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1001 discos que debes escuchar antes de morir(8va)

  • Categoría: Reciclaje
  • Publicado hace más de 6 años
176. Derek & The Dominos ? Layla & Other Assorted Love Songs (1970)



Obra maestra de un grupo poco afortunado, pese a la enorme calidadde sus temas y sus componentes. Inicialmente formado por Eric Clapton,Bobby Whitlock, Jim Gordon, Carl Radle y Duane Allman. Disco completoen todos los sentidos dirigido por dos virtuosos de la Stratocaster,como Clapton y Allman, que habiendo ya colaborado junto a Delaney andBonnie, al igual que Bobby Whitlock, se recrean entre blues y baladas,duos y guiños a la inteligencia musical.
Cabalgando ambos sobre una base rítmica precisa y contundente,describen infinitas variaciones sobre un mismo tema: blues inagotable,hasta llegar a la magistral pieza que da nombre al álbum, "Layla",estandarte musical de Clapton, que lleva al grupo al punto culminante.
A destacar la versión del famoso "Little Wing" de Hendrix, que sibien no llega a la imposible potencia guitarrística de éste, se vesuperada por el dúo de voces Clapton-Whitlock, cuya conjunción ycomplicidad hacen innecesaria cualquier otra pincelada armónica,grabando emoción con las voces apuradas hasta el falsete.
"I looked away" inicia el disco como anticipo de lo que será el Clapton de "Slowhand".
Melódico y preciso, en la línea de personajes con los que Claptonha sido afín (Dave Mason, Harrison, etc).En la misma tendencia aparecenlos cortes "Bell Bottom blues", de inusitada ingenuidad y calidezarmónica y "Nobody knows...".
"Tell the truth" de precioso estribillo coreado, continúa comopuente entre el blues más clásico de "Key to the highway" o "Have youever loved a woman" hasta los impresionantes "Little wing" y "Layla" yacomentados.Y como punto final de esta obra imprescindible, aparece"Thorn tree in the garden", una despedida acústica de Whitlock, cuyofalsete melancólico parece augurar los difíciles tiempos por lo quepasaran en breve, Eric Clapton y Duane Allman, a cuyas biografías nosremitimos.


01. I Looked Away
02. Bell Bottom Blues
03. Keep on Growing
04. Nobody Knows You When You're Down and Out
05. I Am Yours
06. Anyday
07. Key to the Highway
08. Tell the Truth
09. Why Does Love Got to Be So Sad?
10. Have You Ever Loved a Woman
11. Little Wing
12. It's Too Late
13. Layla
14. Thorn Tree in the Garden

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177. Miles Davis ? Bitches Brew (1970)



El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios afines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayorespretensiones mezclando con gran facilidad la música popularnorte-americana, el son cubano, la samba brasilero, el tango argentino,entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene lashuellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusiónen el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la décadade los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra Bitches Brew.Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que veníaforjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya habíausado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como tambiénpost producciones en el estudio. (In a Silent Way y Filles deKilimanjaro).
En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum deimprovisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas oexperimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodíassobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En suautobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un director de orquesta,cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien ole indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la músicacrecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un procesodel desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o unmotif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta ciertopunto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". Una jam sessionmagistral.

El surco más interesante es Bitches Brew dura 26 minutos ? es unresumen del disco. Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmoconcentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso.El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero engrabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a losmúsicos mientras improvisan. Un ejemplo ocurre en el séptimo minuto. Elgrupo aparentemente ha perdido el hilo de la improvisación y está apunto de fracasar. Miles dice: "Keep it like that!", segundos después,cuando el tema recobra brío, se dirige a McLaughlin : "John!", éste sehace cargo y el tema resucita.
En Bitches Brew hubo un brillante e innovador trabajo depost-producción; obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero másveces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso elproducto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" orepeticiones para alargar ciertos trozos de cinta. En Pharaohs's Dancede Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable,Davis y Shorter crean un mantra jazzístico; el piano rhodes de Zawinules lúgubre. McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación.Las ventas de LP durante el primer año llegaron a 400 mil copias, algosin precedente para Davis, su álbum que más había vendido hastaentonces sólo alcanzó a vender 100 mil copias. Algunos críticosacusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop. Sin embargo, loextraordinario de Bitches Brew es que Miles en ningún momento imita lastendencias del pop o del rock de la época. Todos los surcos del LPdoble original duran más de 10 minutos, excepto "John McLaughlin" conpoco más de 4 minutos. Esto eliminó las posibilidades de exposición enlas radios pop. No hay arreglos, ni melodías, ni ritmos bailables, nicanciones con letras fáciles de memorizar. Con Bitches Brew Milesagregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió elapoyo de sus fieles seguidores. El nuevo vocabulario musical einstrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y loabandonaron permanentemente.
Después de casi 40 años, Bitches Brew se mantiene como una obrasólida que exige el respeto de críticos y aficionados. Se puede decirtanto de esta música, pero prefiero que hable por si sola. He pasadomuchas sesiones escuchando las distintas ediciones de Bitches Brew, yme vienen tantas imágenes e ideas mientras escucho. Cada sesión esdiferente, siempre descubro algo nuevo y fascinante.


1.   Pharaoh's Dance
2.   Bitches Brew
3.   Spanish Key
4.   John Mclaughlin
5.   Miles Runs The Voodoo Down
6.   Sanctuary

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178. Spirit ? Twelve Dreams of Dr Sardonicus (1970)



Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este grangrupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nosha legado gemas como ?Spirit? (1968), ?That Family that Plays Together?(1968) o este ?Twelve Dreams of Dr. Sardonicus? (1970), probablementela cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, ytambién de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propioCalifornia.
Se trata de un disco conceptual en base a los pasajesoníricos-ecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre acargo de David Briggs, y el disco es una maravilla psicoprogresiva quecontiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop yencantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hardrock de aliento blues, funk, country y jazz, con influencias clave dela Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.
El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muybello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de ?Nothin? toHide? (?no tenemos nada que esconder, estamos casados con la mismanovia?) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces yarreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en unacoda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras de tipolisérgico.
?Nature?s Way? es una pieza folk de sobresaliente melodía, vozcáliday confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo PhilSpector. También la canción, escrita por California, depara armonías yjuegos vocales de primer orden.
El sonido de un automóvil abre ?Animal Zoo?, diatriba hippiesca entono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson ydesarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, unanotable pieza rock con trazas funk, country y blues.
?Love Has Found a Way? combinando efectos psicodélicos con algunavoz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosabalada (no puede ser mejor a nivel melódico) ?Why Can?t I Be Free?,corta canción acústica en la cual Randy, con armonías ejemplares deFerguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad.
Ferguson aporta dosis de funk con ?Mr. Skin?, apodo del batería EdCassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante?na,na,na,na,na??, imposible no cantar acompañando el estribillo.
?Space Child? es un instrumental escrito por el teclista JohnLocke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog lograuna atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título)espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al?Tomorrow Never Knows? de los Beatles.
El medio tiempo ?When I Touch You?, otro corte de Ferguson, es unode los temas, con basamento psicodélico, con sonidos más hard rock delálbum. Detenta unas hechizantes texturas en su mágico desarrollo y unamisteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los BlackSabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma deCalifornia en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxitode esta gran pieza.
Un animado piano ocupa la intro de ?Street Worm?, otra grancanción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista,se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecenmezclar a Traffic con los Who.
Randy California escribe la acústica ?Life Has Just Begun? yretoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales yvariantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano deLocke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones deeste esencial disco. ?Morning Will Come? es una pieza optimista ymagistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejesvocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glam-rock de T.Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacionalestribillo, arreglos sublimes de viento?.obra maestra.
El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, secierra con la balada de piano ?Soldier?. De tono melancólico es unaauténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar losmismísimos Zombies del ?Odessey & Oracle?. o los ya míticoshermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.


01. Prelude - Nothin' To Hide
02. Nature's Way
03. Animal Zoo
04. Love Has Found A Way
05. Why Can't I Be Free
06. Mr. Skin
07. Space Child
08. When I Touch You
09. Street Worm
10. Life Has Just Begun
11. Morning Will Come
12. Soldier
13. Rougher Road
14. Animal Zoo [Mono Single Version]
15. Morning Will Come [Alternate Mono Mix]
16. Red Light Roll On

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179. Black Sabbath ? Black Sabbath (1st Album) (1969)



Cimentados en el blues-rock e influenciados por grupos como Cream,Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbathes uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavymetal, con su aceración sónica, iteración en sus esencias rítmicas ybasamento temático en universos tétricos y místico-satánicos. Surgidosen 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael "Ozzy"Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948), el guitarrista Tony Iommi(nacido el 19 de febrero de 1948), el bajista y letrista Terry "Geezer"Butler (nacido el 17 de julio de 1949) y el batería Bill Ward (nacidoel 5 de mayo de 1948) comenzaron su andadura musical bajo el nombreinicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth,apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y enel continente, interpretando sus primeras muestras ubicadas en patronesclásicos del blues-rock. En 1969, para evitar problemas legales conotra formación del mismo nombre y por indicación de su representanteJim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre queejemplificaba a la perfección su acercamiento a materias imbuidas demagia, fantasía y ocultismo.
La génesis de este nuevo apelativo tiene diversos orígenes segúnvarias fuentes, derivado de un título dado en Inglaterra a la películade terror de Mario Bava "Las tres caras del miedo" (1963) o emanado dela canción homónima escrita por Geezer Butler.
Firmaron con Fontana y grabaron el sencillo "Evil Woman/WickedWorld", que pasaría desapercibido para el gran público, todo locontrario que su Lp debut, producido por Rodger Bain. "Black Sabbath"(1970) mostraba desde su lúgubre portada el soporte temático de supétrea y atmosférica sonoridad, que nos regalaba piezas maestras como"The Wizard","N.I.B." o el título homónimo.
El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de lasmalas críticas recibidas, llegando al puesto número 8 en listasbritánicas.

1. Black Sabbath
2. Wizard
3. Behind the Wall of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman
6. Sleeping Village
7. The Warning
8. Wicked World

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180. The Doors ? Morrison Hotel (1970)



El penúltimo disco de los Doors con la presencia de su líder JimMorrison. Con este trabajo, el grupo californiano se aleja de la facetamás psicodélica de su primera etapa y experimental pop de "Soft Parade"para ofrecer un disco alimentado desde la particular poética de suvocalista en las raíces de la sonoridad tradicional estadounidense,especialmente en el rock'n'roll, el blues y algunos apuntesjazzísticos.
Blues-rock de ardoroso intensidad, baladas de fuerte amarresentimental y evocaciones líricas contenidas en un Lp que presenta unpletórico Morrison a la voz y unos músicos inmejorables a la ejecucióninstrumental, destacando Krieger, aquí aportando un sonido muy bluesyen su guitarra y los atmosféricos teclados siempre omnipresentes de RayManzarek.
Los mejores temas son el clásico "Roadhouse blues", "Waiting forthe sun", "You make me real", "The spy", "Peace Frog", "Blue sunday","Land Ho!" y "Queen of the highway", una elegante percepción de losamoríos entre Jim Morrison y su mujer Pam.
El sentimiento blues que caracteriza este álbum proseguiría, si cabe con mayor firmeza, en su siguiente trabajo, "L.A. Woman".

1. Roadhouse Blues
2. Waiting For The Sun
3. You Make Me Real
4. Peace Frog
5. Blue Sunday
6. Ship Of Fools
7. Land Ho!
8. The Spy
9. Queen Of The Highway
10. Indian Summer
11. Maggie M'gill


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181. The Carpenters ? Close to You (1970)



Compuesto por los hermanos Richard Carpenter (nacido el 15 deoctubre de 1946 en New Haven) y Karen Carpenter (nacida el 2 de marzode 1950 en New Haven), el dúo Carpenters resultó ser uno de losfenómenos musicales más comerciales en los Estados Unidos a principiosde la década de los 70. Su música, ligero y relajado pop de fácilconsumo para audiencias maduras, consiguió llegar a una gran cantidadde público, gracias a sus lustrosas melodías, los esmerados arreglos deRichard y la cristalina vocalidad de Karen. La historia de losCarpenters como grupo se retrotrae a comienzos de los años 60, cuandoRichard y Karen comenzaron a flirtear con algunos instrumentos, enespecial Richard, que se inició en la instrucción de piano y actuabacon algunos grupos locales de jazz, mientras que Karen intentabaaprender a golpear la batería. "Close to you" (1970), el álbumhomónimo, también resultó todo un éxito gracias a sus suaves yelegantes temas producidos por Jack Dougherty y arreglados por RichardCarpenter. El disco también contenía "We've only just begun", un singleque los llevaría al número 2.

1   We've Only Just Begun      
2   Love Is Surrender      
3   Maybe It's You      
4   Reason To Believe      
5   Help      
6   (They Long To Be) Close To You      
7   Baby It's You      
8   I'll Never Fall In Love Again      
9   Crescent Noon      
10   Mr. Guder      
11   I Kept On Loving You      
12   Another Song

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182. Stephen Still ? Stephen Stills (1st Album) (1970)



Gran disco debut de Stephen Stills en solitario, publicado tras susvaliosos trabajos en Buffalo Springfield y en paralelo a su exitosacolaboración con Graham Nash, David Crosby y (en ocasiones) Neil Young.Este Lp prosigue las andanzas acústicas de conseguidas melodías yelevadas armonías que conforman los cimientos del cuarteto citado,otorgando desde un característico sonido folk-rock de rasposa vocalidadmayor protagonismo a tendencias blues, una de sus pasiones, quedesarrolla acertadamente en estupendos cortes como "Black Queen" o "Goback home", tema en el que colabora Eric Clapton.
De ritmos calmados, este Lp homónimo va desplegando maravilla trasmaravilla, comenzando por el conocido y fenomenal sencillo "Love theone you're with" (número 10 en USA) y continuado por "Do for theothers", un bello y triste tema sobre la aflicción del desamor.
La belleza melódica continúa en la gospeliana "Church (Part OfSomeone)" y la electricidad de la guitarra de Jimi Hendrix junto alórgano del propio Stills crean la magnánima pieza autobiográfica "OldTimes, Good Times".
En "Sit yourself down", un muy buen tema folk-pop de aromashippies, cuenta con la colaboración vocal de John Sebastian (Lovin'Spoonful) y Mama Cass ("The Mamas & The Papas";en "Cherokee" presenta a Booker T. Jones en una magnífica utilizacióndel órgano y en "We are not helpless", con Ringo Starr a la batería,despliega una armoniosa textura folk de espíritu gospel.
Es difícil decantarse por una canción en particular de esta obramaestra, pero la hechizante "To a flame", una hermosísima balada quecuenta de nuevo con las baquetas de Ringo, atmósfera muy Neil Young ysublimes arreglos del turco Arif Mardin, permanecerá como uno de losmomentos álgidos de la carrera de este estupendo músico.

1. Love The One You're With
2. Do For The Others
3. Church (Part Of Someone)
4. Old Times Good Times
5. Go Back Home
6. Sit Yourself Down
7. To A Flame
8. Black Queen
9. Cherokee
10. We Are Not Helpless

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183. John Lennon ? Plastic Ono Band (1970)



Uno de los discos más rotundamente crudos de la historia del rock,en el cual un hombre escéptico con el mundo que le rodea desnuda sualma en un intento freudiano de eliminar sus fantasmas vitales, loscuales, tras una fachada de éxito, mermaban el progreso emocional de unpersonaje único en el mundo de la música moderna.
Esta catarsis sónica le sirve a John Lennon para construir su mejor, más personal y apasionado disco en solitario.
Lamentos evocativos familiares (especialmente a su adorada madreJulia), cánticos fraternales de amor, temas plagados de inherentetristeza con sentimientos de alienación mezclados con otros de carácteroptimista y apoyo solidario-reivindicativo carentes de fatuo manierismoinstrumental y sí de un sonido cuasi minimalista que no pierde un bellosentido melódico y que atrapan por la irritable reflexión existencialde un hombre en plena madurez que se despoja de la idolatría y desdeuna postura nihilista sólo cree en su persona...bueno y en Yoko.
El piano y la guitarra corren a cargo de Lennon, mientras Ringo toca la batería y Klaus Voorman (ex Manfred Mann) el bajo.
El piano de "Love" está interpretado por Phil Spector, productordel disco, y el de "God" por Billy Preston. Dos importantes nombres queprestan su ayuda en este sensacional e imprescindible trabajo..

1. Mother
2. Hold On
3. I Found Out
4. Working Class Hero
5. Isolation
6. Remember
7. Love
8. Well Well Well
9. Look at Me
10. God
11. My Mummy's Dead
12. Power to the People
13. Do the Oz

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184. Stills Crosby, Nash & Young ? Déjà vu (1970)



El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por elbritánico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool),quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses DavidCrosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componentede los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas),antiguo miembro de Buffalo Springfield.Esta reunión artística,producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales demayor significación popular y crítica en los últimos años de la décadade los 60 y comienzos de los 70. Young se uniría al trío en 1969, pocoantes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock. El ahora cuartetograbaría un álbum sobresaliente, "Deja Vu" (1970), en el cual expandíansu faceta acústica con una textura más eléctrica.
Los cuatro componentes ofrecían lo mejor de sí mismo, con dieztemas de excepción, entre ellos uno escrito por Joni Mitchell, elsingle "Woodstock", canción que ese mismo año publicó la canadiense ensu disco "Ladies of the Canyon". "Deja Vu", la cumbre del supergrupo,llegaría al número 1 en los Estados Unidos. Un disco de primer nivelsin fisuras, casi necesario en toda colección personal digna.

1. Carry On
2. Teach Your Children
3. Almost Cut My Hair
4. Helpless
5. Woodstock
6. Déjà Vu
7. Our House
8. 4 + 20
9. Country Girl
* Whiskey Boot Hill
* Down, Down, Down
* Country Girl (I Think You're Pretty)
10. Everybody I Love You

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185. Black Sabbath ? Paranoid (1970)



Uno de los grandes discos de Black Sabbath, en el cual vuelven aincidir en una sombría perspectiva del género humano y su desarrollo enun contexto propicio a la violencia y la involución, con imágenesapocalípticas, bélicas y corruptas, enfatizadas por sonidos ásperos yritmos contundentes, que crean unas atmósferas de cetrina modulación, abase de enérgica e iterativa instrumentación, pluralidad de tempos,sonoridad aposentada en la amplificación de basamentos hard yblues-rock y amalgama de gradación épica, con ramalazos góticos y unavocalidad que expone un aspecto inquisitivo en sus ilustraciones ypersonajes definidos, con un desasosiego en base a un panorama insano,alimentado por las altas esferas de la sociedad (en especial la clasepolítica) y el aborregamiento general del respetable.
Su dibujo afligido del ser humano contemporáneo y la sociedad queestá construyendo se advierte en casi todos sus cortes, desde elantibelicismo de "War Pigs" o el desequilibrio emocional, derivado desu descontento existencial, en la frenética "Paranoid", la estupendabalada de retazos psicodélicos "Planet Caravan", rica en imagineríanatural, en donde se dibuja un escenario celeste, plácido peromelancólico, con guitarra de apuntes jazzísticos, "Iron Man", pieza deindeleble riff, con el hombre de hierro clamando venganza contra estahumanidad violenta, que sólo reacciona ante la amenaza del miedo y lapropia vorágine de la vehemencia, o "Electric Funeral", tema en el cualvuelven a subrayar su mensaje apocalíptico, con una instrumentación quepondera con sus foscas texturas y aspecto amenazador la diatriba encontra de la energía nuclear y el armamento atómico. En "Hand of doom"abordan el tema de las drogas. Aunque la postura es claramentecontraria, con la muerte siempre al acecho, advierten su consumo comoevasión de un contexto alienante y peligroso. De nuevo, el tratamientoes ceñudo y ahora con mayores reminiscencias blues-rock.
"Rat Salad" es un corto y sencillo instrumental, de potentesonoridad y brillo para las seis cuerdas de Tony Iommi y en especial,las baquetas de Bill Ward, que prologan la última pieza del álbum, unsoberbio tema con jocosa lírica, exuberancia instrumental y temática denuevo aposentada en el abuso en el consumo de drogas, punto y finalpara el álbum pináculo de esta influyente formación británica.

01 - War Pigs
02 - Black Sabbath ? Paranoid
03 - Planet Caravan
04 - Iron Man
05 - Electric Funeral
06 - Hand of Doom
07 - Rat Salad
08 - Fairies Wear Boots

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186. Neil Young ? After the Gold Rush (1970)



After the Gold Rush fue uno de los discos más aclamados de NeilYoung cuando se editó, y todavía sigue despertando pasiones entreaquellos interesados en su obra. No es por nada: una porción enorme deluniverso de Neil está en este trabajo. Tell Me Why, una muy hermosacanción acústica uptempo; Southern Man, crítica rabiosa a ladiscriminación del sur de los Estados Unidos, en un tono similar al dela posterior Alabama; descorazonadoras baladas en piano, como I Believein You o After the Gold Rush; When You Dance I Can Really Love, rockenamoradizo, eléctrico, primal, vital, aparentemente básico yusualmente cautivante, en el tono típico de los Crazy Horse; Oh,Lonesome Me, denso y tristísimo cover de Don Gibson; dos joyas de unminuto y medio, alegres y pop: Till the Morning Comes y Crippled CreekFerry. Los tres temas que quedan por nombrar, para no ser menos,resultan contarse entre lo más recordado y ?clásico? del repertorio deYoung: Don?t Let It Bring You Down, Only Love Can Break Your Heart yBirds. "After The Gold Rush" , una obra maestra repleta de sensibilidadartística y emocional que fue excelentemente recibida por crítica ypúblico.

1. Tell Me Why
2. After The Goldrush
3. Only Love Can Break Your Heart
4. Southern Man
5. Till The Morning Comes
6. Oh Lonesome Me
7. Don't Let It Bring You Down
8. Birds
9. When You Dance I Can Really Love
10. I Believe In You
11. Cripple Creek Ferry

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187. Led Zeppelin ? III (1970)



Led Zeppelin III, el tercer álbum de Led Zeppelin, lanzado el 5 deoctubre de 1970 por Atlantic Records. Este álbum añadía acústica yelementos de folk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a losseguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra lamúsica heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el materialacústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stillsand Nash (and Young). En ese año la revista Rolling Stone había dadoduras críticas al álbum; críticas que no se pueden encontrar en losarchivos porque fueron eliminadas, dado que éste LP representa uno delos mejores trabajos de la banda. «Debe darse crédito a BRON-Y-AUR, unacasita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tantoolvidada de auténtica completitud que sirvió de incentivo a algunos deestos planteamientos musicales», agosto de 1970.
Esta cita, incluida en la cubierta de Led Zeppelin III sirve paraexplicar el carácter sorprendentemente tranquilo del disco. Page yPlant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todoel éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunascanciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormentegrabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión enHampshire (con el estudio ambulante de los Rolling Stones) y losestudios Island en Londres.
El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas:en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmenteeléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temasfolk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremendasacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogiómuy bien al 3er álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de losmejores discos de la banda.

1. Immigrant Song
2. Friends
3. Celebration Day
4. Since I've Been Loving You
5. Out On The Tiles
6. Gallows Pole
7. Tangerine
8. That's The Way
9. Bron-Y-Aur Stomp
10. Hats Off To (Roy) Harper

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188. Deep Purple ? In Rock (1970)



La mugiente pirotecnia en las seis cuerdas con demoledores riffs deRitchie Blackmore, el órgano de impronta clásica de Jon Lord, el vigorrítmico otorgado por la pareja Roger Glover/Ian Paice, junto a lavociferante y pujante capacidad vocal de Ian Gillan, en una sinergiasonora con influencias de Led Zeppelin, Black Sabbath, Jimi Hendrix oCream, confeccionan una de las cumbres en la carrera del grupobritánico Deep Purple, "In Rock", un LP iniciado con un apabullantetributo a Little Richard, "Speed King", que los aleja de sus iniciospsicodélicos y progresivos y los significa como uno de los esencialescimientos del hard-rock y heavy metal.
Apremiando y propagando en sacudidas amplificadas el blues-rock definales de los 60 y el clásico rock'n'roll en maneras de fibrosadistorsión, la banda británica compone para este disco, el primero conel cantante Ian Gillan en sus filas, alguna de las mejores piezas de sucarrera, como el lirismo antibélico de la espectacular y épica "Childin time", un tema con retazos gospel que presenta a un aullante Gillanacompañado una sugestiva asociación instrumental (especialmente en losteclados) y absorbentes solos de Blackmore y Lord, redundados conmagnificencia en muchos pasajes de este gran álbum, en especial en otrade las mejores piezas del disco, "Flight of the Rat", que cuentatambién con un trabajo excepcional en la batería de Ian Paice.
Los contundentes riffs de "Bloodsucker" o "Into the fire", ellacerante órgano de la sarcástica "Living Wreck" o el hipnóticodesenfreno y delirio sonoro de "Hard Lovin' Man" son otros fragmentosde un disco verdaderamente excepcional dentro de su género.

01 - Speed King
02 - Bloodsucker
03 - Child In Time
04 - Flight Of The Rat
05 - Into The Fire
06 - Living Wreck
07 - Hard Loving Man
08 - Black Night (Original Single Version)
09 - Speed King (Piano Version)
10 - Cry Free (Roger Glover Remix)
11 - Jam Stew (Unreleased Instrumental)
12 - Flight Of The Rat (Roger Glover Remix)
13 - Speed King (Roger Glover Remix)
14 - Black Night (Unedited Roger Glover Remix)

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189. Van Morrison ? Moondance (1970)



Uno de los mejores discos del irlandés Van Morrison tras abandonar el fenomenal grupo de R&B Them.
Emocional y sensitiva interpretación con temáticas deintrospección, romanticismo y gusto por la imaginería natural sobrebases soul y jazz con coros femeninos deudores del gospel.
Sus melodías se encuentran además aderezadas por preciososacompañamientos de viento, en especial los omnipresentes saxos de JackSchrorer y Colling Tillton.
El trabajo atmosférico conseguido (combinando elegancia,apasionamiento y sosiego) es soberbio, con temas clásicos como "And ItStoned Me", "Moondance", la bellísima "Crazy Love", "Caravan" o "IntoThe Mystic", en los que Van da rienda suelta con clase y sofisticacióna sus habituales cuitas sentimentales, elaborando uno de sus trabajosimprescindibles en solitario (muy influenciado por Ray Charles) quecrece y crece en cada nueva escucha.

1. And It Stoned Me
2. Moondance
3. Crazy Love
4. Caravan
5. Into The Mystic
6. Come Running
7. These Dreams Of You
8. Brand New Day
9. Everyone
10. Glad Tidings

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190. Grateful Dead ? American Beauty (1970)



Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital,sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos dela tradición sonora americana y despreocupadas disolucionespsicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos sonalgunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandesformaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead.Los ?60 fueron una década que cambió a la cultura pop para siempre,donde un montón de artistas levantaron la barra de lo que se pretendíade ellos, y volvieron obsoleta a muchísima música blanda, comercial yridícula. ¿Los ?70? Bien gracias, más que nada se dedicaron a seguirexplorando los caminos ya abiertos en la decada anterior y robando dela originalidad de músicos que reventaron todo paradigma. Igual, seríauna conclusión falaz pensar que no hubo nada de buena producción en ladécada, y hoy tenemos uno de los mejores ejemplos de un gran trabajolanzado en ese entonces.
1970 fue el año dorado para Grateful Dead con sus trabajos enestudio, que, según declaraciones de los propios miembros de la banda,habían sido influenciados por las melodías y armonías vocales deCrosby, Stills & Nash.
American Beauty, el quinto álbum de Grateful Dead es la suma detodo lo que estuvo bien de los primeros cuatro discos, y algunas de lasgemas pop más brillantes de la década, una suma de grandes tracks y unpoco de relleno que no llega a molestar. Un gran trabajo que muestra elespiritu de la costa oeste norteamericana en ese entonces. Endefinitiva, American Beauty es un disco que no te hace perder el tiempoy entrega puros buenos momentos en sus cuarenta y tantos minutos deduración, mezclando magia pop con sencillez y buen gusto. Un trabajoinspirado por parte de los Dead. Si bien no todos los momentos son tangeniales como aparentan cuando se dice algo así, el disco es coherente,y en ningún momento se acaricia con la mediocridad, logrando que sibien haya temas que se roban el disco, ningún track es inescuchable.Aplauso de pie para l Grateful Dead.


1. Box Of Rain
2. Friend Of The Devil
3. Sugar Magnolia
4. Operator
5. Candyman
6. Ripple
7. Breakdown Place
8. Till The Morning Comes
9. Attics Of My Life
10. Truckin

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191. Nick Drake ? Bryter Layter (1970)



Bryter Layter, fue el segundo álbum del cantautor inglés NickDrake, el cual fue grabado y editado en 1970. Tal como en Five LeavesLeft, este disco contiene música con acompañamiento. Integrantes delgrupo británico de folk rock Fairport Convention asistieron con lasgrabaciones del bajo, la guitarra eléctrica y la batería, mientras queJohn Cale (quien había formado parte de The Velvet Underground)participó con otros instrumentos como la viola, el clave, la celesta yel órgano.
Bryter Layter, al igual que su antecesor Five Leaves Left, novendió una cantidad significativa de copias al ser lanzado al mercado,y las revisiones en su momento fueron mixtas: mientras que RecordMirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró quelos arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbumcomo "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz". Sin embargo, con eltiempo el álbum recibió mayor reconocimiento por parte de la crítica,al igual que el resto de la obra de Drake: en 1999 el periódico inglésThe Guardian ubicó a Bryter Layter en el primer puesto de su lista"Alternative top 100 albums ever", conformada por los 100 mejoresálbumes alternativos, mientras que la revista Rolling Stone lo ubicó enel puesto 245 de su lista de los "500 Greatest Albums of All Time"("Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos",por encima de los otros dos álbumes que editó Drake durante su vida.Sin embargo, Drake no quedó satisfecho con el sonido "elaborado" delálbum, por lo que en su siguiente trabajo prefirió un sonido másminimalista. Su carácter depresivo y su temprano fallecimiento porsobredosis le elevaron a mito.

1.   Introduction
2.   Hazey Jane II
3.   At the Chime of a City Clock
4.   One of These Things First
5.   Hazey Jane I
6.   Bryter Layter
7.   Fly
8.   Poor Boy
9.   Northern Sky
10.   Sunday

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192. Ananda Shankar ? Ananda Shankar (1970)



Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fueun músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de laIndia y el rock. Casado con Tanushree Shankar. Nacido en Almora en elestado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar,bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con sutío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU.donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con JimiHendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañíadiscográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Anandashankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional yrock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo TheDoors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguióun gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

1. Jumpin' Jack Flash
2. Snow Flower
3. Light My Fire
4. Mamata (Affection)
5. Metamorphosis
6. Sagar (The Ocean)
7. Dance Indra
8. Raghupati

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193. The Who ? Live at Leeds (1970)



Live at Leeds es el primer álbum en directo del grupo británico derock The Who, publicado en 1970 y considerado como uno de los mejoresálbumes en directo de todos los tiempos.
Tras la publicación de Tommy a mediados de 1969, The Who seenmarcaría en una extensa gira de promoción, volviendo a Inglaterra afinales de año con el deseo de publicar un álbum en directo de la gira.Aún así, desaprobaron la perspectiva de escuchar cerca de ochenta horasde grabación para seleccionar las mejores interpretaciones, llegandoincluso a rumorearse que Townshend quemó las cintas para prevenir laedición de los conciertos en bootlegs. Poco después, una posteriorentrevista de Roger Daltrey despejaría los rumores. Se seleccionarondos conciertos, uno en la Universidad de Leeds y otro en Hull, con elfin de realizar una grabación óptima y publicar un álbum en directo.Los conciertos fueron programados para el 14 y el 15 de febrero de1970, si bien problemas técnicos en el concierto de Hull, en donde elbajo no llegaría a registrarse, obligaría a publicar el concierto deLeeds.
Live at Leeds se convertiría por una suma de factores, entre losque destacaban el momento álgido en la carrera del grupo y el éxitointernacional de Tommy, en una grabación salvaje. Supuso un éxito decrítica, con el New York Times aclamándolo como "el mejor álbum endirecto de todos los tiempos".7 La reputación del álbum se alarga hastala actualidad, con la revista Q alzándolo hasta la primera posición delos mejores álbumes en directo de la historia musical.8
La portada del álbum refleja un diseño semejante al de losbootlegs de la época, editados en disco de vinilo, con una portada decartón en la que se puede leer el nombre del grupo y el título delálbum sobreimpreso en azul o rojo.

1. Heaven And Hell
2. I Can't Explain
3. Fortune Teller
4. Tattoo
5. Young Man (Blues)
6. Substitute
7. Happy Jack
8. I'm A Boy
9. A Quick One
10. The Who - Amazing journey-Sparks
11. Summertime Blues
12. Shakin' All Over/Spoonful
13. My Generation
14. Magic Bus

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194. Soft Machine ? Third (1970)



Los Soft Machine fueron uno de los conjuntos más destacados dentrodel sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluirían bandasbastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en susinicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista RobertWyatt, el bajista y cantante Kevin Ayers, los guitarristas Daevid Alleny Larry Nolan, y el teclista Mike Ratledge. Varios de sus componenteshabían estado en el seminal combo The Wilde Flowers.
El grupo, con músicos mamados en raíces jazz, depsicodelia/art-rock, se bautizó con el nombre de una novela de WilliamBurroughs, el afamado autor de la Generación Beat.
Para grabar su tercer trabajo, ?Third? (1970), un doble álbumprog-rock autoproducido y editado en CBS que se convirtió en el másvendido de su carrera en Gran Bretaña, llegando al puesto número 18.Para muchos la obra maestra de la mejor formación de Soft Machine.

1- Facelift
2- Slightly all the time
3- Moon in June
4- Out Bloody rageous

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195. Rod Stewart ? Gasoline Alley (1970)



Comenzó su carrera en la banda de Brian Auger (The Brian AugenTrinity), pasó por los Steampackets, y alcanzó la fama en la banda deJeff Beck y en The Faces (Junto a Ron Wood, de Rolling Stones). En sucarrera en solitario era una estrella de rock al comienzo, virando alpop y captando en la actualidad tanto a los viejos seguidores como alas nuevas generaciones.
El primer álbum en solitario y aun siendo el vocalista de TheFaces, lo graba con la casa discográfica "Phonogram" y se titulará "Anold raincoat will never let you down". Introdujo una mezcla de músicaacústica y eléctrica utilizando folk, soul y R&B. Arropado por unanotable banda compuesta por Ron Wood, Mick Waller y el guitarristaMartin Quittenton, inteligentemente Rod Stewart mezcló sus propiasnarrativas "Cindy Lament" y "Blind Prayer" con covers de Ewan MacColl"Dirty old town" y Mike D'Abo "Handbags & gladrags", pero estedisco solo lo apreciaron los buenos catadores.
Alabado por los críticos, Stewart empezaba a prepararse el caminopara saltar a la fama. A continuación llegó el segundo disco: "Gasolinealley", conservando los mismos músicos del primer álbum (como tambiénhizo en los dos discos posteriores). Este segundo disco empezó apreocupar a la Warner (casa discográfica de The Faces), que veía quelas canciones de Rod como solista eran mejores que las que grababa conel grupo. Disfrutemos del legado setentero de este hombre que sin dudaes una de las mejores voces de la historia del rock.

1. Gasoline Alley
2. It's All Over Now
3. Only A Hobo
4. My Way Of Giving
5. Country Comforts
6. Cut Across Shorty
7. Lady Day
8. Jo's Lament
9. You're My Girl (I Don't Want To Discuss It)

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196. George Harrison ? All Things Must Pass (1970)



Tras un par de experimentos sónicos y dejar buena constancia de subuen hacer en la escritura de alguna de las mejores cancionespublicadas por los Beatles, este triple álbum destapó lasinfravaloradas esencias compositivas de Harrison, siempre a la sombrade los genios Lennon/MCCartney, sorprendiendo a crítica y público de laépoca por su elevada capacidad de crear magistrales temas de naturalezaintrospectiva empapados de amor, emotividad, mística y espiritualidad,características inherentes a su humilde personalidad.
Gran parte del álbum son piezas compuestas en su etapa con losFab Four y más concretamente, creaciones manufacturadas en la época deAbbey Road, dominadas por su sentido guitarrero pleno de percepcionesemocionantes y su acariciante y sensible vocalidad que envuelve estasbellas melodías, engrandecidas por la majestuosa producción del granPhil Spector y colaboraciones lujosas de gente como Eric Clapton, RingoStarr, Bob Dylan, Dave Mason, Ginger Baker o Klaus Voorman.
Recibido como una obra maestra desde su descubrimiento en 1970,al margen del prescindible tercer disco lleno de jams (Apple Jam), estetrabajo es la mejor obra de George en solitario y una de las mejores deun Beatle en solitario, por no decir la mejor. Ha sido certificado porla RIAA con seis discos de platino. El 29 de julio de 2006, la compañíaque regenta las listas de éxitos británicas modificó una de las listasdebido a una huelga que tuvo lugar en el momento de la publicación delálbum y que impidió repartir la correspondencia con el número deventas. Así pues, All Things Must Pass, que originalmente habíaalcanzado la posición #4, fue recientemente galardonado con el número#1 en el Reino Unido debido a los errores de cálculo originados por lahuelga.
Todas las cosas pasan, pero la música de Harrison, ejemplificadaen este enorme trabajo que contiene obras maestras de la talla de"Isn't a pity", "I'd have you anytime", "I dig love", "My sweet lord","Beware of darkness", "What life is" o "Let it down", permanecerá parasiempre.

1.I'd Have You Anytime
2.My Sweet Lord
3.Wah - Wah
4.Isn't It A Pity
5.What Is Life
6.If Not For You
7.Behind That Locked Door
8.Let It Down
9.Run Of The Mill
10.I Live For You (Bonus Track)
11.Beware Of Darkness (Bonus Track)
12.Let It Down (Bonus Track)
13.What Is Life (Bonus Track)
14.My Sweet Lord (2000) (Bonus Track)
15.Beware Of Darkness
16.Apple Scruffs
17.Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)
18.Awaiting On You All
19.All Things Must Pass
20.I Dig Love
21.Art Of Dying
22.Isn't It A Pity [Version 2]
23.Hear Me Lord
24.It's Johnny's Birthday
25.Plug Me In
26.I Remember Jeep
27.Thanks For The Pepperoni
28.Out Of The Blue   

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197. Simon & Garfunkel ? Bridge Over Troubled Water (1970)



Bridge Over Troubled Water es el quinto y último álbum de estudiode Simon and Garfunkel. Inicialmente publicado el 26 de enero de 1970.Se emplearon cerca de 800 horas de grabación para su elaboración. Elálbum cosechó un éxito mundial, vendiendo, solamente en Estados Unidos,cerca de ocho millones de copias, y alrededor de veinte millones entodo el mundo. Alcanzó lo más alto en las listas de la revistaBillboard y se mantuvo durante 10 semanas, y ganó el premio Grammy alMejor álbum del año, y Mejor equipo de sonido, mientras que el tema queda título al álbum ganó el premio a la Mejor canción del año, en laentrega de premios de 1971.
Después de este álbum, el dúo, aunque no oficialmente, estabadisuelto. Art Garfunkel continuó con su carrera cinematográfica y PaulSimon inició su etapa como solista.
En el año 2003, el álbum ingresó en el puesto 51 de la Lista deRolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Cincopremios Grammy en 1971: Mejor grabación del año (Bridge over TroubledWater), Mejor álbum del año, Mejor canción contemporánea (Bridge overTroubled Water), Mejor letra de canción (Bridge over Troubled Water),Mejor equipo de sonido.

1. Bridge Over Troubled Water
2. El Condor Pasa (If I Could)
3. Cecilia
4. Keep the Customer Satisfied
5. So Long, Frank Lloyd Wright
6. The Boxer
7. Baby Driver
8. The Only Living Boy in New York
9. Why Don't You Write Me
10. Bye Bye Love

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198. Cat Stevens ? Tea for The Tillerman (1970)



Si eres del tipo de persona que cuando escuchas una bella,tranquila y reflexiva melodía acústica llena de lirismo y entonada poruna cercana voz, sientes alterada tu fibra más sensible, este discopuede ser tu perdición. "Tea for the tillerman" es el mejor trabajo deCat Stevens, un músico de prodigiosa sensibilidad, consecuente con susideas y comprometido socialmente con el mundo que le rodea. Preocupadopor la infancia y por un futuro deshumanizado, abordando desde posturasmaduras los conflictos del corazón, quejándose con pesimismo de lacrudeza del mundo, buscando conexiones espirituales que den sentido ala existencia, o entablando geniales diatribas intergeneracionales, CatStevens oferta en este trabajo un disco repleto de hermosas einsuperables baladas, como "Where do the children play", "Hard HeadedWoman", "Wild World", "Sad Lisa" o "Father & Son", eternascanciones por las que los amantes de la buena música le deberán estarsiempre agradecidos. Produce el ex Yardbirds Paul Samwell-Smith.

01. Where Do The Children Play?
02. Hard Headed Woman
03. Wild World
04. Sad Lisa
05. Miles From Nowhere
06. But I Might Die Tonight
07. Longer Boats
08. Into White
09. On The Road To Find Out
10. Father And Son
11. Tea For The Tillerman

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199. Traffic ? John Barleycorn Must Die (1970)



Luego de la primera separación de Traffic, ocurrida durante la girade su segundo disco, a finales de 1968, el tecladista Steve Winwoodformó el grupo Blind Faith, junto a Eric Clapton, Ginger Baker y RickGrech. La banda duró solo un año y, tras su separación, Winwood decidiógrabar su primer álbum solista. Durante la grabación se le unieron dosde sus tres ex-compañeros de Traffic -el percusionista Jim Capaldi y elflautista/saxofonista Chris Wood-, lo cual significó la reformación delgrupo, esta vez como trío. El resultado es uno de los mejores álbumesde la banda, uno muy diferente a todo lo que venían haciendo: JohnBarleycorn Must Die.
Uno de los motivos por los que Barleycorn es tan distinto a susantecesores es la ausencia de Dave Mason, ex-guitarrista y bajista(quien en 1971 regresaría al grupo durante solo seis recitales, en unode los cuales grabarían el disco Welcome to the Canteen). Con esteálbum se hace claro que, en lo referente a la agrupación, los interesesde Mason y Winwood siempre habían sido diferentes y que, al no estar elprimero -que el mismo año grabó Alone Together, su excelente debutsolista-, Winwood tuvo plena libertad de expandir su creatividad ytrascender el formato de canción en el que venía trabajando: acá hayvarias secciones instrumentales y un acercamiento al jazz que ni elprimer Traffic ni Blind Faith tuvieron jamás.
En John Barleycorn Must Die los elementos que en los anterioresálbumes eran empleados para enriquecer a canciones que estaban a mediocamino entre el folk-rock y la psicodelia -variados instrumentos depercusión y vientos, teclados y pianos llenos de color-, son utilizadosen pos de ideas más novedosas y creativas, con los tres músicoshaciendo gala de un virtuosismo que no opaca en ningún momento a lasaccesibles composiciones. John Barleycorn representa un cambio positivoen la banda y sus tres excelentes sucesores de estudio (The Low Sparkof High Heeled Boys, Shoot Out at the Fantasy Factory y When the EagleFlies) seguirían en cierto modo su línea, aunque con nuevos músicossumados al trío conformado por Winwood, Capaldi y Wood.

1.: Glad
2.: Freedom Rider
3.: Empty Pages
4.: I Just Want You To Know
5.: Stranger To Himself
6.: John Barleycorn
7.: Every Mother's Son
8.: Sittin' Here Thinkin' Of My Love
9.: Backstage And Introduction
10.: Who Knows What Tomorrow May Bring (live)
11.: Glad (live)

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200. The Stooges ? Fun House (1970)



Fiero y catártico segundo disco de la banda de Detroit The Stooges,un monumental trabajo de rock garaje proto-punk con un psicótico IggyPop bramando incendiariamente sus proclamas ante los compasesnerviosos, perturbados y penetrantes de los hermanos Ron (guitarra) yScott (batería) Asheton, el bajista Dave Alexander y el enajenado saxode Steven Mackay.
La sensacional "Down On The Street", uno de los mejores temas quenunca han compuesto los Stooges, es la extraordinaria apertura para unmundo caótico pero fascinador, lleno de excitables y excitantestrabajos rítmicos, vehemencia guitarrera de Ron Asheton y minimalismolírico, traspasado por un arrollador poderío vocal de un bravío Iggy.Tras navegar por sus agresivos e impetuosos surcos repletos de furia,el imprescindible "Fun House" culmina con "L.A. Blues", unaenloquecedora y sugestiva purga sónica. Producido de forma magistralpor Don Gallucci, el teclista de los Kingsmen, quien consigue atraparcon genialidad el directo de esta esencial formación y configura elmejor disco del grupo y una de las experiencias más asombrosas ygratificantes que cualquier aficionado del rock puede disfrutar.


01.- Down On the Street
02.- Loose
03.- T.V. Eye
04.- Dirt
05.- 1970
06.- Fun House
07.- L.A. Blues
08.- Loose (Demo)

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1001 discos que debes escuchar antes de morir(8va)
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