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1001 discos que hay que escuchar antes de morir (5ta)

  • Categoría: Reciclaje
  • Publicado hace más de 6 años
101. The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967)



Grupo de garaje y pop psicodélico americano procedente de la ciudad de Los Angeles.
Formado en 1965, su música estaba caracterizada por originalesexperimentaciones lisérgicas y un apreciable sentido para la melodía.
Los componentes iniciales de The Electric Prunes eran el cantantey guitarrista Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarristarítmico James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tulin, y elbatería Preston Ritter, quien reemplazó a Michael "Quint" Weakley.
Una pieza importante en el sonido de los Electric Prunes fue elproductor Dave Hassinger, un exquisito técnico que había colaboradocomo ingeniero de sonido para los Rolling Stones en los discos "Out ofour heads" y "Aftermath", ocupando también el puesto de productor parabandas como The Grateful Dead e ingeniero para LPs de JeffersonAirplane o The Seeds.
El gran éxito para los Electric Prunes llegó con el tema "I HadToo Much to Dream (Last Night)", una pieza compuesta por Nancie Mantz yAnnette Tucker que en manos de la banda y Dave Hassinger poco separecía a la demo presentada por la pareja de compositoras,convirtiéndose con sus ropajes psicodélicosl la energía otorgada por lainstrumentación del conjunto y la voz de Lowe en uno de los grandesclásicos del psico-garage. El single, segundo del grupo, les llevó alpuesto número 11 en el Billboard.
"Get Me to the World on Time" fue su siguiente sencillo, unacanción escrita por Tucker y Jill Jones con la que la banda acercabalos ritmos de Bo Diddley a la lisergia del momento. Cosecharonestimables ventas, alcanzando el tema el puesto 27.Ambas cancionesestaban incluidas en su LP debut, "The Electric Prunes" (1967).Producido por Hassinger y arreglado por el propio grupo, era un buendisco de ecléctica sonoridad, siempre desde un enfoque psicodélico.
Los temas, en su mayoría escritos por Annette Tucker, NancieMantz y Jill Jones, tanto ofertaban pujante piezas de garajepsicodélico como sensibles baladas pop o piezas vodevilescas.


1. I Had Too Much to Dream (Last Night)
2. Bangles
3. Onie
4. Are You Lovin' Me More (But Enjoying It Less)
5. Train for Tomorrow
6. Sold to the Highest Bidder
7. Get Me to the World on Time
8. About a Quarter to Nine
9. King Is in the Counting House
10. Luvin'
11. Try Me on for Size
12. Toonerville Trolley

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102. Loretta Lynn ? Don?t Come Home a Drinkin? (With Lovin? on Your Mind) (1967)



Nacida en los bosques de Butcher Hollow en 1935, la cantantecountry Loretta Lynn se convirtió en un icono de la música folkamericana en 1981. Esto ocurrió cuando una película basada en labiografía de Lynn, «Coal Miner?s Daughter», llenó teatros y le valió ala actriz Sissy Spacek un Oscar. Durante 2 décadas, Lynn fue unahabitual de las listas country, logrando un éxito tras otro yorientando sus letras hacia un universo femenino con temas como «Don?tCome Home a Drinkin», «Fist City» y «Woman of the World». Más tarde,Lynn forjó una exitosa relación con el compositor Conway Twitty.

1.   Don't Come Home a Drinkin' (With Lovin' on Your Mi
2.   I Really Don't Want to Know
3.   Tomorrow Never Comes
4.   There Goes My Everything
5.   The Shoe Goes on the Other Foot Tonight
6.   Saint to Sinner
7.   The Devil Gets His Dues
8.   I Can't Keep Away from You
9.   I'm Living in Two Worlds
10.   Get What 'Cha Got and Go
11.   Making Plans
12.   I Got Caught

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103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)



" Call Of The Valley " es en la música clásica india lo que el"Hamlet" es en el teatro Inglés o la "Mona Lisa" en la pintura europea,un hito que está destinado a seguir siendo el estándar de oro parasiempre. Muy posiblemente el álbum clásico o instrumental más vendidode la India de todos los tiempos. Sigue encontrando, después de tresdécadas, nuevos oyentes que al escuchar este álbum pasa a ser una delas experiencias más completas de su vida. La música es simple. Esprofundo. Es fascinante. También es revolucionario. El santoor(martilló dulcimer), flauta y guitarra, tres maestros creando seispiezas sencillas, de alrededor de seis a siete minutos cada una. Latemática es romántica, uno de los instrumentos representa el ambientenatural y los otros dos representan a un hombre y una mujer cortejando.Usted puede o no sentirlo, pero comprenderá que son himnos a la madrenaturaleza. La belleza radica en que no se tiene que ser conocedor, nisiquiera se tiene que saber cosa alguna sobre música clásica india paradisfrutar de este maravilloso álbum.


1. Ahir Bhairav/Nat Bhairav
2. Rag Piloo
3. Bhoop Ghara [Dadra]
4. Rãg Des
5. Rag Pahadi
6. Ghara-Dadra - Brij Bhushan Kabra
7. Dhun-Mishra Kirwani - Shivkumar Sharma
8. Bageshwari - Hariprasad Chaurasia

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104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967)



Grabado en unos pocos días en 1967, este disco deja de lado elcostado más pop del primer disco de la banda al igual que a Nico y aAndy Warhol, que fueron despedidos después del primer disco. El discofue editado en 1968 por el sello Verve. El álbum está lleno de feedbacky noise, así como letras que tratan los temas poco convencionales queThe Velvet ya había tratado en The Velvet Underground and Nico (drogas,sexo, travestismo). Es considerado uno de los más distorsionados ysaturados de la historia del rock. Su sonido es el más crudo de todoslos discos de Velvet Underground. "White light, white heat" (1967), eldocumento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de ferozanticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidospor Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon &Garfunkel ) como "The gift", "I heard her call my name" o "Sister Ray".
La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado porello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed,abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormentelimarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustitutosería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie.

1. White Light White Heat
2. Gift
3. Lady Godiva?s Operation
4. Here She Comes Now
5. I Heard Her Call My Name
6. Sister Ray

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105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967)



Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?",estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, elrock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a lacarga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obramaestra en la que a las referidas constantes musicales añade conacierto unas estupendas dosis pop en canciones como la funky "Waituntil tomorrow", con unos atractivos coros (en los que interviene gentecomo Graham Nash o Roy Wood), "You got me floatin'" o "She's so fine",una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding, la cualestá fuertemente influenciada por los Who.
El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies",mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9",excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindiblesdel álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanishcastle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling",con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing",que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, lasensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante textoacompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o"Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad.
Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock.

01 - EXP
02 - Up from the Skies
03 - Spanish Castle Magic
04 - Wait Until Tomorrow
05 - Ain't No Telling
06 - Little Wing
07 - If 6 Was 9
08 - You Got Me Floatin'
09 - Castles Made of Sand
10 - She's So Fine
11 - One Rainy Wish
12 - Little Miss Lover
13 - Bold as Love

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106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967)



Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producenen el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinasde Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosavocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giroradical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carreramusical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que alpoderoso y vibrante soul.
En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes habíadecido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avaladanada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar poruno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productorJerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar deesta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en elque Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de esteestallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos másemocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la músicanegra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You)que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco queAretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967.
Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamentelo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podíavolcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con suespectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical quenecesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha alsur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonidoprimario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarrasdescarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivoparecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos delcalibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack,además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó estefabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluyepoderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos delsoul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros.
Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y eltorrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época.Profundas y maduras emociones expresadas por ?una mujer de 25 años conel sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor ycon una vida muy intensa?, según diría Jerry Wexler. Tal y como decíaella, ?Soul es la habilidad para hacer partícipes de tus sentimientos aotras personas?, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal ycomo se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a suhombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o enesa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es eltema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o enla preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido,de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamentointerior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiestosus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguircon todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión delclásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio desoul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es DrFeelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto,rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tussentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta.
Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra.


1. Respect
2. Drown in My Own Tears
3. I Never Loved a Man (The Way I Love You)
4. Soul Serenade
5. Don't Let Me Lose This Dream
6. Baby, Baby, Baby
7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)
8. Good Times
9. Do Right Woman, Do Right Man
10. Save Me
11. Change Is Gonna Come
12. Respect [Stereo Version]
  • [/li][/list]
    13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version]
  • [/li][/list]
    14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version]
  • [/li]

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    107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)



    Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum"Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar detratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, elsiguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico,esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquetede mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja deexperimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la bandaen su registro de una sobresaliente colección de temas de consistenciarockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco conretrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papelhigiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylanes tirar de la cisterna.



    Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathyfor the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos(incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a unaprodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectaspiezas maestras. En "No expectations" muestran un talantedesesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizanteslide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-SawPuzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época yla consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fightingman", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno desus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablande la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales."Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues conun retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistraldemostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel"Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a"Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "BeggarsBanquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller,que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con elquinteto grabando sus Lps más contundentes.

    1. Sympathy for the Devil
    2. No Expectations
    3. Dear Doctor
    4. Parachute Woman
    5. Jigsaw Puzzle
    6. Street Fighting Man
    7. Prodigal Son
    8. Stray Cat Blues
    9. Factory Girl
    10. Salt of the Earth

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    108. Traffic - Traffic (1968)



    El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de losprincipales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Despuésde comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwoodse le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras yen tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discoscomo ?Revolver? o ?Sgt Peppers? de los Beatles revolucionando elpanorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis paradesarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic.
    Traffic? (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el ReinoUnido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de lapsicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecosde The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como?Feelin? alright?, su quinto single que conoció versiones de Grand FunkRailroad o Joe Cocker, ?Who knows what tomorrow might bring?, ?You canall join in?, ?Don?t be sad? o ?40.000 Headmen?, tema del cual hicieronun cover Blood, Sweat & Tears.
    Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupotras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear laformación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durantesu corta existencia en el supergrupo Blind Faith.

    01 - You Can All Join In
    02 - Pearly Queen
    03 - Don't Be Sad
    04 - Who Knows What Tomorrow May Bring
    05 - Feelin' Alright?
    06 - Vagabond Virgin
    07 - Forty Thousand Headmen
    08 - Cryin' to Be Heard
    09 - No Time to Live
    10 - Means to an End

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    109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968)



    Aunque la frase es manida, siempre vale recordarla. Según Proust,los verdaderos artistas son aquéllos capaces de abrir las puertas haciaun mundo desconocido, en el cual jamás se ha puesto un pie. Lainveterada propuesta de Incredible String Band refrenda la sentencia¿Quién dijo que para reivindicar un ánimo psicodélico eran necesariosun bajo con fuzz, overdubs, distorsión y arsenales electrónicos?
    Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heronse prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de lacampiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda unapléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándemreinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidadvertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes de lapublicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habíansacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the Onions en el'67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante, quebradiza yabsolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpénticabelleza. Dos instrumentistas eximios, ingiriendo más de la cuenta cubosde LSD y con unas posibilidades musicales inmensas, dieron frutos enesta honesta y magistral odas a la mitología celta en su lectura másalucinógena.

    Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos,dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces:experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbumque, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el ReinoUnido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground,Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz ofNew Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a GreenCrown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado consítares, dulcímeres, flautas de agua, y una serie interminable devetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontablesgeneraciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Ungeneroso deleite y una apertura hacia el frondoso follaje de lossecretos celtas.

    1. Koeeoaddi There
    2. Minotaur's Song
    3. Witches Hat
    4. Very Cellular Song
    5. Mercy I Cry City
    6. Waltz of the New Moon
    7. Water Song
    8. Three Is a Green Crown
    9. Swift as the Wind
    10. Nightfall

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    110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968)



    Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílicode naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en sulabor melódica como en su aspecto lírico.
    Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban aambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónicosobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla bucólicadenominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo ypastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("LastOf The Stream Powered Trains".
    Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradicionesbritánicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de unpequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco delos Kinks.

    1.   The Village Green Preservation Society
    2.   Do You Remember Walter
    3.   Picture Book
    4.   Johnny Thunder
    5.   Last Of The Steam-Powered Trains
    6.   Big Sky
    7.   Sitting By The Riverside
    8.   Animal Farm
    9.   Village Green
    10.   Starstuck
    11.   Phenomenal Cat
    12.   All OF My Friends Were There
    13.   Wicked Annabbella
    14.   Monica
    15.   People Taake Pictures Of Each Other
    16.   The Village Green Preservation Society (Stereo Mix)
    17.   Do You Remember Walter (Stereo Mix)
    18.   Johnny Thunder (Stereo Mix)
    19.   Monica (Stereo Mix)
    20.   Days (Stereo Mix)
    21.   Village Green (Stereo Mix)
    22.   Mr. Songbird (Stereo Mix)
    23.   Wicked Annabbella (Stereo Mix)
    24.   Starstuck (Stereo Mix)
    25.   Phenomenal Cat (Stereo Mix)
    26.   People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix)
    27.   Days (Stereo Mix)

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    111. Ravi Shankar ? Sounds of India (1968)



    The Sounds of India de Ravi Shankar es la mezcla definitiva demúsica hindú clásica, y resulta accesible, está bien documentada einterpretada de forma gloriosa. En aquella época, en la que ubicarmúsicas del mundo resultaba complicado, Shankar fue el perfectoembajador musical, alguien acostumbrado a las legiones de admiradores,pues era antiguo amigo e informal profesor de música de los Beatles(George Harrison le llamó en una ocasión "el padrino de las músicas delmundo" )

    1. An Introduction to Indian Music
    2. Dadra
    3. Maru-Bihag
    4. Bhimpalisi
    5. Sindhi-Bhairavi

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    112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968)



    Formados en 1966, Os Mutantes fueron responsables de renovar elsonido brasileño del momento por su combinación de la psicodelia y elrock, junto a la música popular. Sus primeros discos "Os Mutantes" y"Mutantes" hicieron del trío formado por los hermanos Arnaldo y Sérgio,junto a Rita Lee una de la bandas más dinámicas y radical de la época.Han contado en muchas ocasiones con colaboraciones como las de GilbertoGil, Caetano Veloso, Tom Zé o Gal Costa.
    Para el resto del mundo, Brasil equivale a fútbol, cuerposhermosos y bossa nova. La expresión "dictadura militar represiva"aparece en pocas guías. La llegada de los hippies en el verano de 1967situó la contracultura en el foco de atención con efectos devastadores.Tomaron lo que habían oído procedente de Londres y San Francisco y lodesarrollaron. La derecha detestaba su pelo, su moral y las drogas; laizquierda despreciaba su corrupción de la música brasileña pura.

    1. Panis et Circenses
    2. Minha Menina
    3. O Relógio
    4. Adeus Maria Fulo
    5. Baby
    6. Senhor F
    7. Bat Macumba
    8. Premier Bonheur du Jour
    9. Trem Fantasma
    10. Tempo No Tempo
    11. Ave Genghis Khan

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    113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)



    Es un álbum doble que suele ser considerado uno de sus mejoresálbumes. Se destacan elementos que anticipan el rock progresivo encanciones como "1983... (A Merman I Should Turn to Be)", y la versiónde la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower" (que suele serconsiderada por muchos como la mejor versión de la misma, incluso porDylan).
    De igual manera que la tecnología de los estudios y los efectosde guitarra habían mejorado y se habían desarrollado en los últimosaños de la década de los 60, también lo hicieron los sonidos grabadospor The Jimi Hendrix Experience; y el álbum más popular de Jimi, elincreíble Electric Ladyland (conocido por su célebre e insólitaportada, en la que aparece un grupo de mujeres desnudas), aprovechóplenamente la nueva ciencia del rock. Aunque la interpretación de losmúsicos y las estructuras de las canciones se volvieron más dispersas,libres de los parámetros de la tradición del soul y del R&B con lasque la Experience había perfeccionado su técnica, Hendrix mantuvo uncontrol relativamente firme pese al frenesí de LSD y demás neuróticosque lo rodeaba.

    01. ...And The Gods Made Love
    02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland)
    03. Crosstown Traffic
    04. Voodoo Chile
    05. Little Miss Strange
    06. Long Hot Summer Night
    07. Come On (Let The Good Times Roll)
    08. Gypsy Eyes
    09. Burning Of The Midnight Lamp
    10. Rainy Day, Dream Away
    11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be)
    12. Moon, Turn The Tides... Gently Gently Away
    13. Still Raining, Still Dreaming
    14. House Burning Down
    15. All Along The Watchtower
    16. Voodoo Child (Slight Return)

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    114. The Songs Of Leonard Cohen (1968)



    La capacidad literaria del canadiense fue un valor determinantepara su posterior obra musical. Ya a los 17 años había formado un tríode tendencia country-western llamado The Buckskin Boys, estilo musicalque siempre lo definió a pesar de la posterior utilización de tecladosy sintetizadores. Cohen publicó su primer L.P. ?Songs of LeonardCohen?, en 19684, vinilo en donde deleitó con canciones como Suzanne,un poema escrito en tercera persona ?recurso muy querido por Cohen? quetranscurre en un encuentro durante un viaje por un río; en la canción,una guitarra acústica fluye como el agua y las voces femeninas del corosubliman el encuentro con una mujer, tan bella que hasta el propioJesucristo se rinde al deseo de viajar con ella. En Sisters of Mercy(«Hermanas de la Caridad»), otro de los cortes de este vinilo,despliega una sensualidad turbadora ?que remarca el sonido de unascampanillas?, juega con el equívoco entre el amor terrenal y el amor aDios («Ellas tocaron mis dos ojos y yo toqué el rocío en susdobladillos?») y trasmite la paz de haber encontrado un lugar en dondesoldar los fragmentos del alma rota por la familia y el desamparo,concepto que anticipa la futura creencia zen del canadiense. Con SoLong, Marianne («Hasta luego, Marianne», canción que recoge,seguramente, los últimos momentos de su relación con Marianne Jensen, aquien conoció en la isla de Hydra) Cohen relata, esta vez en primerapersona, una despedida con la voz crispada, al borde de la extenuación.Este estilo «confesional», intimista, es el signo inconfundible de suobra y uno de los motivos, sin duda, de la fascinación que despierta suvoz. En So Long, Marianne la incomprensión y la soledad en el amor**,otro de sus temas recurrentes5, volaban subrayadas por una partituramusical algo más elaborada y compleja ?en donde podemos escuchar unbello acompañamiento de mandolina? que en las anteriores cancionescomentadas.
    A pesar de su triste y ensimismada voz y la sencillez extrema dela música de sus primeras canciones, con este disco Cohen dejó muyclaro que la música del siglo XX había encontrado a uno de sus mejorescreadores. Songs of Leonard Cohen es la piedra angular de una prolíficacarrera creativa, en donde la poesía y la música se identifican con unafórmula que conmueve profundamente y que muchos confesaron que nopodían resistir sin desequilibrarse. Se llegó a decir, incluso, que dedía era imposible escuchar a Cohen...

    1. Suzanne
    2. Master Song
    3. Winter Lady
    4. Stranger Song
    5. Sisters of Mercy
    6. So Long, Marianne
    7. Hey, That's No Way to Say Goodbye
    8. Stories of the Street
    9. Teachers
    10. One of Us Cannot Be Wrong

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    115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)



    At Folsom Prison es un álbum en vivo del cantante country JohnnyCash grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom,California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, CarlPerkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyencanciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero dela cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado ensu vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma nocheantes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y lemostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo quela incluyeran en el álbum y la presentación.
    Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lorespetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio ytuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. Eldisco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras pormotivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 seincluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero peropusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got aWoman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastantediferente a la canción original de "Greystone Chapel".En el 2003 esteálbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería delcongreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.En el2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia delcanal Country Music Television (CMT).

    1. Folsom Prison Blues
    2. Busted
    3. Dark As The Dungeon
    4. I Still Miss Someone
    5. Cocaine Blues
    6. 25 Minutes To Go
    7. Orange Blossom Special
    8. The Long Black Veil
    9. Send A Picture Of Mother
    10. The Wall
    11. Dirty Old Egg-Suckin' Dog
    12. Flushed From The Bathroom Of Your Heart
    13. Joe Bean
    14. Jackson
    15. Give My Love To Rose
    16. I Got Stripes
    17. The Legend Of John Henry's Hammer
    18. Green, Green Grass Of Home
    19. Greystone Chapel

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    116. Laura Nyro ? Eli & the Thirteenth Confession (1968)



    Laura Nyro es, musical, personal y físicamente, una de lascantautoras más hermosas. En este, su segundo álbum, consigue amalgamarmontones de influencias: rock, pop, folk, jazz y mucho gospel. Si biencomenzó escribiendo canciones para otros artistas, en sus discos quedaclaro que también era una gran intérprete. Pianista, guitarrista,cantante, Laura emociona como nadie y cada uno de sus álbumes es unaexperiencia única. No hay ni un segundo en Eli and the ThirteenthConfession que no sea una invitación a vivir y llorar de placer. ¿Cómono enamorarse de Laura después de escucharlo?

    01 - Luckie
    02 - Lu
    03 - Sweet Blindness
    04 - Poverty Train
    05 - Lonely Women
    06 - Eli's Comin'
    07 - Timer
    08 - Stoned Soul Picnic
    09 - Emmie
    10 - Woman's Blues
    11 - Once It Was Alright Now (Farmer Joe)
    12 - December's Boudoir
    13 - The Confession

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    117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968)



    Lady Soul, es un álbum editado por Aretha Franklin el 22 de enerode 1968. Producido por Jerry Wexler, uno de los cerebros de la músicasoul de la época, 'Lady soul' viaja por todos los caminos del género,junto a una vigorosa sección de metal y las aportaciones deguitarristas de excepción como Eric Clapton y Bobby Womack.
    El disco pasaba de la intensidad de 'Money won't change you' -untema firmado por James Brown- y 'Come back baby' -de Ray Charles-,hasta la espiritualidad de 'People get ready', de Curtis Mayfield, y encada tema Aretha dejó su sello imborrable. 'Lady Soul' aportó a lahistoria clásicos como '(You make me feel like) A natural woman', unode los más recordados de toda la carrera de la cantante, que firmaronGerry Goffin, Carole King y el propio Wexler.
    Entre sus diez temas, el álbum incluyó dos que la cantante compusojunto a su marido, Ted White, 'Since you've been gone (sweet sweetbaby)' y 'Good to me as I am to you'. El disco obtuvo un éxito rotundoy con el tiempo se convirtió en un título habitual de las listas de losmejores discos de la historia, no sólo del soul, sino de la músicamoderna en general. Aretha pasó de 'Lady' a 'Queen'. Desde entonces nose ha bajado del trono del soul. El álbum consiguió llegar a lo másalto de las listas de ventas americanas.
    En 2003 la cadena VH1 nombró a "Lady Soul" en el puesto 41 de losmejores álbumes de la historia. Para la revista Rolling Stone seencontraría en el puesto número 84.

    1. Chain of Fools
    2. Money Won't Change You
    3. People Get Ready
    4. Niki Hoeky
    5. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
    6. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
    7. Good to Me as I Am to You
    8. Come Back Baby
    9. Groovin'
    10. Ain't No Way

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    118. Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968)



    Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianosBlue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturashippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciadospor las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que inclusosuperaban en la capacidad de perforación y fiereza sónica,convirtiéndose en básicos precursores del futuro heavy metal.
    Estos pasajes hard-rockeros plenos de ácido y blues muestran elpoderío instrumental del terceto, en especial la guitarra hiriente,distorsionada y sinuosa de Leigth Stephens y el estruendoso y bestialataque de Paul Wahley sobre su resonante batería a lo largo de estasseis piezas llenas de crudeza, desabrimiento y acrimonia, entre las quedestacan la membruda versión del "Summertime Blues" (en donde incluyenel riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rockEddie Cochran.
    Las demás (con especial mención para el gran riff de "Out offocus", tema escrito y cantado por el bajista Dickie Peterson) sonabrumadoras y gozosas revisitaciones del rock y el blues más clásicopero con una atrayente sonoridad caótica, retorcida y retumbante.

    1. Summertime Blues
    2. Rock Me Baby
    3. Doctor Please
    4. Out Of Focus
    5. Parchment Farm
    6. Second Time Around

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    119. The Byrds - The Notorious Byrd Brothers (1968)



    Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aúnmás por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas yvenidas y demás avatares. David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lohabía hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (eneste trabajo el que toca casi todos los pasajes de batería es JimGordon).nTodos estos inconvenientes no afectaron al resultado final dela obra, el LP más bello que nunca han grabado los Byrds, uno de losconjuntos más influyentes de la historia del rock, además de creadoresdel folk-rock, country-rock, jangle-pop y country-pop, el repique de laguitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, que además deampliar el significado del folk expandió la flamígera llama de lapsicodelia, se puede encontrar en cualquier estilo musical pasado ypresente, desde el power-pop de Teenage Fanclub hasta los primerossonidos alternativos de R.E.M. pasando por el rock de factura comercialde U2. Ya en su época, muchos grupos fueron influidos por la bandacaliforniana, incluídos los propios Beatles, no en vano, John Lennonaparece en "Revolver" con el modelo de gafas que McGuinn habíapatentado.
    En "Notorious Byrd Brothers" los Byrds intentaron siempre desdesu propia personalidad establecer una respuesta a la cuidadosaproducción del "Sgt Pepper's" de los Beatles, utilizando de nuevo aGary Usher, colaborador también de "Younger than yesterday" en lastareas productivas.
    El resultado es excelente. Su celestial combinación de vocesjunto a unas magistrales composiciones llenas de barroquismo consecciones de viento, arreglos de violines, teclados siderales yguitarras enraizadas en una hechizante amalgama de pop, country, rock,folk y psicodelia. La soberbia capacidad instrumental de susprotagonistas contó con la impagable aportación de las guitarras deClarence White y Red Rhodes, el Moog de Paul Beaver y los apoyosvocales de Curt Boettcher, un mago de la producción vocal de los años60 que ayudó a llevar al éxito a los Association y formó parte de dospoco conocidos pero magistrales proyectos de pop psicodélico:Sagittarius y The Millennium.


    1. Artificial Energy
    2. Goin' Back
    3. Natural Harmony
    4. Draft Morning
    5. Wasn't Born to Follow
    6. Get to You
    7. Change Is Now
    8. Old John Robertson
    9. Tribal Gathering
    10. Dolphin's Smile
    11. Space Odyssey
    12. Moog Raga [Stereo]
  • [Instrumental] [/li][/list]
    13. Bound to Fall [Stereo]
  • [/li]
  • [Instrumental] [/li][/list]
    14. Triad [Stereo]
  • [/li][/list]
    15. Goin' Back [Stereo]
  • [/li]
  • [/li][/list]
    16. Draft Morning [Stereo][Alternate Take]
  • [/li]
  • [Take] [/li][/list]
    17. Universal Mind Decoder [Stereo]
  • [/li]
  • [Instrumental][/li]

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    120. Big Brother & the Holding Company - Cheap Thrills (1968)



    "Volver a los buenos tiempos es lo que intentamos con nuestramúsica, a dar saltos y colocarse". Con estas palabras definió esteálbum la mismísima Janis Joplin. En ella voz y mito se hacen uno; serompe la vieja leyenda del blues, con una chica hippie blanca de texascapaz de desgarrar el alma casi a la altura de grandes como Big MamaThornton o Memphis Minnie.
    Cheap thrills es el segundo álbum de Janis Joplin como vozprincipal de la banda de rock y blues Big Brother & the HoldingCompany. El grupo había realizado en 1967 una espectacular actuación enfestival de Monterrey, lo cual hizo que este disco fura acogido congran entusiasmo por el gran público. No tardaría nada en alcanzar losprimeros puestos de las listas estadounidenses en 1968. Fue tal eléxito que el álbum consiguió estar en lo más alto durante ocho semanasseguidas. La voz de Janis hace que las canciones suenen atemporales, esuna mezcla perfectamenta entre el blues y el jazz más desgarrados, conuna instrumentación que se mueve hacia el rock menos comercial de suépoca. Podriamos meter este álbum dentro del estilo haigh-ashbury quese dio fuertemente a finales de los 60s. En el álbum encontramossonidos que nos llevan desde el rock, como ya había dicho, hasta eldoo-wop o el soul, sin olvidarnos del blues, el cual Janis domina comopocas cantantes blancas. Tras este álbum, realmente mientras cosechabaéxito este disco, Janis emprendió su carrera en solitario, comenzandoasí el mito.
    El álbum está compuesto por siete canciones, de las cualespodemos encontrar cuatro de nueva creación; estando tres de ellascompuestas por la propia Janis junto al guitarrista de la banda, SamAndrew; y tres versiones de temas clásicos del jazz y el soul.

    1.-Combination of the Two
    2.-I Need a Man to Love
    3.-Summertime      
    4.-Piece of My Heart
    5.-Turtle Blues
    6.-Oh, Sweet Mary
    7.-Ball and Chain
    8.-Roadblock
    9.-Flower In the Sun (Previously Unissued)
    10.-Catch Me Daddy (live)
    11.-Magic of Love (live)

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    121. The United States Of America (1968)



    The United States of America fue una de las agrupaciones máspeculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérpretede numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezasen extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos,maquinitas de diversos tipos y baterías eléctricas, a torbellinospsicodélicos furiosos, tan cercanos a los primeros Grateful Dead como aMy Bloody Valentine. A Byrd, mente principal del quinteto, se le sumala preciosa, enigmática voz de Dorothy Moskowitz, que canta como unacruza entre una Sandy Denny doblemente agotada y una especie de LauraNyro cínica, rabiosa. Las letras pesadillezcas, críticas, acompañan ala música en esta suerte de descenso a infiernoselectrónico-lisérgicos. Aires festivos sutiles, bajos que por momentosmarchan como la columna vertebral de John Cleese parodiando a unmilitar, el violín eléctrico burlón de Gordon Marron, las composicionesafiladísimas, construidas más allá de géneros y límites, arman un álbumque parece creado para trascender y pisotear cualquier tipo depreconcepto de lo que supuestamente debería ser el rock, la psicodeliao la música electrónica.
    No es casual que los United States of America logren su objetivo,no dividiendo, sino amalgamando; sumando elementos tan diversos como elagua y el aceite para lograr una obra que hierve, quema y deja pensandoen cuántos territorios sonoros le quedan por explorar a la músicapopular. Tampoco es casual que la agrupación se llame United States ofAmerica; nombre que les permite reírse abiertamente de ese eternointento de preservar los valores tradicionales norteamericanos alrealizar una música que obligaría a taparse los oídos a casi cualquierrepublicano que en un principio se pueda sentir atraído/orgulloso porla idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva agrupación de"música moderna". Lo que sí puede resultar, más allá de toda alabanza,es que el disco suene por momentos poco conciso, algo débil como untodo. Imagino que es difícil de evitar, al tratarse de una obra quemezcla, entre otras cosas, folk, hard rock psicodélico, krautrock, popde cámara, coros escalofriantes, curiosidad/complejidad "progresiva",densidad proto-punk y collages abstractos algo zappeanos (aunque estedisco fue grabado el mismo año que Absolutely Free -es decir, Frank nose les adelantó por mucho). Para disfrutar a esta única obra de losUnited States of America, entonces, hay que estar de un humor especial;buscando construcciones intrincadas y ácidas, más que pretendiendorelajarse con composiciones agradables y amenas. Pero lo más graciosoes que la cerebralidad y frialdad de ciertos (muchos) pasajes del discose rompen en mil pedazos al irrumpir temas como I Won't Leave My WoodenWife for You, Sugar o Stranded in Time que, en comparación con otrosmomentos del álbum, son -al menos desde lo puramente musical- odas a laalegría y calidez. The United States of America es un trabajo, endefinitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia industrial,cierto romanticismo agridulce y una bienvenida dosis de absurdoirreverente. Después de semejante montaña rusa sonora, eso sí, lo quemás queda retumbando en la cabeza es que es una pena que estosmuchachos no hayan seguido tocando juntos.

    01 - The American Metaphysical Circus
    02 - Hard Coming Love
    03 - Cloud Song
    04 - The Garden of Earthly Delights
    05 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar
    06 - Where Is Yesterday
    07 - Coming Down
    08 - Love Song for the Dead Ché
    09 - Stranded in Time
    10 - The American Way of Love
    .......a. Metaphor for an Older Man
    .......b. California Good Time Music
    .......c. Love Is All
    Bonus tracks:
    01 - Osamu's Birthday
    02 - No Love to Give
    03 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar - Alternate version with Moskowitz singing lead
    04 - You Can Never Come Down
    05 - Perry Pier
    06 - Tailor Man
    07 - Do You Follow Me
    08 - The American Metaphysical Circus - Demo version
    09 - Mouse (The Garden of Earthly Delights) - Demo version
    10 - Heresy (Coming Down) - Demo version

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    122. Dr. John - Gris-gris (1968)



    Aunque el disco fue grabado en California, Mac Rebennack, quien seesconde tras el nombre de Dr. John, nace, se cría y desarrolla sufaceta musical en Nueva Orleáns, donde trabaja durante años comomulti-instrumentalista, músico de estudio y productor de innumerablesgrabaciones de los 50. Así que, al menos respecto al corazón ysentimientos, nos llega este ?Gris gris? desde la Nueva Orleáns másprofunda, cuna del jazz y lugar de fusión de las culturas americana,europea y africana.
    Con aire de ritual africano y de voodoo, pero a su vez conesencias del R&B y del jazz, Dr. John nos arrastra en su viaje através del Barrio Francés hasta las orillas del Missisipi, donde lastortuosas ramas cargadas de líquenes de los robles centenariosconforman un ambiente fantasmal.
    Ya desde la primera canción, la hipnotizante ?Gris gris gumbo yaya?, eres consciente de que éste es un álbum para escucharlo sólo? y denoche. Este disco debería llevar una etiqueta que dijera PLAY IT ONLYAT MIDNIGHT. La presencia en todo el disco de las congas marcandoritmos africanos, las panderetas, mandolinas y flautas, se dejan oír yadesde este primer hechizo que abre el disco.

    1.: Gris Gris Gumbo Ya Ya
    2.: Danse Kalinda Ba Doom
    3.: Mama Roux
    4.: Danse Fambeaux
    6.: Jump Sturdy
    5.: Croker Courtbullion
    7.: Walk On Gilded Splinters


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    123. Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968)



    Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, IronButterfly fue una de las principales formaciones de acid-rock de laépoca, endureciendo y extremando los axiomas característicos de lapsicodelia americana, nutrido en su música y letras por el consumo dedrogas lisérgicas e imbuido sonoramente por los postulados progresivos.
    El grupo se creó en 1966 en la ciudad californiana de San Diego.Estaba compuesto por el cantante Darryl DeLoach, el vocalista yteclista Doug Ingle (nacido el 9 de septiembre de 1946 en Omaha), elguitarrista Danny Weis, el bajista Greg Willis y el batería JackPinney.
    En este primer proceso de formación y ya establecidos en la ciudadde Los Angeles, se sucedieron rápidos y constantes cambios en la banda.Willis dejó su puesto a Jerry Penrod y Pinney a Bruce Morse, queposteriormente sería reemplazado por Ron Bushy. Los nuevos miembros enllegar a Iron Butterfly serían el bajista Lee Dorman y el guitarristaErik Brann. Con esta formación y siempre bajo el liderazo compositivode Doug Ingle, grabarían su Lp más triunfante, "In-A-Gadda-Da-Vida"(1968), disco que contenía el famoso y extenso tema homónimo, conexcitantes tramos instrumentales, que contiene un insistente y poderosoriff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica.In-A-Gadda-Da-Vida, es un tema rock de diecisiete minutos, ocupandoenteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escuchasólo al principio y al final. La canción incluye un memorable riff deguitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda laduración del tema. El riff es usado como base para los largos solos deórgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solode batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, yprobablemente uno de los más famosos en este género. La canción esimportante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer ySteppenwolf, marcó el punto en el cual la música psicodélica produjoheavy metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal yrock progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de susonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación.Alcanzando el número cuatro, la canción se pasó ciento cuarenta semanasen la lista del Billboard 200.

    1. Most Anything You Want
    2. Flowers and Beads
    3. My Mirage
    4. Termination
    5. Are You Happy
    6. In-A-Gadda-Da-Vida

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    124. Pretty Things - S.F.Sorrow (1968)



    Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B,se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finalesdel decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primeraópera-rock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder delos Who, Pete Townshend, a la hora de idear su exitoso "Tommy".
    Concebido por las mismas fechas que otros insignes obras como"Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Piper atthe gates of dawn" de Pink Floyd, y grabado en los mismos estudios deAbbey Road, "S. F. Sorrow" nunca gozó de la popularidad yreconocimiento de sus contemporáneos, seguramente debido a que nuncatuvo el apoyo y la promoción de éstos, ya que musicalmente escomparable a cualquiera de los mejores trabajos de su tiempo, una obramaestra rotunda de la era psicodélica que narrando la triste historiadel solitario S. F. Sorrow, nos deleita con momentos inolvidables como"S. F. Sorrow is born", "Bracelets of fingers", "Private sorrow","Death", "Baron Saturday", "I see you", "Trust" o "Loneliest person".
    Esta auténtica joya, con exquisita producción de Norman Smith,merece ser redescubierta por su absorbente atmósfera y la capacidad deconexión de diversas influencias ácidas para la edificación de untrabajo sorprendente,original y excitante, sin duda, de lo mejor quejamás se haya grabado en los años 60 en las Islas Británicas.

    01. S.F. Sorrow Is Born
    02. Bracelets of Fingers
    03. She Says Good Morning
    04. Private Sorrow
    05. Balloon Burning
    06. Death
    07. Baron Saturday
    08. The Journey
    09. I See You
    10. Well of Destiny
    11. Trust
    12. Old Man Going
    13. Loneliest Person
    14. Defecting Grey (acetate version)
    15. Defecting Grey [Bonus]
    16. Mr.Evasion [Bonus]
    17. Talkin' About The Good Times [Bonus]
    18. Walking Through My Dreams [Bonus]
    19. She Says Good Morning [live 1969]
    20. Alexander [live 1969]




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    125. Simon & Garfunkel - Bookends (1968)



    Un prodigioso vocalista y un genial compositor y no menos estupendocantante formaron la pareja más importante y popular de los años 60.Simon & Garfunkel ocuparán un lugar de oro en la historia de lamúsica folk-rock gracias a unos temas llenos de belleza en su ejecuciónvocal e instrumental pero también de perspicaz lírica no exenta decrítica social.
    Si Simon & Garfunkel ya habían conseguido el respeto crítico ysus ventas era millonarias, en 1967 lograrían convertirse en unos delos rostros más reconocidos en el mundillo musical gracias al tremendoéxito de la película "El graduado", un estupendo film que conteníavarios temas antiguos del dúo y uno nuevo compuesto para el filmtitulado "Mrs. Robinson".
    Este sencillo y otras espléndidas canciones como "America", "AHazy shade of winter", "Old friends" o "At the zoo" vendrían contenidasen su disco "Bookends" (1968), otro magnífico trabajo que consiguió unmerecido triunfo en ventas.
    Este triunfo no se vería reflejado en las relaciones entre Paul yArt. Garfunkel se veía apartado en las tareas compositivas y Simondeseaba retomar su carrera en solitario.

    1. Bookends Theme
    2. Save The Life Of My Child
    3. America
    4. Overs
    5. Voices Of Old People
    6. Old Friends
    7. Bookends Theme
    8. Fakin' It
    9. Punky's Dilemma
    10. Mrs. Robinson
    11. A Hazy Shade Of Winter
    12. At The Zoo 

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1001 discos que hay que escuchar antes de morir (5ta)
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el post esta bueno pero todos los links estan caidos
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