6. Holiday Inn
7. Rotten Peaches
8. All the Nasties
9. Goodbye   


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222. Dolly Parton ? Coat of Many Colors (1971)



Excelente cantante, compositora y actriz, Dolly Parton harepresentado una bocanada de renovación entre las cantantes countryaparecidas a fines de los años ?60, con un aire y estilo desenfadado yuna simpatía sin igual, lo que le ha permitido posicionarse como una delas seis referentes femeninas más influyentes de estilo musical. Dollyfue la cuarta hija de un total de 12 hermanos nacida del matrimoniocompuesto por Robert Lee Parton (granjero y obrero de la construcción)y Avie Lee Owens. Junto a sus hermanos Stella, Floyd y Randy, fueronlos únicos integrantes de la familia que se dedicaron de lleno a lamúsica (Stella y Randy como cantantes y Floyd como compositor).
Coat of Many Colors de 1971 es un ejemplo perfecto de la brillantelabor que Parton estaba grabando durante estos últimos años. La canciónque da título al álbum es prueba de la brillantez de Parton comocompositor, la captura de la agitación emocional de su infancia através del descubrimiento de la memoria de un adulto nostálgico. Partonposee tanto la voz de una niña confundida y de una mujer conocedora,subrayado por la guitarra acústica, una luz, ritmo suave, y toques dede órganos y armonías gospel de fondo. El resto de las canciones delálbum, dicen las historias humanas en un idioma sencillo.

1. Coat of Many Colors
2. Traveling Man
3. My Blue Tears
4. If I Lose My Mind
5. Mystery of the Mystery
6. She Never Met a Man (She Didn't Like)
7. Early Morning Breeze
8. Way I See You
9. Here I Am
10. Better Place to Live

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223. Don McLean ? American Pie (1971)



"American Pie" es un influyente álbum donde se desprende la cancióndel mismo nombre, al más puro estilo folk rock y escrita por elcantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el díaque murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada. El sencillose mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad deEstados Unidos durante dos semanas en 1972.
La canción hace referencia a la historia del rock and roll,comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly,Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta elaño 1970.
La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLeandedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos queviajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por sunombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "AmericanPie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez".Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamentodejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que loscompositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo unsilencio digno".
La importancia de "American Pie" para el patrimonio musical ycultural fue reconocida por el proyecto educativo "Songs of theCentury" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco delas canciones del Siglo XX.

1.   American Pie
2.   Till Tomorrow
3.   Vincent (Starry, Starry Night)
4.   Crossroads
5.   Winterwood
6.   Empty Chairs
7.   Everybody Loves Me, Baby
8.   Sister Fatima
9.   The Grave
10.   Babylon

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224. Emerson, Lake & Palmer ? Tarkus (1971)



Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales delos años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno delos nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuosoestilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásicaque ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas.El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidosmúsicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (nacido el 1de noviembre de 1944 en Lancashire), que había pasado por diversosgrupos, entre ellos The Nice; el bajista, guitarra y cantante Greg Lake(nacido el 10 de noviembre de 1948 en Dorset), quien fue parteintegrante de King Crimson; y el batería Carl Palmer (nacido el 20 demarzo de 1951 en Birmingham), que había dejado el grupo Atomic Rooster.
"Tarkus" (1971), el segundo disco del supergrupo, alcanzó en elReino Unido el número 1 y en los Estados Unidos el número 9. Su sonidose presentaba más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, conuna primera cara dominada por una extensa suite. El álbum era untrabajo conceptual basado en Tarkus, una mixtura entre tanque yarmadillo enfrentado a un personaje mitológico denominado Manticore,monstruo con cabeza de hombre, cuerpo de león y cola de escorpión.

1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus
2. Jeremy Bender
3. Bitches Crystal
4. The Only Way (Hymn)
5. Infinite Space (Conclusion)
6. A Time and a Place
7. Are You Ready Eddy?

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225. Led Zeppelin ? IV (1971)



El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título,es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener lanumeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otrosnombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.
Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de suhabilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosaarquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzanteejercicio rítmico y exaltada escritura.
Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobreel negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de losgrandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbiotrabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización deSandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista ytolkieniana "The battle of evermore".
"Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leevebreaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham;"Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundohippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadoraguitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de"Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway toheaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantese imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éstedisco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con unJimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos comonunca antes se había visto en una banda.
Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum esel mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones decopias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Conel tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose enel segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de TheWall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente estáen la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia segúnla RIAA (Recording Industry Association of America).


1.   Black Dog
2.   Rock and Roll
3.   The Battle of Evermore
4.   Stairway To Heaven
5.   Misty Mountain Hop
6.   Four Sticks
7.   Going to California
8.   When the Levee Breaks

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1001 discos que debes escuchar antes de morir(10ma)
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1 Comentarios 1001 discos que debes escuchar antes de morir(10ma)
los enlases no sirven lastima
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